Biographie.

Premières années.

Rhys Chatham commença sa carrière musicale comme accordeur de piano et de clavecin pour deux pionniers de l'avant-garde musicale : La Monte Young et Glenn Gould. Il étudia ensuite avec deux figures du minimalisme à l'époque: Morton Subotnick et Tony Conrad, avec qui il forma un groupe. En 1971 alors qu'il n'avait que 19 ans, Chatham fonda et dirigea pendant un temps le programme musical de The Kitchen à Manhattan. Ses premières compositions comme "Two Gongs" (1971) s'inspiraient largement du travail de Young et d'autres minimalistes. Mais rapidement, ses œuvres gagnèrent en importance et en amplitude.  Un certain nombre d'artistes comme Maryanne Amacher, Robert Ashley, Philip Glass, Meredith Monk, Pauline Oliveros et Steve Reich participèrent à ses performances et expériences scéniques, de même que des musiciens de rock alternatif comme Brian Eno, Robert Fripp, John Lurie et Fred Frith. Dans les années 1980, Rhys Chatham travailla beaucoup avec les plasticiens Robert Longo et Joseph Nechvatal.

Influences Rock.

À partir de 1977, après avoir assisté à l'un des premiers concerts des Ramones, Chatham et sa musique furent sérieusement influencés par le mouvement punk rock. Il prit part à l'émergence d'un nouveau courant musical baptisé plus tard no wave et qui fut influencé par le minimalisme de Tony Conrad. C'est cette année que Chatham commença à jouer "Guitar Trio" à Manhattan avec Glenn Branca et Nina Canal (du groupe Ut). Pendant cette période il composa plusieurs œuvres pour des grandes formations de guitares, et notamment "Drastic Classicism" pour lequel il collabora avec la danseuse Karole Armitage. Les membres d'un groupe de la scène noise rock new-yorkaise, Band of Susans, commencèrent leur carrière dans les formations de Rhys Chatham. Plus tard, en 1991, ils reprirent "Guitar Trio" sur leur album "The Word and the Flesh". De la même manière, certains membres de Sonic Youth, groupe noise rock new-yorkais, débutèrent dans les formations de Glenn Branca aussi bien que de Chatham, bien que leurs relations ne soient pas des plus cordiales.

Trompette.

Chatham commença l'étude de la trompette en 1983. Ses travaux plus récents explorent l'improvisation en trompette soliste. C'est lui-même qui joue, en utilisant des effets qu'il a déjà travaillés pour l'amplification de la guitare, sur des rythmes de techno et de drum 'n' bass synthétisés par le compositeur anglais Martin Wheeler. Ces explorations qui datent des années 1990 sont sorties sur la compilation "Neon" du label Ninja Tune.

Rhys Chatham (New York, - ) est un compositeur, guitariste et trompettiste américain, dont les domaines d'expérimentation se rapprochent de la musique minimaliste et de l'avant-garde. Il est connu en particulier pour ses "orchestres pour guitares", où il dirige plusieurs dizaines voire centaines de guitaristes. Il habite en France depuis 1987.

Rhys Chatham (* 19. September 1952 in New York) ist ein US-amerikanischer Komponist und Musiker (Gitarre und Trompete). Chatham wird der zweiten Generation des Post-Minimalismus, die auch als "Totalismus" bezeichnet wird, zugerechnet. Diese Richtung knüpfte an die Minimal Music der 1960er und 1970er Jahre an; ihr Kennzeichen ist eine gegenüber dieser deutlich erhöhte rhythmische und klangliche Komplexität bei einer ansonsten repetitiven Arrangementstruktur. Bekannt wurde Chatham vor allem für seine Fusionen zwischen Rockmusik und minimalistischen Elementen, sowie später für seine improvisatorischen Werke für Solotrompete.


Système de jeu.

"" est un jeu de tir à la troisième personne, ou TPS, la caméra étant placée au-dessus de l'épaule droite du joueur, et se caractérise par l'absence d'interface traditionnelle.  Les objectifs assignés au joueur et les diverses options de jeu comme l'inventaire sont accessibles par hologramme, projeté au-dessus de l'arme de Isaac. De ce fait, le jeu ne se met pas en pause lorsque le joueur accède au menu, accentuant la pression sur le joueur.  Un magasin (stock) peut être trouvé dans le jeu, ainsi que des plans permettant l'amélioration ou l'achat d'armes et objets supplémentaires. L'apesanteur et le vide spatial sont des environnements inédits apparaissant dans '. Isaac peut se déplacer dans un niveau sans gravité en utilisant son scaphandre et ses bottes magnétiques qui lui permettent de s'accrocher. Il pourra même aller sur la coque du vaisseau. Cependant Isaac peut mourir par manque d'oxygène s'il se trouve dans une zone de vide spatial. Conformément à la profession d'Isaac, qui est un ingénieur plutôt qu'un soldat, les armes du jeu semblent surtout improvisées, comme un cutter à plasma, le lance-flammes et le fusil d'impulsion. Le joueur possède aussi une capacité de stase lui permettant de figer temporairement des ennemis ou des objets, et une capacité de télékinésie pour prendre et déplacer des objets. Des journaux audio et vidéos peuvent être trouvés partout dans le jeu, ce qui fournit des bribes d'informations sur l'histoire. Le combat dans'se complique, du fait que les nécromorphes ne meurent pas simplement lorsque le joueur leur tire dessus. En fait, quand ils sont blessés les nécromorphes peuvent adopter de nouvelles positions et tactiques de combats. Pour défaire le nécromorphe, Isaac doit utiliser le, la séparation méthodique de membres du nécromorphe., et les prévisualisations du jeu montraient déjà le caractère sanglant du jeu.  Le joueur peut aussi améliorer ses armes et équipements, à l'aide de points de force, utilisables sur des stations d'améliorations situées dans le vaisseau. Plus tard dans le jeu, les Nécromorphes deviennent plus forts et il apparait que dans quelques secteurs, les Nécromorphes ont commencé à créer une ruche semblable aux films "Aliens". Avec l'évolution des ennemis, le jeu devient beaucoup plus difficile. Certains deviennent plus forts pendant que d'autres deviennent plus rapides et plus puissants.

L'histoire.

Synopsis.

L'action de " se déroule en 2508. En ce début du, les ressources naturelles de la Terre sont pratiquement arrivées à épuisement et l'espèce humaine est partie à la conquête de l'espace pour trouver de nouveaux moyens de subvenir à ses besoins en matières premières. Pour ce faire, des vaisseaux spatiaux d'un genre nouveau, les brise-surface, sont conçus pour arpenter l'espace à la recherche d'exoplanètes exploitables. L'intrigue débute lorsque l'un de ces vaisseaux, l'USG Ishimura (Ishimura s'écrit en japonais 石村, et signifie littéralement ) ne donne plus signe de vie ; toute communication semble avoir été coupée alors que l'Ishimura avait commencé à démanteler et exploiter une nouvelle planète, Aegis VII. Une petite équipe technique est alors envoyée afin de rétablir le contact avec le brise-surface ; parmi les membres de cette équipe se trouve un ingénieur chargé de pénétrer à l'intérieur du bâtiment pour y réparer le système de communication défaillant.  Isaac Clarke et son équipe ne tardent pas à découvrir que ce vaisseau est vide de toute présence humaine et que l'équipage a été infecté par un mystérieux virus, qui a la capacité de réanimer le corps des morts en les transformant en monstres, les nécromorphes. Se retrouvant isolé des autres membres de l'équipe, Clarke va devoir se débrouiller pour survivre et trouver une solution pour fuir l'Ishimura.

Résumé.

À la suite de la réception d'un message de détresse suivi d'une rupture totale des communications avec l'un de ses vaisseaux de type, l'USG Ishimura, qui opérait en orbite autour de la planète Aegis VII, la " ou CEC envoie une petite équipe de maintenance à bord de l'USG Kellion pour enquêter sur les raisons de l'avarie et y remédier. Cette équipe se compose de cinq membres d'équipage : le capitaine Zach Hammond secondé de ses deux caporaux, Chen et Johnson, ainsi que deux ingénieurs, Kendra Daniels et Isaac Clarke. À la suite d'un mauvais fonctionnement du système de guidage, le Kellion manque son approche et s'écrase sur le quai de l'Ishimura, provoquant d'importants dommages au petit vaisseau. Indemne, l'équipe pénètre dans l'Ishimura, apparemment désert, afin de remplir sa mission et trouver un autre moyen de transport. Mais alors qu'ils se trouvent dans le sas d'accueil et examinent les premiers éléments à leur disposition, ils sont attaqués par d'étranges créatures ; Chen et Johnson sont tués tandis que Clarke se retrouve séparé de Hammond et Daniels. Ces derniers, ayant pu accéder aux systèmes informatiques du vaisseau et en constater les défaillances, vont alors guider Isaac pour qu'il puisse procéder aux réparations nécessaires à la reprise en main des systèmes de l'Ishimura et ainsi leur permettre de demander de l'aide.  Au gré de sa progression dans le vaisseau afin d'effectuer diverses réparations, Isaac trouve de nombreux rapports écrits et archives vidéo qui lui permettent de reconstituer les événements survenus sur l'Ishimura avant leur arrivée. Tout découle de la découverte sur Aegis VII, au cours des opérations d'exploitation de la planète, du Monolithe, une relique fondamentale d'une religion alors très développée et influente, l'Unitologie. Le capitaine Benjamin Matthius, unitologue convaincu, ordonne la récupération du Monolithe et son rapatriement sur l'Ishimura depuis la colonie installée en surface, d'où seraient venus les monstres qui ont attaqué Isaac et son équipe à leur arrivée. Peu de temps après, les membres de la colonie présentent de nombreux symptômes d'hallucination, d'hystérie collective et de démence ; la situation empire vite au point que le personnel commence à s'entre-tuer. Le capitaine Matthius semblant lui-même affecté, l'officier scientifique en chef, le docteur Terrence Kyne, tente de le relever de ses fonctions, provoquant une altercation au cours de laquelle le capitaine est accidentellement tué. Pendant ce temps, l'infection ravage totalement la colonie et se révèle être une sorte de virus extraterrestre, un code génétique encrypté dans le Monolithe et capable d'infecter les cadavres pour les réanimer et les faire muter en créatures, baptisées par l'équipe scientifique, qui répandent l'infection en massacrant les personnes saines. La présence d'un nécromorphe dans une navette de secours en provenance de la colonie étend l'infection à l'équipage de l'Ishimura.  Poursuivant son exploration de l'Ishimura, Isaac entre en contact avec sa fiancée, Nicole Brennan, dont il avait reçu un message avant son arrivée à bord ; celle-ci fait de toute évidence partie des rares survivants à bord du vaisseau. Ils ne parviennent toutefois pas à se retrouver. Par la suite, Isaac finit par réparer les systèmes de communication et permet ainsi à Kendra d'envoyer un signal de détresse. Celui-ci est reçu par un vaisseau militaire, l'USM Valor, qui croise à proximité et se détourne pour faire cap vers l'Ishimura. Mais ce vaisseau, ayant récupéré une capsule de survie dans laquelle Hammond était parvenu à enfermer un nécromorphe, se retrouve touché par l'épidémie ; son équipage contaminé, le Valor entre en collision avec l'Ishimura. Hammond s'étonne de la présence de ce vaisseau de guerre lourdement armé croisant non loin d'Aegis VII et suspecte que le Valor ait été envoyé pour détruire l'Ishimura  Résolus à fuir le vaisseau coûte que coûte, Hammond et Isaac décident de se rendre à bord du Valor pour y récupérer une pièce manquante au système de propulsion d'une petite navette de secours autrement encore en état de fonctionnement, située dans les quartiers des officiers ; leur mission réussit mais Hammond y laisse la vie, tué par une brute, un type de nécromorphe massif et extrêmement puissant. C'est alors que Clarke, de retour sur l'Ishimura, est contacté par le docteur Terrence Kyne ; celui-ci lui révèle l'existence de la Reine-Mère, une créature ayant le pouvoir de contrôler les Nécromorphes, et l'implore de ramener le Monolithe sur Aegis VII, seul moyen de remettre cette créature sous contrôle et ainsi enrayer l'épidémie. Mais alors qu'Isaac, ayant récupéré et chargé l'artefact sur la navette qu'ils avaient réparée, est sur le point de partir pour Aegis VII avec Kyne, celui-ci est assassiné par Kendra.  Cette dernière dévoile alors son statut d'agent gouvernemental infiltré dont la mission consiste à retrouver, récupérer et rapporter le Monolithe à ses supérieurs. Elle explique également à Isaac que ce Monolithe est une copie réalisée par rétro-ingénierie du Monolithe original, trouvé des siècles plus tôt sur Terre par Michael Altman, fondateur de l'Unitologie. Le but de cette expérience était d'en étudier les propriétés mais, face à l'apparition imprévue des Nécromorphes et aux risques de propagation de l'infection que cela implique, le projet avait été abandonné et le Monolithe, laissé sur Aegis VII pour maintenir la Reine-Mère sous contrôle et ainsi les conséquences de l'expérience. Sur ces explications, Kendra s'enfuit à bord de la navette contenant l'artefact ; mais Isaac parvient, avec l'aide de Nicole, à en prendre le contrôle à distance pour la ramener sur l'Ishimura, forçant Kendra à fuir à bord d'une capsule de secours.  Isaac et Nicole montent à bord de la navette et mettent le cap sur la colonie d'Aegis VII, afin de remettre le Monolithe en place et mettre un terme à l'infection Nécromorphe.  Après des efforts laborieux, le Monolithe est remis dans le trou béant d'Aegis VII, provoquant une violente réaction qui sera stoppée par Kendra. Celle-ci révélera alors à Isaac que Nicole est une illusion car elle s'est suicidée durant la contamination de l'Ishimura, et lui en donne la preuve par la diffusion sur son RIG de la partie manquante de la dernière vidéo laissée par Nicole. Kendra lance alors un champ de gravité pour attirer un astéroïde sur Aegis VII, et cherche à s'enfuir à travers la navette, poursuivie par Isaac. C'est alors que surgit la Reine-Mère, qui pulvérise Kendra avec ses énormes tentacules. Isaac se retrouve alors seul pour l'affronter tandis que l'astéroïde continue sa chute vers la planète. Après la défaite de la Reine-Mère, Isaac reprend en hâte place dans la navette et quitte Aegis VII qui explose à la suite de l'impact avec l'astéroïde, tout comme l'Ishimura qui est désintégré par la déflagration. Retirant son casque, Isaac tente de se remettre du cauchemar et accepte la mort de Nicole. Mais dans l'ombre du cockpit, une Nicole nécrosée se jette sur Isaac, laissant une fin ouverte : réelle attaque ou énième hallucination d'Isaac ; l'hypothèse de l'hallucination est confirmée par la suite dans ".

Développement.

Electronic Arts annonce initialement " en septembre 2007. Le jeu est développé dans leur studio à Redwood Shores, en Californie. Le producteur exécutif du jeu, Glen Schofield, explique la motivation de l'équipe de développement pour la création d'un jeu que leurs précédents titres : L'équipe de design aurait supposément mis du temps à analyser une large variété de films d'horreur afin de s'en inspirer pour le jeu.

Bande originale.

La bande originale de " est sortie le, et contient produits par Jason Graves et Rod Abernethy. Les musiques du jeu sont enregistrées par le Northwest Sinfonia Orchestra, et le Skywalker Symphony Orchestra, à Bastyr Chapel et au studio Redwood Shores de Californie. Elle est disponible en téléchargement via EA Trax depuis le. Don Veca, leader de l'audiographie, en dit :  Lors des, le jeu est nommé dans la catégorie de meilleure atmosphère et meilleur design sonore. Pour le, le jeu est récompensé pour son utilisation sonore et de compositions originales, en 2009. Lors de la neuvième édition des, le jeu remporte le prix de l'audio.

Accueil.

'est particulièrement bien accueilli par la presse spécialisée.'attribue à la version Xbox 360 une note de 91 sur 100, expliquant qu'il s'agit d'une'lui attribue une note de 9 sur 10 et un PSW d'or, notant que'est le IGN attribue au jeu une note de 8,7 sur 10, expliquant qu'il est ", lui, attribue au jeu la note maximale de 5 sur 5. 1UP.com attribue au jeu une note de B+, expliquant qu'il est, mais légèrement répétitif et critique quelques éléments du gameplay qui discréditent le thème horreur du jeu. Eurogamer lui attribue une note de 7 sur 10, expliquant que GameSpot lui attribue une note de 9 sur 10, et le décrit comme  "Dead Space" est un véritable succès commercial, Electronic Arts ayant annoncé le chiffre de ventes à plus d'un million d'exemplaires depuis son lancement en. Le, EA annonce son chiffre de ventes à plus de 2 millions d'exemplaires. En raison de son niveau de violence et de ses nombreux passages horrifiques, le jeu est interdit au Japon, en Allemagne et en Chine.

Héritage et influences.

Grâce à son succès critique,'ouvre la voie à plusieurs suites ainsi qu'à divers épisodes et autres médias dérivés. En,'est commercialisé sur Wii, une préquelle à '.'est commercialisé le sur Xbox 360, PlayStation 3 et Microsoft Windows, avec une nouvelle fois Isaac dans son rôle de protagoniste.'sur iOS est commercialisé sur iTunes le, et se déroule trois ans dans les faits après '. Il est par la suite adapté sur Android et BlackBerry Tablet OS. Le dernier, ", est commercialisé en février 2013. 'est un film d'animation, et préquelle de '. Une suite animée, ", qui se déroule dans les faits entre les deux jeux vidéo, est commercialisé en parallèle au second opus. Le, Electronic Arts annonce travailler en collaboration avec D. J. Caruso sur un film d'action live du jeu. EA produira le film avec ses partenaires de Temple Hill, Marty Bowen et Wyck Godfrey.  Un comics est commercialisé comme préquelle de '. Un ouvrage est également basé sur le jeu ;'est illustré par Brian Evenson et distribué le par Tor Books et Visceral Games. L'ouvrage donne des informations sur l'Église de l'Unitologie, entre autres. D'après la presse spécialisée, le personnage principal est un géophysicien du nom de Michael Altman, fondateur de l'Église de l'Unitologie, fait une découverte majeure qui mènera au commencement de '. Il existe un autre ouvrage, illustré par Evenson, intitulé '.

Le jeu est positivement accueilli par la presse spécialisée, et recense plus de deux millions d'exemplaires vendus.'et'sont commercialisés le, et le 5 février 2013, respectivement. En outre, au-delà du cadre des jeux vidéo,'sera aussi adapté en bande dessinée. Enfin, un film d'animation américain intitulé'viendra compléter l'univers du jeu ; bien que le héros, Isaac Clarke, n'y soit pas présent, ce film aborde en effet les origines de l'infection.

Dead Space ist ein Videospiel, entwickelt von EA Redwood Shores für Windows, PlayStation 3 und Xbox 360. Es ist ein Third-Person-Shooter aus dem Genre Survival Horror in einem Science-Fiction-Szenario. Der Spieler übernimmt dabei die Rolle des Schiffs- beziehungsweise Kommunikationsingenieurs Isaac Clarke, der als Teil einer Reparaturcrew auf dem Bergbauraumschiff "USG Ishimura" strandete. Das Spiel war der Grundstein für das Franchise "Dead Space".


Histoire.

Pour survivre, les Basques furent les premiers à chasser les baleines dans le golfe de Gascogne. Le premier document écrit date de 670 et parle de la vente de 40 pots d'huile de baleines au nord de la France par des Basques venus du Labourd.  La première fois que l'on note l'activité maritime en Atlantique nord des Basques est daté de 1412. Les Islandais notèrent la présence d’une vingtaine de baleinières basques situées à 500 milles à l'ouest de Grundarfjörður.  On présume que les Basques faisaient déjà depuis quelques décennies de la pêche à la baleine une activité commerciale dans ces eaux. La chasse à la baleine était une activité très lucrative, et une ressource qui semblait inépuisable. De nombreux ports se construisent au dont l'ancien port de pêche à la baleine de Getaria, fondé en 1204, ou le port de Lekeitio. Cependant, dans ce dernier, on parle déjà en 1334 d'un déclin de la baleine ce qui oblige Alphonse XI de Castille à déclarer 5 années de moratoire sur la pêche afin de laisser se renouveler les stocks. Il faut donc suivre les baleines et aller chercher ailleurs.  Au, les Basques viennent régulièrement pêcher la baleine et la morue au Canada, dont, l'Islande et le Groenland sont des passages obligés. Au moins neuf avant-postes de pêche étaient établis au Labrador et à Terre-Neuve et le plus grand établissement était à Red Bay avec environ 900 personnes.  Les relations entre Islandais et les baleiniers basques n'ont pas toujours été pacifiques. Il y a un épisode sanglant lié à leur présence quand environ 50 marins basques sous le commandement du capitaine de Pedro de Aguirre, Esteban de Tellería et Martín de Villafranca sont assassinés pour des raisons un peu obscures. Ces événements ont eu lieu dans les Fjords de l'ouest (Vestfirðir), entre 1615-1616, après le naufrage de trois bateaux baleiniers.

Recherche.

En 1907, Jón Helgason attire l'attention de Christianus Cornelius Uhlenbeck, un expert en langue basque de l'université de Leyde sur la découverte de deux glossaires. Son étudiant universitaire, Gerardus Nicolas Hendricus Deen, décide de voyager en 1927 au Pays basque pour collaborer avec Julio Urquijo sur la recherche de sa thèse de doctorat.  Un glossaire basque de l'île apparait donc pour la première fois dans un livre publié en latin à Amsterdam en 1937. L'auteur de l'ouvrage est le philologue Gerardus Nicolas Hendricus Deen, devenu linguiste à La Haye, et qui présente sa thèse de doctorat, intitulée "Glossaria duo Vasco-Islandica", à l'Université de Leyde.  La thèse, sous la direction de F. Muller, a été écrite en latin et a été éditée dans la même langue plus tard dans la même année. C'est un petit travail de 135 pages. La reconnaissance du livre a été éclipsée par deux guerres que sont la guerre civile espagnole (1936-1939), et la Seconde Guerre mondiale, qui allait bientôt éclater. Toutefois, la thèse de Deen aurait presque certainement été plus largement reconnue si l'auteur avait décidé de publier dans une langue moderne au lieu du latin.

Contenu du manuscrit.

Ce manuscrit d'un grand intérêt, datant du, est conservé dans la Bibliothèque Arnamagnaeana de l'université de Copenhague. Il contient deux glossaires, le premier de 16 pages avec 517 mots, et un second de 10 à 228 mots. dans les deux langues.  Il est documenté en deux glossaires trouvés autour ca 1920 par Jón Helgason : "Vocabula gallica" ("mots français") et "Vocabula biscaïca" ("Mots biscayen").  Dans le manuscrit, se trouvent des mots d'usage courant, ainsi que d'autres mots caractéristiques de l'activité de la chasse à la baleine et de son environnement. Selon les enquêtes qui ont été menées sur les auteurs, ce seraient deux personnes impliquées dans ces affaires et des contacts personnels entre les baleiniers basques et la population locale.  Le vocabulaire a été fortement basé sur un dialecte basque qu'est le Labourdin, mais également dans un pidgin atlantique avec des influences romanes (Français-espagnol) et de l'anglais.  Le thème de travail était focalisé sur deux vocabulaires pris de manuscrits rédigés en Islande à la fin du et du début du, accompagnée d'un commentaire et d'une traduction. Les manuscrits avaient été portées à la connaissance par Deen Christianus Uhlenbeck Cornelius (1866-1951), célèbre expert en études basques et professeur à l'Université de Leiden. Deen se rendit au Pays basque en 1927 pour étudier les manuscrits. En effet, le travail réalisé concerne une étude orthographique et une autre phonétique. Le livre se termine par une reproduction détaillée des deux vocabulaires.  À la fin du prologue, après avoir exprimé ses remerciements à Julio Urquijo, Deen a écrit ces paroles : « Laissez-nous l'espoir que le Pays basque revienne à la vie, plus fort et plus beau que jamais, et nous espérons que l'Espagne pourra bientôt vivre en paix! ».  Deen a publié ces vocabulaires en quatre colonnes : basque / islandais / allemand / espagnol. Il est surprenant que la thèse ne soit pas dans la riche bibliothèque et d'archives d'Urquijo (en raison de la non communication en temps de guerre ou en raison d'un vol?)...  Ce livre a été trouvé grâce au Angel Irigaray et une longue enquête des employés de la Bibliothèque de la province du Guipuscoa.  Les manuscrits ont été renvoyés en Islande en 1986, mais l'un d'entre eux a été perdu.

Le basco-islandais était un pidgin parlé au par des pêcheurs et baleiniers basques et une partie de la population de l'Islande dans les fjords de l'Ouest à Vestfirðir. Dans ce pidgin est aussi à noter l'influence du français et de l'anglais, mais c'est principalement le résultat de la coexistence et d'échanges entre les pêcheurs de différents pays dans les eaux de l'océan Atlantique nord.

Das baskisch-isländische Pidgin war eine im Island des 17. Jahrhunderts gesprochene Pidgin-Sprache. Die Sprache wurde zwischen baskischen Seeleuten und Isländern gebraucht und entwickelte sich durch diesen Kontakt, vermutlich in Strákatangi auf der Halbinsel Vestfirðir, wo die baskischen Walfänger einen Stützpunkt hatten.


Biographie.

Jeunesse.

Fils de Marie Wood (née Bradshaw) et Thomas Frank Wood, Robert Coldwell Wood naît le à Saint-Louis (Missouri). Il gagne une bourse d'études pour entrer à l'université de Princeton mais ses études sont interrompues par la Seconde Guerre mondiale où il sert dans l'armée des États-Unis. Il participe à la bataille des Ardennes, est décoré de la Bronze Star et est promu au rang de sergent.  Diplômé de l'université de Princeton après la guerre, il est diplômé trois fois à l'université Harvard (maîtrise en administration publique, maîtrise et doctorat en gouvernance).

Carrière professionnelle et politique.

Il enseigne les sciences politiques à l'Institut de technologie du Massachusetts de 1959 à 1965. De 1965 à 1969, Robert C. Wood est sous-secrétaire au nouveau département du Logement et du Développement urbain des États-Unis sous la présidence de Lyndon B. Johnson. En 1968, il se voit décerner la médaille Wiener en cybernétique par l"'. Après la démission de Robert C. Weaver, Robert C. Wood prend ses fonctions pendant deux semaines en tant que secrétaire au Logement et au Développement urbain des États-Unis, le temps que George W. Romney reprenne le poste.  Il retourne travailler à l'Institut et y dirige le ". Dans le même temps, il est nommé à la tête de la Massachusetts Bay Transportation Authority (MBTA).  De 1970 à 1977, il préside l'université du Massachusetts et participe à son extension, avec notamment l'intégration du'de Worcester. Il joue également un rôle clé dans le déplacement de la'à Columbia Point, à côté de UMass Boston. Par ailleurs, il enseigne à l'université Wesleyenne.

Vie privée.

Robert C. Wood se marie avec Margaret Byers Wood le. Ils ont trois enfants : Frank, Frances et Margaret.

Décès.

Robert C. Wood meurt le d'un cancer de l'estomac à son domicile à Boston. Ses obsèques sont célébrées le à la cathédrale Saint-Paul à Boston.

Publications.

Les publications les plus célèbres de Robert C. Wood sont les suivantes :

Robert Coldwell Wood, né le à Saint-Louis (Missouri) et mort le à Boston (Massachusetts), est un scientifique, enseignant et homme politique américain. Membre du Parti démocrate, il est secrétaire au Logement et au Développement urbain en 1969 dans l'administration du président Lyndon B. Johnson.

Robert Coldwell Wood (* 16. September 1923 in St. Louis, Missouri; † 1. April 2005 in Boston, Massachusetts) war ein US-amerikanischer Politikwissenschaftler und Politiker, der im Jahr 1969 für kurze Zeit als Bauminister der Vereinigten Staaten unter US-Präsident Lyndon B. Johnson amtierte.


Synopsis.

Une jeune femme, Meryem, est retrouvée inconsciente sur le bord d’un lac par un berger. Elle a apparemment été violée. Lorsqu’elle reprend conscience, elle se trouve enfermée dans une pièce sombre. Sa belle-mère, Döne, lui explique qu'elle doit mettre fin à ses jours parce qu'en se faisant « souiller » elle a fait honte à sa famille. Meryem utilise donc la corde fournie par sa belle-mère et s'apprête à se donner la mort. Elle finit par renoncer en raison de l'injustice de la situation et par provocation face à Döne, qui ne manifeste aucun signe de tristesse.  Ali Riza, homme autoritaire et personnalité importante du village, décide alors de demander à son fils, Cemal, de retour du service militaire et traumatisé par la guerre, d’emmener la jeune femme à Istanbul. Ali Riza estime qu’il est plus prudent de faire exécuter Meryem là-bas, loin du petit village d’Anatolie dont elle est originaire.  Cemal part ainsi avec Meryem le lendemain matin pour Istanbul, armé d’un pistolet offert par son père. Il n'a cependant pas la force de la tuer une fois arrivés à destination. Ne pouvant rentrer au village, ils décident de fuir tous les deux.  Ils croisent alors le chemin de Irfan, riche professeur d’université, qui a quitté sa femme et a décidé de changer de vie, en recherche d’une existence plus authentique et paisible. À bord de son bateau à voile, il vogue sans but précis, en solitaire. Sa rencontre avec Meryem et Cemal le pousse à les inviter à voyager avec lui. Si Irfan admire la simplicité de Cemal, ce dernier est plus suspicieux vis-à-vis du professeur. Il se révèle très protecteur de Meryem au point de l'étouffer. La tension montre progressivement sur le navire.  En parallèle, les sbires de Ali Riza sont à la recherche du couple pour tuer Meryem et rétablir l’honneur de la famille. Le film se conclut sur un ensemble de révélations surprenantes.

Autour du film.

Ce film présente la complexité de la société turque et la persistance de coutumes et d’un sexisme d’un autre temps. Le thème principal du film est la place de la femme en Turquie aujourd’hui. Meryem, peu éduquée et maltraitée tout au long son enfance, se retrouve à l’âge adulte soumise aux volontés des hommes l’entourant (son violeur, Ali Riza, Cemal, Irfan). On observe tout au long du film que sa parole n’a aucune importance pour ceux qui l’entourent. Que ce soit l’ancien soldat issu d’une ruralité bloquée dans des coutumes anciennes (Cemal) ou le professeur cosmopolite aux mœurs libérées (Irfan) tous deux pensent savoir ce qui est bon pour la jeune femme, sans à aucun moment lui demander son avis.  Ce bateau à voile semble être, pour Meryem qui a toujours rêvé de voir la mer, un symbole de liberté. Irfan lui accorde en effet une attention qu’elle n’avait jamais connu de la part d’un homme agissant avec bienfaisance. La mise en scène offre de magnifiques images du paysage idyllique sur ce bateau. A l’inverse, les images filmées sur terre sont plus sombres, symbolisant la dureté de la vie et l’importance des normes imposés par les hommes.

Réception critique.

Sur le site IMBd, le film reçoit le score de 7,6/10 sur la base de.  Sur le site Metacritic, le film est crédité d’un score de 71 % sur la base de sept critiques de professionnels. Stephen Holden du New York Times loue la qualité de la photographie et écrit que "Mutluluk" est un repère du cinéma truc contemporain.  Le film a ouvert le 2007 Asian Film Festival de Mumbai et le festival Medfilm à Rome.

Récompenses.

Le film a gagné le prix du public et le prix du jury jeune au festival du film turc de Nuremberg en 2008. Il a aussi remporté le prix du public au Miami International Film Festival en 2008. "Mutluluk" s’est vu décerné le prix Odyssée – Conseil de l’Europe pour les droits de l’Homme en 2007

Mutluluk (en anglais "") est un film dramatique turc sorti en 2007, réalisé par. Ce film est l’adaptation du roman de Zülfü Livaneli "Délivrance" publié en 2002.

Mutluluk – Der Ehrenmord, ausländischer Verleihtitel Bliss, ist ein türkischer Spielfilm des Regisseurs Abdullah Oğuz aus dem Jahr 2007. Die Romanverfilmung des internationalen Bestsellers "Glückseligkeit" (2002, DE 2008) von Zülfü Livaneli erhielt Auszeichnungen auf mehreren bedeutenden Festivals.


Biographie.

Jeunesse et formation.

Née à Gainesville, en Floride, elle est la fille de la chanteuse de soul Minnie Riperton et de l'auteur-compositeur et producteur Richard Rudolph. Elle a des origines juives ashkénazes par son père et afro-américaines par sa mère. Son grand-père paternel est Sydney Rudolph, philanthrope qui fut propriétaire de la totalité des restaurants Wendy's et Rudy's à Dade County, en Floride. Ses parents déménagent à Los Angeles quand son frère Marc et elle étaient très jeunes et ont grandi principalement dans le quartier de Westwood.  Maya était dans le studio avec sa mère le jour où elle enregistra "Lovin 'You" et on peut entendre Riperton chanter le nom de sa fille à la fin de la chanson, mais seulement dans la version non éditée ou celle de l'album. Elle l'incorpore dans son interprétation du titre au "Midnight Special", en 1975.  Malheureusement, Minnie Riperton décède d'un cancer du sein en, quelques jours avant l'anniversaire de sa fille.  La marraine de Maya Rudolph est la chanteuse de R&B Teena Marie.  En grandissant, elle fait sa scolarité au Crossroads School, à Santa Monica, où elle se lie d'amitié avec sa camarade de classe, Gwyneth Paltrow, puis poursuit ses études à l'Université de Californie à Santa Cruz, où elle ressort diplômée en 1995 d'un baccalauréat en photographie.

Carrière.

"Saturday Night Live" et révélation comique.

Elle fait ses débuts à la télévision en 1997 avec un rôle récurrent dans la série "", suivi d'un rôle principal dans la série "City of Angels", trois ans plus tard.  C'est durant cette même période qu'elle fait également ses débuts cinématographiques avec des seconds rôles dans "Pour le pire et pour le meilleur", "Bienvenue à Gattaca", "Chuck & Buck", "Duos d'un jour", où elle supervisa la musique, et "1 duplex pour 3".  Après des débuts assez discrets, elle est finalement révélée en, lorsqu'elle rejoint le casting du "Saturday Night Live", en tant qu'actrice vedette à partir des trois derniers épisodes de la saison 1999-2000, après un passage en tant que membre de la troupe d'improvisation "The Groundlings", où elle rencontra un futur collègue au sein de l'émission, Will Forte.  Elle crée une galerie de personnages au sein de l'émission, incluant l'attorney Glenda Goodwin et Megan, de la série de sketches "Wake Up, Wakefield!", mais a également incarné des personnes existantes tels que : C'est en 2005 qu'elle obtient un rôle de premier plan dans le dernier film réalisé par Robert Altman, "The Last Show". Auparavant, elle a été la co-vedette de Luke Wilson dans la comédie de science-fiction "Idiocracy", dont la sortie fut retardée jusqu'en septembre de l'année suivante de façon limitée.  Elle double le personnage de Raiponce dans le troisième volet des aventures de "Shrek", série de films d'animations produit par la DreamWorks, puis participe au doublage d'un épisode de la série d'animation "Les Simpson".  Après une participation à la série "Kath & Kim", elle tient, au cinéma en 2009, la tête d'affiche aux côtés de John Krasinski dans la comédie dramatique "Away We Go", qui lui vaut plusieurs nominations à plusieurs prix pour sa prestation, puis enchaîne deux pures comédies, tout d'abord "Copains pour toujours", incarnant l'épouse de Chris Rock et "Mes meilleures amies", incarnant une future mariée, où elle retrouve son ex-partenaire du "Saturday Night Live", Kristen Wiig, également co-scénariste du long-métrage.  Ces deux longs-métrages deviennent les plus grands succès commerciaux de l'actrice à ce jour.

Cinéma et télévision.

Entre 2011 et 2012, elle est l'une des actrices principales de la sitcom "Up All Night", diffusée sur NBC, aux côtés de Christina Applegate et Will Arnett. Le programme connaît cependant une production difficile, et au milieu de sa seconde saison, celle-ci est arrêtée pour repenser le format. Mais cet arrêt s'avère finalement définitif.  Entre 2013 et 2016, elle tourne de nombreux longs métrages et s'illustre, principalement, dans le registre de la comédie : D'abord, "Copains pour toujours 2" qui réitère le succès du premier opus, elle seconde ensuite le tandem formé à l'écran par les actrices Amy Poehler et Tina Fey dans "Sisters" et donne aussi la réplique à l'oscarisée Julianne Moore pour "Maggie a un plan". Elle participe à la parodie "".  Se démarque de la pure comédie, le policier "Inherent Vice" avec Josh Brolin, Joaquin Phoenix et Reese Witherspoon dans lequel elle n'a qu'un rôle secondaire, et la comédie dramatique, présentée au Festival de Sundance 2013, "Cet été-là" avec Liam James, Sam Rockwell, Steve Carell et Toni Collette.  Parallèlement, elle tourne toujours pour la television et apparaît notamment dans la mini-série "The Spoils Before Dying", mais aussi "Drunk History", "The Grinder", "Angie Tribeca" et "Brooklyn Nine-Nine".  Entre 2017 et 2018, elle poursuit la pratique du doublage pour les séries télévisées d'animation "Big Mouth" et "Baymax et les Nouveaux Héros". Au cinéma, aussi, elle prête sa voix, notamment pour les longs métrages : "Angry Birds, le film", "Le Monde secret des Emojis" et "Opération Casse-noisette 2".  En 2018, elle joue dans plusieurs épisodes de la série comique nommée aux Golden Globes, "The Good Place" avec Kristen Bell. La même année, elle porte et co-produit, avec Fred Armisen, la comédie dramatique "Forever", distribuée par Amazon Prime Video. Il est d'ailleurs annoncé, dans le même temps, une collaboration entre l'actrice et le géant américain, ainsi que Natasha Lyonne, afin de produire des nouveaux projets à destination de la plateforme.  Au cinéma, elle retrouve quelques de ces complices : d’abord Melissa McCarthy pour les comédies "Mère incontrôlable à la fac" et "Carnage chez les Puppets". Puis, Amy Poehler qui la dirige dans "Un week-end à Napa", une autre comédie distribuée par Netflix.  En 2019, elle obtient sa troisième proposition au Primetime Emmy Award de la meilleure actrice invitée dans une série télévisée comique suite à sa participation à "The Good Place".

Vie privée.

Elle est la compagne du réalisateur Paul Thomas Anderson, avec qui elle a trois filles, nées le, le et en, et un fils né le.

Voix françaises.

Maya Rudolph est doublée en français par les actrices suivantes :

Maya Rudolph est une actrice, chanteuse et scénariste américaine, née le à Gainesville (Floride). Elle est considérée comme l'une des révélations de l'émission humoristique phare de la National Broadcasting Company (NBC), "Saturday Night Live", à partir de 2000. Dès lors, elle alterne cinéma et télévision et est aussi active dans le domaine du doublage.

Maya Khabira Rudolph (* 27. Juli 1972 in Gainesville, Florida) ist eine US-amerikanische Schauspielerin und Komikerin. Bekanntheit erlangte sie unter anderem als Ensemble-Mitglied der NBC-Sendung "Saturday Night Live". Sie ist die Tochter der Soulsängerin Minnie Riperton.


Composition.

Le canton de Chemillé-Melay comprend les neuf communes suivantes :  A l'origine en mars 2015, le canton comptait comptait 24 communes (dont des communes nouvelles créées avant fin 2014, dont celle de Chemillé-Melay qui a donné son nom au canton et a disparu aujourd'hui) mais les neuf communes d'aujourd'hui listées ci-dessus sont toutes issues de leur fusion ultérieure en communes nouvelles élargies.

Histoire.

Un nouveau découpage territorial de Maine-et-Loire entre en vigueur à l'occasion des élections départementales de 2015. Il est défini par le décret du, en application des lois du (loi organique 2013-402 et loi 2013-403). Les conseillers départementaux sont, à compter de ces élections, élus au scrutin majoritaire binominal mixte. Les électeurs de chaque canton élisent au Conseil départemental, nouvelle appellation du Conseil général, deux membres de sexe différent, qui se présentent en binôme de candidats. Les conseillers départementaux sont élus pour au scrutin binominal majoritaire à deux tours, l'accès au second tour nécessitant 12,5 % des inscrits au. En outre la totalité des conseillers départementaux est renouvelée. Ce nouveau mode de scrutin nécessite un redécoupage des cantons dont le nombre est divisé par deux avec arrondi à l'unité impaire supérieure si ce nombre n'est pas entier impair, assorti de conditions de seuils minimaux. En Maine-et-Loire, le nombre de cantons passe ainsi de 41 à 21.  Le nouveau canton de Chemillé-Melay est formé de communes des anciens cantons de Vihiers (), de Thouarcé (), de Chemillé (), de Doué-la-Fontaine () et des Ponts-de-Cé (). Avec ce redécoupage administratif, le territoire du canton s'affranchit des limites d'arrondissements, avec incluses dans l'arrondissement de Saumur, 12 dans celui d'Angers et 9 dans celui de Cholet. Le bureau centralisateur est situé à Chemillé-Melay.

Démographie.

En, la population municipale du nouveau canton était de.

Le canton de Chemillé-Melay est une division administrative française du département de Maine-et-Loire créée par le décret du et entrant en vigueur lors des premières élections départementales suivant la publication du décret.

Der Kanton Chemillé-Melay ist ein französischer Kanton im Département Maine-et-Loire und in der Region Pays de la Loire; sein Hauptort ist Chemillé-Melay in der Commune nouvelle Chemillé-en-Anjou.


Biographie.

Il est né à Bujalance en 1655 au sein d'une famille aisée. Enfant, il suit sa famille à Cordoue, où il étudie la grammaire, la philosophie, le droit, la théologie et le Droit canon ; il reçoit par ailleurs des leçons de peinture de Juan de Valdés Leal, qui vivait là en 1672. En 1675, il fait la connaissance de Juan de Alfaro y Gámez qui eut une influence favorable sur son talent pictural. Il travaille avec ce maître et le suit en 1678 à Madrid, après avoir été ordonné sous-diacre.  À Madrid, il devient l'ami de Claudio Coello et de Juan Carreño de Miranda. Ce dernier le prend comme collaborateur pour la peinture de fresques dans la galerie de la reine à l'Alcazar. Peu après il épouse Catalina Bárbara Pérez de Sierra, fille d'un diplomate, et après avoir été nommé maire du Conseil de la Mesta, on lui attribue un titre nobiliaire. En 1688, il est nommé peintre de cour de Charles II et en 1690, il est chargé de dessiner les décorations en l'honneur du mariage du roi.  Palomino paraît avoir une grande délicatesse de caractère : le fait semble établi par ses nombreuses amitiés artistiques. Il en donne une preuve nouvelle en aidant de ses connaissances historiques Luca Giordano, venu en Espagne en 1692 et dont l'arrivée était vue d'un assez mauvais œil par les artistes espagnols. Le maître napolitain lui en témoigne plus tard sa reconnaissance publiquement.  En 1695, Palomino est à Valladolid où il peint un remarquable tableau : "Fiançailles de la vierge Marie et de saint Joseph", aujourd'hui au Musée de la ville. La signature dessinée en perspective au bas du tableau porte : « "Antonio Palomino F.B.T.A 1695" ».  Palomino part à Valence en 1697, où il reste trois ou quatre ans à peindre des fresques. Il réalise celles de la basilique de la Virgen de los Desamparados et de l'église de los Santos Juanes. Durant un bref temps de retraite au Vall de Uxó, il réalise quelques peintures pour les ducs de Segorbe et, avant son départ, il conçoit le programme pictural de la coupole de l'église de saint Nicolas de la capitale valencienne, tout en laissant le travail d'exécution à un de ses collaborateurs, le valencien Donís Vidal.  Entre 1705 et 1715, il réside à Salamanque, Grenade puis Cordoue, et plus tard à Madrid, où il se charge de la partie picturale du sanctuaire du monastère de Santa María d'El Paular, dont il ne reste aujourd'hui que peu de choses ; ce travail est effectué en 1723 et met fin à sa carrière. Après la mort de son épouse en 1725, Palomino se fait prêtre.  Il meurt le à Madrid.  Son œuvre principale est de caractère historico-littéraire : les 3 volumes (1715-1724) d’"El museo pictórico y escala óptica" sont parmi les principales sources utilisées pour l'étude de l'histoire de la peinture baroque espagnole.

Œuvre picturale.

Dans ses œuvres, on mesure l'évolution de la peinture baroque de la fin du vers le Rococo et, à la fin, le Néoclassicisme qui s'imposera au. Son style montre l'influence du Baroque de la Cour ou école madrilène de peinture, qu'il a connu durant ses séjours dans la capitale. Palomino soigne toujours l'adéquation de ses tableaux à la thématique, aux objectifs et au lieu auxquels ils sont destinés, supprimant des éléments anecdotiques ou secondaires en visant la clarté, au risque parfois d'une certaine rigidité ou raideur; cependant il a su doter ses œuvres de la fraîcheur du mouvement, de la couleur et du côté décoratif caractéristique du Baroque.  Parmi ses tableaux, on peut citer "La confesión de San Pedro", les fresques de l'église de San Juan del Mercado et celles de la chapelle de la Vierge de los Desamparados, à Valence ; les cinq tableaux du grand retable, représentant "San Fernando", une "Aparición", et le "Martirio de San Acisclo y Santa Victoria", à la cathédrale de Cordoue ; des fresques de la coupole du Sanctuaire, à la Chartreuse de Grenade ; les fresques de "testero" du cœur de l'église de San Esteban de Salamanque ; un tableau de "San Antonio de Padua" à Sigüenza, et une "Inmaculada Concepción" conservée à la cathédrale de Palencia ; un "San Antonio" au monastère des Clarisses de Orihuela ; "San Dionisio" et la "Virgen de los Dolores", à Séville ; le plafond de la sacristie de san Isidro el Real et les fresques de la Casa de la Villa, actuelle hôtel de ville, à Madrid ; ainsi qu'un "Santo Tomás de Aquino" du musée d'Art Sacré de Málaga.  Au musée du Prado sont conservées une "Alegoría del aire" et une "Alegoría del fuego" de sa main. Ces deux tableaux peints vers 1700 font partie d'un ensemble de quatre tableaux (allégories des quatre éléments) réalisés pour l'Alcázar royal de Madrid. Les deux autres tableaux ont été peints par Jerónimo Antonio Ezquerra ("Alegoría del Agua") et Nicola Vaccaro ("Alegoría de la Tierra").

Publications.

Palomino a écrit entre 1715 et 1724 son ouvrage en trois tomes "El museo pictorico y escala optica". Les deux premiers tomes sont tournés vers la technique et l'art de la peinture, et ont eu peu d'influence sur la suite.  Le troisième tome, sous-intitulé "El Parnaso español pintoresco laureado", rassemble 226 biographies d'artistes espagnols réputés du et et est une précieuse somme pour la connaissance des peintres espagnols du Siècle d'or espagnol, ce qui lui a valu l'honneur d'être appelé le Vasari espagnol. Ce tome fut partiellement traduit en anglais en 1739. Plus tard, un résumé de l'ouvrage original fut publié à Londres en 1742. Il fut traduit en français en 1749 et en allemand en 1781 (publié à Dresde). La seconde édition en espagnol fut publiée à Madrid en 1797. La dernière traduction en anglais fut réalisée en 1987 par Nina Ayala Mallory (éditée chez Cambridge University Press).

Antonio Palomino, né à Bujalance (province de Cordoue) en 1655 et mort à Madrid en, est un peintre, théoricien de la peinture et critique d'art espagnol. Il est surtout connu comme historien de la peinture espagnole, en particulier de Diego Vélasquez.

Acisclo Antonio Palomino de Castro y Velasco (* 1653 in Bujalance, Provinz Córdoba; † 13. April 1726 in Madrid) war ein spanischer Maler religiöser Barock-Bilder des ausgehenden Siglo de Oro, sowie Kunstschriftsteller.


Le concept.

L'attraction est basée à l'origine sur l'hôtel imaginaire "Hollywood Tower Hotel", situé à proximité des collines au nord d'Hollywood. L'hôtel aurait ouvert ses portes en 1917 (selon la version de Floride) ou en 1929 (selon les versions de Californie et de France). D'après la légende entourant le bâtiment, le (la nuit d'Halloween), l'hôtel accueillait une réception dans la salle de bal du dernier étage (le treizième). Mais le bâtiment fut frappé par la foudre et un ascenseur rempli de cinq passagers fut transporté dans la Quatrième Dimension en même temps que la partie du bâtiment où avait lieu la réception fut détruite. L'extérieur du bâtiment ressemble à un hôtel d'architecture hispano-californienne avec une entaille provoquée par la foudre.  Pour la version de Tokyo DisneySea, l'histoire est différente (n'ayant aucun lien avec la Quatrième Dimension) mais la séquence de chutes est identique à la version de Californie : voir ci-dessous.  Avec une hauteur de (soit ), c'est la plus haute attraction de Walt Disney World Resort et du Disneyland Resort. Selon des membres de l'équipe chargée de la construction en Floride, cette hauteur est due à une réglementation aérienne : à partir de 200 pieds, une lumière clignotante rouge doit être placée au-dessus du bâtiment. Cela aurait gêné le thème des années 1930 de l'attraction.  Dans un effort de vraisemblance par rapport à la série télévisée, l'équipe d'imagineers de Disney visionna l'ensemble des 156 épisodes au moins deux fois. L'attraction n'est basée sur aucun épisode particulier, mais de nombreux détails font référence à certains épisodes, plus particulièrement dans la bibliothèque de l'hôtel.  Le rôle des employés de l'attraction est celui de groom. L'histoire veut que les descendants des employés du Hollywood Tower Hotel rouvrent l'hôtel afin de permettre au public de connaître l'histoire de ce haut lieu qui accueillait auparavant l'élite du show-business. Bien que n'étant ni méchants ni sinistres (contrairement aux domestiques du Phantom Manor au Disneyland Park), les grooms du Hollywood Tower Hotel sont très serviables. Mais au fur et à mesure que l'on s'approche des portes des ascenseurs de service, ils deviennent moins souriant et étranges, pratiquant l'humour noir à foison. La popularité des grooms est telle que des sites Internet et des forums leur sont consacrés. Le rôle des employés de la Tour de la Terreur de Tokyo DisneySea est totalement différent. Moins effrayants, ils sont les employés de Monsieur Hightower.

Les scènes.

Le petit film d'introduction montré au début de l'attraction a été produit pour ressembler aux introductions de la série mais la voix de Rod Serling est faite par Mark Silverman.  La version originale de l'attraction, située en Floride est découpée en 13 scènes :  Avant d'ouvrir au public, les imagineers testèrent 33 versions de l'attraction.

Le système.

L'attraction utilise une technologie d'ascenseur spécialement développée pour Disney par Otis (N°1 mondial de l'ascenseur), la filiale de United Technologies aussi responsable des aquariums géants de The Living Seas à Epcot. La version de Floride permet de déplacer la cabine dans et à l'extérieur de sa cage (en vitesse réduite). Ce système ne fut pas utilisé dans les versions suivantes, pour des raisons techniques. C'est cette partie de l'attraction qui pose le plus de problèmes nécessitant l'arrêt de l'attraction. Les ordinateurs surveillant les ascenseurs perdent fréquemment la trace des cabines durant cette section horizontale. Les autres versions proposent à la place un système de miroir transformant les reflets en fantômes.  Lors des premiers contacts avec Otis, les imagineers de Disney essayèrent les derniers modèles d'ascenseurs de la marque ; mais un problème existait : on ne ressentait ni la descente ni l'ascension, ce qui n'aurait pas fait une bonne attraction. Bien que l'attraction soit présentée comme une chute libre, l'ascenseur descend de manière accélérée par rapport à la gravité. Cela donne une sensation d'apesanteur qui peut être observée si un objet est perdu durant la chute (il est déconseillé de le faire en raison des risques de blesser autrui). Cet effet est aussi utilisé par la NASA dans certains de ses simulateurs.

Les différentes attractions.

L'attraction a été construite en plusieurs exemplaires de par le monde et chacune avec un aspect différent :

Disney's Hollywood Studios.

La version de Floride est la plus ancienne et possède plusieurs scènes supplémentaires. Elle est considérée comme l'originale et la plus aboutie. Depuis son ouverture, l'attraction a reçu des améliorations concernant principalement la séquence et la façon dont se produit la chute.  Elle est située à l'extrémité du "Sunset Boulevard" ce qui lui donne une certaine majesté. Le ciel orageux de Floride donne à la silhouette de la tour un aspect saisissant et en parfaite adéquation avec le thème de l'attraction et encore plus si des éclairs zèbrent l'encre du ciel.

Description de l'attraction.

Les visiteurs qui entrent dans l'attraction sont amenés dans la bibliothèque pour visionner le petit film présenté par Rod Serling à travers une vieille télévision. Ce court métrage nous informe sur les événements qui frappèrent l'hôtel. Ensuite les visiteurs passent au travers des salles communes de l'hôtel jusqu'à la chaufferie du sous-sol. Là, un ascenseur de service aménagé pouvant accueillir 21 personnes sur six rangées de fauteuils permet de monter dans les étages.  Lorsque l'embarquement des visiteurs est effectué, les portes se ferment, puis l'ascenseur s'élève quelques secondes avant de s'arrêter un moment, pendant que la voix de Rod Serling annonce aux participants : « "You are the passengers on a most uncommon elevator about to ascend into your very own episode of The Twilight Zone" » (« Vous êtes les passagers d'un des ascenseurs les plus stupéfiants qui soient, prêt à monter pour votre propre épisode de La Quatrième Dimension ») Les portes s'ouvrent pour révéler un couloir peuplé de personnages fantasmatiques tout droit venus de 1939, qui disparaissent ensuite comme pour nous inviter à entrer (un rappel de la scène du couloir de Phantom Manor). Le couloir se dissipe dans un ciel de nuit étoilée et une fenêtre se brise (comme dans la première partie de chaque épisode de la série télévisée). L'ascenseur se referme et commence à remonter. Le narrateur reprend : « "One stormy night long ago, five people stepped through the door of an elevator and into a nightmare. That door is opening once again, and this time, it's opening for you." » (« Par une nuit d'orage il y a fort longtemps, cinq personnes passèrent les portes d'un ascenseur pour vivre un cauchemar. L'orage est maintenant de retour et les portes s'entrouvrent à nouveau, et cette fois-ci, elles s'ouvrent pour vous. »)  Ensuite un peu plus haut, les portes s'ouvrent à nouveau et la cabine se déplace mystérieusement en dehors de la cage, à travers une section de l'attraction appelée la Quatrième Dimension : une collection surréaliste d'objets et de signes provenus d'on ne sait où, certains apparaissaient dans le générique de la série.  La cabine s'arrête dans le noir complet. La voix de Rod Serling résonne soudain de nulle part : « "You are about to discover what lies beyond the fifth dimension, beyond the deepest, darkest corner of the imagination... in the Tower of Terror!" » (« Vous êtes sur le point de découvrir ce qui repose au-delà de la Cinquième Dimension, au-delà des plus profonds, des plus obscurs recoins de l'imagination... dans la Tour de la Terreur! »)  La séquence de chute commence. À l'un des moments de la chute, les portes de l'ascenseur s'ouvrent pour révéler une vue du parc à une hauteur d'une dizaine d'étages. Pour être plus précis, ce sont les deux étages juste sous le nom de l'hôtel sur la façade.  Après une série de ces chutes, l'ascenseur s'arrête en bas de la cage, se déplace latéralement vers l'arrière puis effectue un quart de tour pour rejoindre la zone de débarquement, alors que la voix de Rod Serling se fait entendre une dernière fois : « "A warm welcome back to those of you who made it, and a friendly word of warning; something you won't find in any guidebook. The next time you check into a deserted hotel on the dark side of Hollywood, make sure you know just what kind of vacancy you're filling. Or you may find yourself a permanent resident of... the Twilight Zone." » ( « Un accueil chaleureux à ceux d'entre vous qui l'ont fait, et un conseil d'ami ; quelque chose que vous ne trouverez dans aucun guide. La prochaine fois que vous réserverez dans un hôtel abandonné de la partie sombre d'Hollywood, prenez bien soin de préciser combien de temps vous restez. Ou vous risquez de devenir des résidents permanents... de la Quatrième Dimension. ») À la sortie, une boutique propose des souvenirs et la photo prise durant la chute.  À l'origine, la séquence de chute était toujours la même, comme c'est le cas actuellement dans la version de Tokyo DisneySea et comme ce fut le cas de la version de Disney California Adventure jusqu'à et de celle des Walt Disney Studios jusqu'à. La première séquence est restée en place jusqu'en. Elle fut ensuite remplacée par une nouvelle séquence nommée « "Tower of Terror 2 : Twice the Fright" » (« La Tour de la Terreur 2 : Deux fois plus peur »). Le, l'attraction est de nouveau modifiée et la séquence « "Tower of Terror 3 : Fear Every Drop" » (« La Tour de la Terreur 3 : Craignez chaque chute ») remplace la précédente. Depuis le, l'attraction bénéficie de l'amélioration « "Tower of Terror 4 : Never the Same Fear Twice" » (« La Tour de la Terreur 4 : Jamais deux fois la même peur »). Trois nouvelles séquences de chute sont créées en plus de celle de 1999, l'une des quatre séquences étant sélectionnée au hasard pour chaque tour dans l'attraction. Cela permet aux visiteurs d'avoir une expérience différente à chaque passage. À l'occasion de cette amélioration, la sécurité dans l'attraction a été modifiée : les barres de sécurité, une par rangée de sièges, qui étaient en place jusqu'alors ont été remplacées par une ceinture de sécurité pour chaque passager. Le même système sera reproduit dans les versions californienne, japonaise et française de l'attraction.

Disney California Adventure.

En Californie, l'attraction était située derrière plusieurs bâtiments du Hollywood Pictures Backlot. Sa position ne lui permettait pas d'avoir le recul offert par le "Sunset Boulevard" des Disney's Hollywood Studios. De plus elle est placée en oblique par rapport à la rue, afin que la façade soit visible depuis l'entrée du parc. Pour des raisons budgétaires cette version est plus courte que son aînée de Floride.  L'aspect extérieur de l'attraction diffère de celle de Floride. La couleur des murs est plus claire, à base de jaune ou sable. La tour du bâtiment se découpe en deux parties, une grande à gauche, contenant deux cages d'ascenseurs, et une plus petite à droite ne contenant qu'un ascenseur avec au sommet un dôme hémisphérique de couleur turquoise. Une partie du bâtiment semble avoir disparu d'après le décor et les ascenseurs sont visibles depuis l'extérieur.  Une nouvelle séquence de chute pour la Tour de la Terreur devait être lancée en 2006 lors des cérémonies du de Disneyland, en même temps que l'« habillage » nocturne "Rock It Mountain" de Space Mountain., mais ce projet ne fut pas suivi.  Le, plusieurs sites de fans de Disney se mobilisent contre la transformation annoncée de la Tower of Terror de Californie en attraction sur les Gardiens de la Galaxie. Le pendant la Comic-Con Disney a officialisé que l'attraction fermerait le pour être transformée en une nouvelle attraction dénommée "Guardians of the Galaxy Mission: Breakout!" prévue au cours de l'été 2017. La tour doit être transformée aussi bien extérieurement qu'intérieurement pour laisser place à un nouveau thème en rapport avec les Gardiens de la Galaxie. Le principe de chute-libre restera cependant en place. La nouvelle attraction s'appelle "". Le, le "Los Angeles Times" se fait l'écho de l'indignation des fans sur les médias sociaux suite à l'annonce de la transformation de l'attraction prévue en 2017. Le, Disney annonce la fermeture de l'attraction pour une transformation. Le, Disney retire le nom "Hollywood Tower Hotel" de l'édifice en Californie, confirmant la transformation en.

Description de l'attraction.

Bien que l'attraction soit basée sur un concept et un thème similaire à son aînée de Floride, cette version possède quelques différences.  La première différence concerne l'embarquement dans l'attraction : les visiteurs sont répartis sur deux étages puis sont dirigés vers l'une des trois cabines disponibles à l'étage où ils ont été envoyés (soit six cabines en tout). Pour chacune des trois cages d'ascenseur, pendant que les procédures de débarquement puis d'embarquement des visiteurs sont effectuées dans la cabine d'un étage, la cabine de l'autre étage réalise le parcours de l'attraction. Ce principe permet d'augmenter le débit de l'attraction et donc de réduire le temps d'attente des visiteurs. Il est également utilisé dans les versions japonaise et française de l'attraction.  À la fermeture des portes après l'embarquement, au lieu de monter directement comme dans l'attraction de Floride, la cabine se déplace latéralement vers l'arrière (afin de rejoindre la cage d'ascenseur où se dérouleront les montées et chutes) entouré d'un champ d'étoiles. Le narrateur annonce : « Vous êtes les passagers d'un des ascenseurs les plus stupéfiants qui soient. Et vous allez faire le plus étrange voyage de votre vie. Votre destination... inconnue, mais une chose est sûre : une réservation a été faite en votre nom, pour une durée prolongée. » Les portes se ferment et les visiteurs se retrouvent plongés dans le noir, tandis que l'ascenseur s'élève.  Le premier arrêt se fait devant un large miroir, le narrateur demande alors aux participants de « dire adieu au monde réel » (« "Wave good bye to the real world" »). Le reflet des visiteurs se transforme alors sous l'impulsion d'un arc électrique autour du miroir en fantômes. L'ascenseur vibre tandis que les portes se referment, la voix du narrateur révélant aux participants qu'ils « viennent de pénétrer dans la Quatrième Dimension » (« "For you have just entered the Twilight Zone" »).  À l'arrêt suivant, un couloir similaire à celui de Floride, mais au bout de celui-ci, au lieu d'une fenêtre, c'est l'ascenseur de 1939 avec ses cinq occupants tombant dans l'espace. Le narrateur se fait entendre : « Les tristes événements qui s'abattirent sur ce haut lieu d'Hollywood sont sur le point de se reproduire. Par une nuit d'orage, il y a fort longtemps, cinq personnes passèrent les portes d'un ascenseur pour vivre un cauchemar. L'orage est maintenant de retour et les portes s'entrouvrent à nouveau. Mais cette fois-ci, elles s'ouvrent pour vous! » ( « "What happened here that dimmed the lights of Hollywood's brightest showcase is about to unfold once again. One stormy night long ago, five people stepped through the door of an elevator and into a nightmare. That door is opening once again, but this time it's opening for you! »).  Ensuite la cabine tombe au pied de sa cage, dans le noir. Contrairement à la version de Floride (depuis 2002), la séquence de chutes est identique à chaque passage dans l'attraction. Après cette première chute, la cabine remonte vers le, permettant aux visiteurs de profiter à l'ouverture des portes du panorama du parc. Puis elle descend lentement d'un étage, puis chute jusqu'au pied de la cage avant de remonter, cette fois jusqu'à hauteur d'une dizaine d'étages puis effectuer immédiatement une nouvelle chute (sans ouverture des portes), donnant aux participants une sensation de pesanteur pendant un court instant. Enfin, la cabine remonte vers le où les portes s'ouvrent une nouvelle fois, avant de refaire une dernière chute. Lorsqu'elle regagne la porte de sortie en se déplaçant vers l'avant, le narrateur intervient une dernière fois : « La prochaine fois que vous réserverez dans un hôtel abandonné de la partie sombre d'Hollywood, prenez bien soin de préciser combien de temps vous restez, ou vous risquez de devenir des résidents permanents... de la Quatrième Dimension » (« "The next time you check into a deserted hotel on the dark side of Hollywood, make sure you know just what kind of vacancy you're filling. Or you may find yourself a permanent resident... Of The Twilight Zone" »).

Tokyo DisneySea.

La version de Tokyo n'a pas le thème de la "Twilight Zone". Elle est ouverte depuis septembre 2006 et a coûté 150 millions de $. Cette version nous parle d'un explorateur ayant rapporté une idole assez spéciale. Malgré les mises en garde de malédiction, l'explorateur décide de la garder avec lui. Malheureusement pour lui, il éteint son cigare sur la tête de cette dernière dans la cabine de son ascenseur privé avant de commencer à monter vers ses appartements. Au milieu de l'ascension, elle déclenche sa malédiction sur ce dernier, ce qui provoque la chute de l'ascenseur et sa disparition. Hélas, l'idole le retient prisonnier dans l'hôtel.

Le concept.

Le concept est basé sur une autre histoire afin d'entrer en adéquation avec le "port" d'American Waterfront où a été construite l'attraction.  "Un riche industriel, Mr Harrison Hightower III, multimilliardaire et propriétaire de la U.S. Steamship Co. avait fait construire un hôtel quatre étoiles dans la ville de New York où, grand aventurier qu'il était, il exposait ses découvertes après avoir fait des voyages dans le monde entier".  Le visiteur pénètre dans l'hôtel vers 1912, l'époque du land.  Après avoir serpenté dans la file d'attente à travers l'hôtel abandonné, on apprend dans l'ancien bureau de Mr Hightower, ou salle d'avant-spectacle, que ce dernier aurait découvert une mystérieuse relique en Afrique, qui s'est ensuite avérée être maudite. L'homme disparut dans la nuit du, alors qu'il se trouvait dans l'ascenseur qui le conduisait a ses appartements privés du et l'hôtel fut abandonné." L'hôtel a été rouvert par la New York City Preservation Society qui nous propose de venir visiter l'hôtel, patrimoine municipal et majeur de la ville, et peut-être - qui sait - lever le voile sur le mystère du Hightower Hotel."  Les visiteurs sont ensuite introduits dans une énorme salle de stockage où Hightower a gardé ses trésors. Il y a plusieurs salles de chargement au deuxième étage, chacune ayant un thème différent. L'une a des épées, l'autre des tapisseries, la troisième a des tablettes de pierres et d'autres artefacts de valeurs.  Les mécaniques de la Tour de la Terreur de Tokyo DisneySea sont identiques à celles des Tours californiennes et parisiennes, avec deux étages de chargements, un recul horizontal depuis les portes et dans les cages d'ascenseur, une scène du « couloir » et une scène du miroir, mais avec des changements thématiques. L'ordre des scènes du miroir et du « couloir » est inversé par rapport aux homologues américains et européens.  Une fois les portes de l'ascenseur fermées, un éclair d'électricité apparaît en haut de ces dernières. Cet éclair d'électricité fait vaciller les lumières des lampes de l'ascenseur, qui finissent par s'éteindre. L'ascenseur se retrouve alors plongé dans le noir. Il se met ensuite à reculer. En même temps, la voix d'Hightower commence à se faire entendre. Le multimilliardaire explique aux visiteurs ce qui lui est arrivé. Les yeux verts brillants de l'idole apparaissent en même temps dans l'obscurité. Ensuite, l'ascenseur monte pendant quelques instants, puis marque un premier temps d'arrêt. Les portes s'ouvrent pour révéler les appartements privés d'Hightower. Le fantôme d'Hightower, bleu brillant, apparaît alors. Il se trouve près de l'idole posée sur un guéridon. Le fantôme tente de saisir l'objet lorsque ce dernier l'envoie voler et tomber dans la cage de l'ascenseur conduisant aux appartements. Ces derniers disparaissent en même temps pour laisser place à un ciel étoilé. L'idole se tourne vers les visiteurs et ricane. Les portes se referment et l'ascenseur se met à remonter pendant un court instant. Il marque ensuite un second temps d'arrêt. Les portes s'ouvrent pour révéler un large miroir. Hightower demande alors aux visiteurs de lever les mains et de dire « au-revoir à eux-mêmes ». Alors qu'ils s'exécutent, leurs reflet se métamorphose en fantômes, qui ensuite disparaissent. L'idole apparaît alors dans le miroir, devant le reflet de la cabine vide, en train de ricaner. Elle fonce ensuite vers les visiteurs, puis produit un éclat de lumière verte avec ses yeux avant de disparaître. L'ascenseur tremble, puis entame la série de chute. Lorsque l'ascenseur monte tout en haut de la cage au début et à la fin de celle-ci, un grand arc électrique vert apparaît derrière les trois portes-fenêtres des appartements privés d'Hightower qui donnent sur un grand balcon. Il lance un éclair de la même couleur vers le sommet de la cage. Lorsque l'éclair l'atteint, l'ascenseur chute. Dès que l'ascenseur est de nouveau en bas de la cage, les yeux verts brillants de l'idole apparaissent une nouvelle fois dans l'obscurité. L'ascenseur se met alors à avancer. En même temps, Hightower dit aux visiteurs qu'ils ont été sauvés, mais les prévient de ne pas devenir obsédés par l'attrait de la terreur. Il conclut en disant aux visiteurs de ne jamais revenir ici. Lorsque l'ascenseur cesse d'avancer, les lampes de ce dernier se rallument, révélant les portes de l'ascenseur par lesquelles les visiteurs sont entrés. Elles s'ouvrent ensuite. Les visiteurs quittent aussitôt l'ascenseur.  L'hôtel fut conservé car il intriguait la municipalité de New York. Si, un jour, vous passez par le port de New York et que vous remarquez un mystérieux hôtel de 13 étages, un conseil : ne vous laissez pas attirer par la beauté du bâtiment, car vous risqueriez d'y rester bloqué... pour toujours!  Le bâtiment possède une architecture totalement différente de ses consœurs mais on peut noter une ressemblance dans la disposition de cette version et celle des Walt Disney Studios en France : une place avec deux pavillons bas de part et d'autre d'un porche donne accès à une cour au bout de laquelle s'élève le premier bâtiment de cinq étages juste devant celui de treize étages. Des toilettes sont disposées juste sur la gauche de la tour et de l'entrée.  Architecturalement parlant, la tour s'inspire de nombreux courants artistiques en vogue au début du dont différents styles d'Art nouveau : l'Art nouveau espagnol avec des éléments mauresques, des arcs cintrés, des minarets et des fenêtres à arc polylobés et colonnade triple ; le néo-gothique américain avec l'utilisation de la brique et des ogives ; des cheminées de style Tudor et des ferronneries géorgiennes... c'est un vrai résumé d'architecture.  La séquence de chutes est identique à la version de Disney California Adventure et des Walt Disney Studios.

Parc Walt Disney Studios.

La Tower of Terror française se trouve à Production Courtyard derrière l'endroit où se situe « La Terrasse Perrier », un service de restauration rapide. L'attraction est ouverte au public depuis le. Son nom officiel complet est The Twilight Zone Tower of Terror : Un Saut dans la Quatrième Dimension.  En, Disneyland Paris annonce que l'attraction bénéficiera d'une amélioration avec la création d'un scénario et d'une séquence de chutes différents pour chaque ascenseur. Cette nouvelle version de l'attraction s'intitule The Twilight Zone Tower of Terror : Une Nouvelle Dimension de Frissons et est mise en place de façon permanente dès le.

Description de l'attraction.

L'aspect architectural et autres différences.

Au niveau technique, Tower of Terror de Paris présente une structure interne en béton et non en poutrelles métalliques comme dans tous les autres Tower of Terror. Il était plus facile pour Disney de faire construire avec les techniques locales : aucune entreprise de l'hexagone ne pouvait réaliser une construction de la même manière qu'aux États-Unis ou au Japon, à moindre coût. La version parisienne de la tour est presque identique à celle de Californie. En effet, même si la version californienne a été construite avant celle des Walt Disney Studios (en 2004), elle a repris les plans dessinés depuis longtemps pour Paris. L'attraction se situe à quelques mètres du centre du parc. Les différences avec la version californienne se situant sur le bâtiment sont :  La tour est devenue un emblème des Walt Disney Studios grâce à sa position, qui la rend visible dans tout le parc, et même en dehors (à la manière de Space Mountain par exemple). À noter que l'attraction est visible à à la ronde, y compris depuis l'autoroute A4.

Cette version de l'attraction est restée en place de l'ouverture du jusqu'au. Le déroulement des scènes ainsi que la séquence de chute sont identiques à la version de Californie, aux points suivants près :

The Twilight Zone Tower of Terror : Une Nouvelle Dimension de Frissons.

Cette version remplace la précédente depuis le. La scène de la bibliothèque reste la même que précédemment. Les modifications concernent les séquences visuelles et sonores diffusées dans les ascenseurs ainsi que les séquences de chutes. Chacune des trois cages d'ascenseur possède sa propre narration (en français et en anglais dans tous les cas) et sa propre séquence de chutes (contrairement à la version de Floride où la narration est toujours la même et où la séquence de chutes est sélectionnée au hasard pour chaque passage). Ces séquences se nomment respectivement "La Machine Infernale", "Les Créatures en Cage" et "La Cinquième Dimension". Elles ont toutes en commun le fait d'avoir des interventions du fantôme de la petite fille (qui était l'un des cinq passagers de l'ascenseur disparus en 1939) et plusieurs arrêts durant la séquence de chutes : l'un devant le large miroir qui correspondait à l'entrée des visiteurs dans la Quatrième Dimension dans l'ancienne version, un autre devant le couloir où apparaissaient les fantômes des cinq personnes disparues en 1939, un arrêt au 13 étage à l'ouverture des portes et d'autres arrêts à différents niveaux selon la séquence.

Faits divers.

Leanne Deacon (Disney's Hollywood Studios).

Le, une adolescente de 16 ans nommée Leanne Deacon de Kibworth, Leicestershire se plaignit de graves douleurs cérébrales et d'autres symptômes après avoir fait l'attraction Tower of Terror de Disney's Hollywood Studios. Elle fut emmenée à l'hôpital d'Orlando dans un état critique. Deacon dut subir une opération chirurgicale pour stopper des hémorragies internes au cerveau. Elle retourna par ambulance aérienne en Angleterre le toujours dans un état critique.  Les inspecteurs de Walt Disney World ont autorisé des officiels de l'État à les observer durant les examens pratiqués sur l'attraction pour vérifier la sécurité. Ils n'ont découvert aucun dysfonctionnement ou action sortant de l'ordinaire. L'attraction Tower of Terror rouvrit le. Les raisons du malaise de la jeune Deacon n'ont pas encore trouvé d'explication en dehors du fait que, comme elle l'a elle-même mentionné, elle a refait plusieurs fois l'attraction durant son séjour sans ressentir aucun effet.  Leanne Deacon, depuis lors astreinte à l'usage d'un fauteuil roulant et ayant partiellement perdu l'usage de la parole à la suite de dommages neurologiques irréversibles et qui nécessitent un accompagnement médical permanent, a entamé en 2009 une procédure judiciaire à l'encontre de la société Disney.

Bautista Riera (Disneyland Paris).

Le, Bautista Riera, un enfant argentin âgé de 12 ans en visite à Disneyland Paris, est pris de malaises après être monté dans l'attraction. Transféré à l'hôpital Necker, un examen radiologique établit qu'il souffre d'une très forte contusion médullaire et osseuse. Au, une information est publiée dans la presse indiquant que l'enfant, qui pratiquait au préalable divers sports et présentait toutes caractéristiques d'un enfant en bonne santé, est désormais paralysé des quatre membres et placé sous assistance respiratoire. Toutefois la presse évoque des incohérences soulevées par un responsable de Disney sous le couvert d'anonymat au journal "La Nación" car l'enfant est parvenu à rejoindre l'infirmerie par ses propres moyens.

Tower of Terror ou Tour de la Terreur est un parcours scénique des parcs Disney s'inspirant du principe des tours de chute, mais utilisant la technologie des ascenseurs. À la différence des chutes libres classiques (ou "free fall") qui ne sont pas accélérées, cette attraction est basée sur le système "hyper drop" ou "ejector", qui provoque des accélérations verticales supérieures à l'accélération de la pesanteur terrestre.

Der Twilight Zone Tower of Terror – üblicherweise auch Tower of Terror – ist eine Kombination aus einer Freifall-Attraktion und einer Themenfahrt in mehreren Disney-Themenparks.


Genèse.

La Lotus Evora est connue en interne sous le nom « "Project Eagle" » et ce n'est que lors de son lancement au salon de l'automobile de Londres qu'elle est officiellement appelée Evora. Son nom vient de la ville d'Evora, au Portugal. Coupé sport à configuration 2+2, son moteur est placé en position centrale arrière, comme pour l'Elise et les autres modèles actuels. La nouvelle Evora se fait plus discrète que l'Elise et l'Exige, tout en étant plus puissante que ces dernières.

Mécanique et performance.

La Lotus Evora est propulsée par un moteur à six cylindres en V d'une cylindrée de, installé en position centrale arrière. Conçu par Toyota, ce dernier est équipé de doubles arbres à cames en tête à calage variable Dual VVT-i, à l'admission comme à l'échappement. Il développe à et de couple à. La boîte mécanique à six rapports est à commande manuelle. L'Evora pèse, ce qui reste relativement léger pour une sportive à quatre places, comme à l'habitude chez Lotus.  Lors du Mondial de l'automobile de Paris 2010, Lotus dévoile l'Evora S, dont le V6 suralimenté développe à et de couple à.

Structure et design.

Le châssis de l'Evora est conçu en aluminium ultra-léger, suivant une technologie innovante qui assure des « performances dynamiques générales viscérales ». Le design de l'Evora est composé de lignes fluides sophistiquées et aérodynamiques, qui lui permettent d'avoir un coefficient de traînée de. Et bien que l'Evora ait l'air d'une petite voiture de sport très compacte à l'extérieur, son intérieur est étonnamment spacieux. Initialement en configuration 2+2, elle est également disponible en stricte 2 places.

Lotus Evora GTE.

La version GTE est mue par un moteur V6 de Toyota développant une puissance de 456 ch et possède une boîte à six rapports à commande séquentielle, afin de répondre aux normes mécaniques de la compétition. Elle est allégée de par rapport à la version de série.  Lors de la saison 2011, deux voitures sont engagées par l'écurie autrichienne Jetalliance Racing pour participer à l'Intercontinental Le Mans Cup et aux 24 Heures du Mans.  Une voiture est également engagée par le Alex Job Racing en American Le Mans Series pour la saison 2012.

Lotus Evora 124.

La 124 est une version conçue pour concourir dans certaines épreuves d'endurance spécifiques comme les 24 Heures du Nürburgring ou les 12 Heures de Sepang.

Lotus Evora Sport 410.

Au Salon international de l'automobile de Genève 2016, Lotus dévoile une version sportive de l'Evora baptisée Evora 410, baptisée en référence à son nouveau moteur de 410 ch. elle devient la première Lotus a franchir les 300 km/h.

Lotus Evora GT430.

En, la Lotus Evora GT430 devient la Lotus de route la plus puissante de l'histoire avec 436 ch et 440 Nm de couple issus de son V6 3.5 litres. Produite en série limitée de 60 exemplaires, elle est capable d'effectuer un 0 à 100 km/h en 3,7 secondes et 305 km/h en vitesse de pointe.  Par rapport à l'Evora 400, la GT430 est une biplace et pèse 26 kg de moins, soit 1258 kg à sec. Elle est équipée d'un aileron fixe qui lui donne 250 kg d'appui aérodynamique en vitesse maximale, d'amortisseurs Öhlins TTX, de ressorts Eibach, d'une boîte manuelle à six rapports et d'un différentiel à glissement limité type Torsen. Elle est montée de jantes de 20 pouces chaussées de pneus Michelin Pilot Sport Cup 2.  En, Lotus dévoile une version améliorée de l'Evora GT430, l'Evora GT430 Sport. Elle se distingue par la disparition de la jupe avant proéminente et de l'aileron arrière fixe. Le moteur et la puissance restent les mêmes sauf que la vitesse passe à 315 km/h, le poids baisse de 100 kg (1 248 kg) soit de 10 kg par rapport à la GT430 et elle accélère à 3,7 s.

La Lotus Evora est un modèle automobile du constructeur britannique Lotus. Première nouveauté de la gamme depuis plus de dix ans, la voiture est développée sous le nom de code « "Project Eagle" » et est lancée le au British International Motor Show. Héritière de la lignée des Lotus Esprit, elle a été dessinée par le designer Russell Carr.

Der Lotus Evora ist ein viersitziger Mittelmotor-Sportwagen des britischen Automobilherstellers Lotus Cars mit einem Motor des japanischen Herstellers Toyota. Er ist der offizielle Nachfolger des Lotus Esprits, der bis 2003 über 25 Jahre lang gebaut wurde.


Historique.

Saint-Vincent est l'un des saints patrons des vignerons. Apparues au Moyen Âge avec les « sociétés de secours mutuel » de chaque village viticole de Bourgogne, les manifestations traditionnelles de la Saint-Vincent avaient enregistré un déclin au début du avec la laïcisation de la société. Il n'y avait plus que quelques villages bourguignons qui les organisaient encore, la plupart sous forme d'un « repas de cochon ».  Le, la confrérie des chevaliers du Tastevin relance les manifestations liées à la Saint-Vincent et organise la première Saint-Vincent tournante d'envergure à Chambolle-Musigny. Il n'y a que six sociétés de Saint-Vincent dans le défilé de 1938, mais elles sont 53 en 1965.  Puis la Saint-Vincent va évoluer et grandir avec les années. En 1964, Saint-Romain ouvre les caveaux du village. En 1971, à Rully, est créé la première affiche de la Saint Vincent (La collection complète des affiches depuis cette date est exposée au Château du Clos de Vougeot). En 1973, Morey-Saint-Denis propose un verre gravé. À la fin des années 1990 et au début des années 2000 (2002 avec la Saint-Vincent tournante de Montagny), la Saint-Vincent va devenir très importante à gérer, car elle déplace énormément de monde : environ à sur deux jours. Elle devient alors difficilement gérable financièrement, le budget pouvant dépasser le million d'euros, avec des contraintes de circulation et de sécurité. Sur les dernières années, elle revient à un peu plus d'intimité dans son déroulement,, entre et à Saint-Aubin en 2014. La Saint-Vincent tournante de Mercurey et Saint-Martin-sous-Montaigu, les 28 et, attire à nouveau beaucoup de monde (avec une météo clémente) avec environ sur les deux jours.

Déroulement.

La Saint-Vincent tournante, de grande renommée, se déroule le dernier week-end de janvier. Elle change de village viticole bourguignon chaque année. Le village concerné est décoré par ses habitants, notamment avec des fleurs en papier, des panneaux (par exemple : « Le vin, pour boire, l'eau, pour se raser ») et des saynètes avec personnages (aux nez rouges).  Au matin du premier jour, les « sociétés de secours mutuel » de Bourgogne se réunissent pour un casse-croûte, avant de participer au défilé-procession avec les bannières des 85 sociétés (avec les costumes des confréries et les statues des saints, ceux du village-hôte en tête, le grand conseil de la Confrérie des Chevaliers du Tastevin en queue), puis a lieu une cérémonie au Monument aux Morts, un office religieux dans l'église paroissiale, et enfin des intronisations par les confréries.  Mais c'est surtout la dégustation de la ou les cuvées de la Saint-Vincent tournante qui attire la foule en différents points du village concerné. Elle se déroule sur les deux jours du week-end.

Exemple de Corgoloin en 2011.

Le village de Corgoloin organise l'édition 2011, les samedi 29 et dimanche.  À chaque entrée du village se trouvent des stands de vente d'un kit de dégustation (comprenant un plan du village, un verre et un carnet de huit tickets). Corgoloin est divisé pour l'occasion en huit quartiers, chacun du nom d'une région française : Bourgogne, Auvergne, Bretagne, DOM-TOM, Île-de-France, Nord-Pas-de-Calais, Normandie et Rhône-Alpes. Dans ces quartiers sont répartis des tentes, les unes sont des « caveaux » proposant de remplir le verre de vin contre un ticket, les autres proposant de se restaurer (des escargots en Bourgogne, des huîtres en Bretagne, des frites-fricadelle dans le Nord-Pas-de-Calais, un colombo de poulet dans les DOM, etc.).  Les vins proposés à la dégustation sont ceux de l'appellation côte-de-nuits villages, soit environ offertes par 44 producteurs différents, des millésimes 2007, 2008 et 2009, en rouge comme en blanc, de 11 h jusqu'à 17 h.

Banquet au château du Clos de Vougeot.

Dans le cadre de la Saint-Vincent tournante, les membres qui représente le Saint-Vincent de chaque commune viticole possédant une société de secours mutuel, sont invités au banquet des chevaliers du Tastevin qui se tient au château du Clos de Vougeot. D'autres personnes s'inscrivent aussi à ce repas (190 euros en 2011).

Fêtes de Saint-Vincent locales.

Dans les 85 villages de Bourgogne où il y a une société de secours mutuel, ainsi que dans le Chablisien, est organisée une Saint-Vincent locale. Le saint de la Saint-Vincent, Vincent de Saragosse, part de chez l'ancien propriétaire jusqu'au nouveau propriétaire (à pied généralement, porté par deux personnes de l'ancien propriétaire). Celui-ci va le garder pendant un an. Après la procession, une messe est en général organisée, puis un bon repas (à base de cochonnailles) se déroule avec les différents viticulteurs, personnes de la profession et habitants du village concerné.  Une autre Saint-Vincent tournante existe en Bourgogne depuis 1966, limitée aux 19 communes du Chablisien. Celle de 2011 a lieu les 5 et à Chablis.  Les fêtes de Saint-Vincent existent ailleurs qu'en Bourgogne : en Champagne, dans le Jura, à Cahors, à Paris (vigne de Montmartre), dans le Luberon, dans le Var, à La Réunion (vignes de Cilaos), à Collioure (en août), à Thomery, dans la côte roannaise, etc.

La Saint-Vincent tournante est une fête viticole en Bourgogne, se déroulant chaque année à la fin du mois de janvier.

Das Fest Saint-Vincent Tournante war ursprünglich eine berufsständische Veranstaltung burgundischer Winzer und ist heute eines der bekanntesten burgundischen Weinfeste, das jährlich mehr als zehntausend Besucher anzieht. Es ist benannt nach dem Schutzpatron der französischen Winzer, Vinzenz von Valencia.


Carrière.

Harumafuji atteint la division "makuuchi" en. Il devient pour la première fois "komusubi" et "sekiwake" respectivement en février et, grades qu'il alterne jusqu'à accéder à celui d’"ōzeki" en.  Harumafuji obtient son premier "yūshō" en "makuuchi" en en remportant le "Natsu basho". Il remporte à deux reprises le "Nagoya basho" en et 2012, puis l’"Aki basho" à Tokyo en.  Il est promu "yokozuna" le (il est le consécutif mongol et le non Japonais à atteindre ce grade) après avoir remporté deux tournois consécutivement (et sans une défaite).  Il remporte le "Hatsu basho" (15-0) à Tokyo en et le "Kyūshū basho" (14-1) à Fukuoka en. Il obtient son à l'occasion du tournoi de Kyushu en avec un score de 13-2, puis son à l'occasion du Nagoya basho de sur le même score.  Le, Harumafuji se retire du tournoi de Fukuoka, après qu'il a été révélé que, le, il aurait frappé dans un bar avec une bouteille de bière puis avec les poings un autre lutteur,, lui causant une blessure à la tête qui nécessiterait deux semaines pour être soignée. Il annonce le qu'il met fin à sa carrière ("intai"), après avoir avoué avoir frappé Takanoiwa des poings et avec une télécommande de karaoké, mais avoir démenti lui avoir fracassé une bouteille de bière sur la tête. Il est inculpé par le parquet de Tottori, où se sont déroulés les faits, par voie sommaire, ce qui signifie qu'il devra probablement s'acquitter d'une amende, sans faire face à un procès.  Parmi les "sanshō", il a remporté le "ginō-shō" à cinq reprises, le "shukun-shō" à quatre reprises, et le "kantō-shō" à une reprise.

, ou, né Davaanyamyn Byambadorj le à Oulan-Bator, est un lutteur de sumo mongol et. Il mesure et pèse.

Harumafuji Kōhei (; geb. 14. April 1984 als Dawaanjamyn Bjambadordsch, in Ulaanbaatar, Mongolei) ist ein ehemaliger mongolischer Sumōringer. Zuletzt trat er in der japanischen Makuuchidivision an. Bis zum November 2008 kämpfte er unter dem Namen Ama Kōhei (jap. ). Im September 2012 wurde er zum 70. Yokozuna befördert, dem höchsten Rang im Sumō. Am 29. November 2017 trat er zurück.


Historique.

Après avoir passé ses premières années à Milan, Bramante s'installe à Rome, où il a été employé par le cardinal Giuliano della Rovere le futur pape Jules II. Cette œuvre constitue une des premières commandes de Bramante. Le "petit temple" destiné à marquer le lieu qui selon la tradition a vu le martyre de saint Pierre est l'un des bâtiments les plus harmonieux de la Renaissance.  Avec toutes les transformations de la Renaissance et de la Rome baroque, il est difficile d'imaginer l'aspect originel de ce bâtiment au début du. Le bâtiment a absorbé en grande partie le style de Filippo Brunelleschi. Lorsque Bramante construit son tempietto, le plan centré, théorisé par Alberti comme étant le plan de l'église idéale, est déjà largement utilisé par les architectes. Parfaitement proportionné, il est composé de minces colonnes toscanes, un entablement dorique modelé d'après l'ancien Théâtre de Marcellus et un dôme. Aucun architecte n'avait reproduit l'ordre dorique d'une manière aussi fidèle avant Bramante. Il deviendra autant un modèle que l'antique, notamment dans les traités de Serlio et Palladio. D'après une gravure du livre de Sebastiano Serlio, Bramante avait prévu de le mettre en sein d'une cour à colonnades, mais ce plan n'a jamais été exécuté.  Les touristes descendent à l’étage inférieur du tempietto pour voir dans la crypte un trou dans le sable où aurait été plantée, selon la légende, la croix inversée du martyre de Pierre.  Le Tempietto a servi de modèle au dôme du Panthéon à Paris, conçu par Jacques-Germain Soufflot au milieu du XVIII siècle.

Le Tempietto de San Pietro in Montorio est un petit temple commémoratif construit par Bramante, peut-être dès 1502, dans la cour de l'église San Pietro in Montorio. Il est considéré comme un chef-d'œuvre architectural de la Haute Renaissance.

Der Tempietto di Bramante (wörtlich "Tempelchen Bramantes") ist ein kleiner Rundtempel in einem Hof des ehemaligen Klosters von San Pietro in Montorio in Rom. Er wurde über der vermeintlichen Kreuzigungsstelle des Apostels Petrus von dem italienischen Renaissance-Baumeister Donato Bramante errichtet, nach dem er auch benannt ist. Die Bedeutung dieses Kirchenbaus liegt in der Zusammenführung eines antiken Peripteros-Tempels mit neuen römischen Architekturelementen in harmonischen und eleganten Proportionen. Der Tempietto gilt als Schlüsselwerk der Architektur der Hochrenaissance, wie auch als Initialbau für den Typ der zentralen Grabeskirche.


Biographie.

Valentin Galotchkin est né le à Dnipropetrovsk, en Ukraine. Son père, Andrej Andréevitch Galotchkin, russe, né dans la région de Kalouga, a travaillé comme directeur de cantine puis comme modeleur et chef d'équipe des formateurs. Sa mère, Liberman Olga Grigoriévna, juive, née à Tchigorine en Ukraine, travaillait comme comptable.  Pendant la Seconde Guerre mondiale, la famille fut évacuée dans la région de Krasnodar, puis en Ouzbékistan.En 1944, la famille revint à Dnipropetrovsk. De 1944 à 1949, Valentin Galotchkin étudia à l'école des Arts de Dnipropetrovsk chez le professeur Giradcov. De 1949 à 1955, il continua ses études à l'institut des Arts à la faculté de sculpture de Kiev. Le professeur Max Içaévitch Guelman exerça alors une grande influence sur lui.  Son oeuvre de diplôme, "Fondeur d'acier" (1956), fut très apprécié par la commission d'examen. La même année, l'œuvre fut acquise par le Ministère de la Culture puis exposée au musée d’État des Arts de Lvov (Ukraine). Après ses études, Valentin Galotchkin est nommé sculpteur principal du complexe de la culture de Kiev où il travaille jusqu'en 1959. Pour son travail "Hiroshima" (1957), Galotchkin obtient à l'âge de 29 ans le Prix Lénine, la récompense la plus élevée en Union Soviétique.  Peu après, la carrière du jeune sculpteur ralentit à cause de conflits avec la direction du parti communiste. Valentin Galotchkin refuse d'entrer au Parti et de soutenir la propagande officielle.  En 1968, il est lauréat du prix du festival des jeunes artistes à Vienne. Dans les années 1960 et 1970, il visite la Grande-Bretagne, la France, la Grèce et l'Égypte.  En 1986, à cause de la Catastrophe nucléaire de Tchernobyl, le sculpteur déménage avec sa famille de Kiev à Moscou. En 1991, après la dislocation de l'URSS, Valentin Galotchkin fut, comme de nombreux autres artistes, dans une situation financière difficile et dut vendre ses anciens travaux pour vivre.  Il émigra en Allemagne, d'abord à Wismar en 1999 puis en 2000 à Hambourg. En 2002, la santé du sculpteur s'aggrave. Il meurt le d'une maladie du cœur lors son voyage à Moscou et est enterré le dans le cimetière de en Russie.

Style.

Ses premières œuvres, dont son travail de fin d'études, "Fondeur d'acier" (1956), ont été exécutées dans le style du réalisme socialiste, dans les traditions de Vera Moukhina, et Serguei Merkurov. Sa première œuvre à avoir remporté un grand succès en Union Soviétique, "Hiroshima" (1957), est consacrée aux victimes du bombardement atomique de la ville Hiroshima pendant la Deuxième Guerre mondiale.  De 1957 à 1991, Galotchkin créa une dizaine de monuments en l'honneur Lénine et d'autres dirigeants politiques de l'URSS. Mais le sculpteur ne percevait jamais ces commandes d’État - qui servaient les buts de la propagande communiste - comme un travail de créateur. Galotchkin était, au début de sa carrière, déçu par les principes du réalisme socialiste.  Il s'intéressait beaucoup à l'art de l'Égypte antique, de la Grèce, des Khmers et d'Assyrie. Il fut aussi influencé par l'art de l'Europe d'Ouest et des États-Unis et s'inspira profondément l'œuvre de Michel-Ange, Auguste Rodin, Antoine Bourdelle, Aristide Maillol, Alberto Giacometti, Henry Moore, Ossip Zadkine, etc.  La plupart des œuvres de Galotchkin ont été consacrées à la Seconde Guerre mondiale qu'il voyait différemment de la propagande officielle communiste. Il représentait les malheurs et les douleurs que la guerre amenait au peuple et à chaque homme. Son œuvre, "Partant pour le front" (1957), faite en bois, montre le dernier baiser du soldat qui dit adieu à sa femme. Dans son oeuvre "Victime" (1964), une forme humaine apparaît comme une brèche dans la pierre solide, comme si elle avait été formée par un éclat d'obus. L'être humain disparu y laisse une trace semblable à une silhouette suspendue dans les airs. Son monument aux victimes du Massacre de Babi Yar, "Babi Yar" (1964), montre une femme enceinte coupée en deux, un symbole pour les exécutions terribles de juifs qui eurent lieu à Kiev en 1941. Son monument "Veuves" (1975) représente une jeune femme et une femme plus âgée (la mère et l'épouse) qui tiennent éternellement le casque du soldat péri. Dans son œuvre "Portes du chagrin" (1976), deux femmes portent le poids d'une lourde perte, comme les atlantes. "Monument du village brûlé" (1976) représente une jeune fille entourée par les flammes.  Un thème fréquent dans les œuvres de Galotchkin est la figure féminine. Beaucoup d'études et de travaux représentant des femmes de manière réaliste ont été perdus. Le sculpteur passa graduellement d'une représentation réaliste du nu féminin à des représentations symboliques. Dans les travaux "Reine" (1965), "Fleuve" (1970) et "Violoncelliste" (1975), la figure d'une femme a un style qui se transforme vers un jeu de silhouettes, un « dessin de l'air » et des volumes.  La forme géométrique de l'ellipse a une grande importance dans l'œuvre de Galotchkin, le sculpteur y voit en effet un début de composition et d'harmonie. Ses sculptures "Torse" (1969 et 1975) se transforment en formes harmoniques.

Citations (de ses notes de travail).

"«" "Même les beaux, mais conçus et par conséquent aux rythmes et silhouettes ennuyantes sont aussi des mensonges - une composition si vide et distante. »"  "« Seules les choses sans passion peuvent avoir une qualité de l'éternel. »"  "« Si la notion objective “beauté” existe et si la beauté doit rester éternelle, l'artiste doit créer ses œuvres selon les lois de l'Univers. »"  "« Ce n'est pas le raffinement qui fait une œuvre d'art intemporelle et grande, mais sa vérité sincère et la pureté, si simple comme la terre elle-même, grande ouverte aux gens. »"  "« De quoi se compose la beauté d'une chose? Probablement de l'harmonie et du rythme intérieur, et de la rationalité. »"  "« Afin d'avoir une valeur pour d'autres personnes, ton monde intérieur doit être humain. »"  "« Dans une œuvre d'art, il doit y avoir un mystère. »"

Valentin Galotchkin (, ) est un sculpteur soviétique, ukrainien et russe. Il est né le à Dnipropetrovsk (République socialiste soviétique d'Ukraine, URSS) et mort le à Moscou (Russie).

Walentin Andrejewitsch Galotschkin (, wiss. Transliteration ""; * 22. November 1928 in Dnepropetrowsk, UdSSR; † 3. November 2006 in Moskau, Russland) war ein sowjetischer (ukrainisch-russischer) Bildhauer.