Biographie.

Le père de Constance (Veronica), Harry E. Ockelman, meurt lorsqu'elle a douze ans. Sa mère, Veronica, se remarie un an plus tard.  En 1938, sa famille déménage à Beverly Hills (Californie), où elle suit des cours d'art dramatique.  Elle entame sa carrière d'actrice en tant que figurante dans "Sorority House" (1939). On peut la voir ensuite incarner plusieurs petits rôles.  Lors du tournage de "Sorority House", le réalisateur John Farrow remarque sa coupe particulière : cette longue mèche de cheveux blonds qui lui cache l'œil droit et lui donne un air mystérieux. Il la présente alors au producteur de la Paramount, Arthur Hornblow Jr., auquel elle devra son nom de scène : prénom Veronica et nom de famille Lake – « lac » en anglais –, évoquant le bleu de ses yeux. En 1941, elle obtient un contrat à la Paramount.  Veronica Lake accède à la célébrité avec le film "L'Escadrille des jeunes" (1941). Belle et intelligente, elle enchaîne alors une série de succès et incarne pour quelques années l'archétype de la femme fatale. On la retrouve à l'écran le plus souvent dans des films noirs tels que "La Clé de verre", "Tueur à gages" ou "Le Dahlia bleu", où elle partage l'affiche avec Alan Ladd. Elle aura pour partenaire ce dernier qui, comme elle, est de petite stature et a un jeu froid et distancié, dans quatre films.  À partir de 1942, durant la Seconde Guerre mondiale, sa coiffure devient très appréciée des femmes américaines, au point que le gouvernement américain lui aurait demandé de changer de coupe – ce qu'elle fera – pour inciter les femmes travaillant dans les usines d'armement à adopter une coiffure plus pratique et plus sûre.  C'est à partir de cette période qu'elle acquiert la réputation d'être difficile et capricieuse. Elle commence à boire aussi.  En 1948, la Paramount ne renouvelle pas son contrat. Elle ne tourne plus alors que très épisodiquement, entre dans de grandes difficultés financières et est arrêtée plusieurs fois pour ivresse et tapage.  En 1961, un reporter la reconnaît dans un bar de New York où elle travaille comme serveuse. Il publie son histoire, ce qui vaut à Veronica Lake un regain de popularité, donnant lieu à quelques apparitions à la télévision. Elle publie une autobiographie, " Veronica : The Autobiography of Veronica Lake", en 1970, et tourne dans deux films mineurs.  Sa santé physique et mentale continue à décliner. Elle meurt à cinquante ans d'hépatite dans un hôpital de Burlington, au Vermont, quelques jours après y avoir été hospitalisée. Son fils organise ses obsèques à l'Universal Chapel à New York City le mais aucun autre parent n'assiste à la cérémonie.

Veronica Lake, née Constance Frances Marie Ockelman le à New York et morte le à Burlington (Vermont), est une actrice américaine.

Veronica Lake (* 14. November 1922 als "Constance Frances Marie Ockelman" in Brooklyn, New York; † 7. Juli 1973 in Burlington, Vermont) war eine Hollywood-Schauspielerin.


Biographie.

William Penn naît dans une famille anglaise des plus aisées. Son père est un héros de la marine anobli, l'amiral Sir William Penn ; sa mère, Margaret Jasper, est la fille d’un marchand de Rotterdam. Élève brillant, le jeune William dévie cependant de la voie qui lui semble promise en adhérant aux principes de la Société religieuse des Amis, secte puritaine radicale connue depuis sous le nom de Quakers.  Ayant été chassé de l'université d'Oxford pour ses positions protestantes trop radicales, son père l'expédia en France. Après un séjour à la cour, il s'inscrit à l'Académie protestante de Saumur où il passa les années 1662-1663, logeant chez Moïse Amyraut. La gestation de sa conversion définitive au quakerisme est longue ; elle intervient finalement en Irlande, où son père l’a envoyé en 1667 pour s'occuper du domaine qu'il y possédait afin de l’éloigner de Londres et de l’influence de la secte avec leaquelle William a manifesté une certaine proximité de pensée.  William est alors persécuté comme les autres quakers sur le sol britannique : de à, il est notamment incarcéré à la Tour de Londres.  Il se rallie progressivement au projet de s'exiler dans les territoires d’Amérique du Nord pour y fonder une colonie où les Amis pourront y vivre selon leurs principes. Quelques quakers se sont déjà installés dans le New Jersey en 1677. Mais William a désormais les moyens d'un projet plus ambitieux ; la mort de son père l'a en effet laissé à la tête d’une fortune importante. Il hérite en particulier d’une créance de livres due par la couronne auprès de son père. Il négocie auprès de la Cour son remboursement contre des terres en Amérique du Nord. Le, Charles II lui octroie par charte un vaste territoire situé à l'ouest du New Jersey.  En 1682, William Penn y fonde la ville de Philadelphie, en y appliquant les préceptes de gouvernement d'une société libérale idéale. La jeune colonie quaker devient rapidement prospère. Il souhaitait que cette cité servît de port et de centre politique. Même si Charles II lui en avait donné la propriété, William Penn acheta la terre aux Amérindiens afin d’établir avec eux des relations pacifiques.  William Penn signa un avec Tamanend, le chef de la nation Delaware, à Shackamaxon dans les environs de Philadelphie.  Le texte original de la Déclaration d'Indépendance et de la Constitution a été signé au Capitole de Philadelphie aujourd'hui appelé Independence Hall (les textes originaux se trouvent aux archives Nationales à Washington, D.C.). La colonie rachète également d'autres terres, dont l'ouest du New Jersey à William Berkeley en 1674. Les idéaux qui y furent mis en pratique eurent une influence importante sur les futures institutions américaines.  En 1984, il a reçu du gouvernement américain à titre posthume la distinction de citoyen d'honneur des États-Unis d'Amérique pour son action politique, considérée comme un haut fait envers la nation américaine. Il reste dans la postérité en ayant légué son nom à l'État de Pennsylvanie.  Une statue de William Penn est installée au sommet de l'hôtel de ville de Philadelphie, elle domina la ville jusqu'en 1987 (construction du One Liberty Place). Un accord tacite voulait qu'il était interdit de construire plus haut que celle-ci (167 m). Cependant, aujourd'hui, la statue de William Penn a toujours la vue dégagée sur le fleuve Delaware.

William Penn ( - ) est un homme politique et un réformateur religieux, promoteur en Amérique du quakerisme, fondateur de la ville de Philadelphie et de la Province de Pennsylvanie qui est devenue l'État américain de Pennsylvanie.

William Penn (* 14. Oktober 1644 in London; † 30. Juli 1718 in Ruscombe, Berkshire) gründete die Kolonie Pennsylvania im Gebiet der heutigen USA. 1693 verfasste er den "Essay towards the Present and Future Peace of Europe".


Niveau maximal du signal.

Le niveau maximal d'un signal est limité par les capacités techniques du dispositif utilisé. Quand ces limites sont atteintes, les signaux sont transmis avec une déformation involontaire appelée distorsion, qui croît progressivement. On définit le niveau maximal en spécifiant la distorsion maximale admissible.  On peut améliorer le rapport signal sur bruit d'un dispositif en augmentant la valeur maximale du signal. Cependant, souvent, à partir d'un certain point les mesures prises pour augmenter la valeur maximale se répercutent aussi sur le bruit de fond du signal.

Bruit de fond.

Le bruit a une origine interne ou externe au dispositif :

Bruit de quantification dans les signaux numériques.

La quantification est l'opération qui réduit le nombre de valeurs possibles pour le signal. La quantification décompose le signal en deux parties : L'erreur de quantification est au plus égale à un demi-échelon de quantification ; elle n'est pas constante ni aléatoire, elle dépend du signal. Pour les signaux forts, cette corrélation peut se négliger ; c'est pourquoi on parle de "bruit" de quantification.  Le rapport signal sur bruit dans un canal de transmission numérique se définit comme le rapport de puissance entre un signal sinusoïdal d'amplitude maximale représentable dans le code numérique et le bruit de fond. Le bruit de quantification représentant le minimum du bruit de fond, le rapport signal sur bruit est au plus égal à  formula_1 soit en décibels 6,02 "n" + 1,76  ce qui donne 98 dB pour 16 bits, et 6 dB de plus par bit de résolution supplémentaire. Il s'agit d'une limite absolue.  Pour les signaux de faible niveau, la corrélation de l'erreur de quantification peut se décrire comme une distorsion. Pour la traiter, on ajoute, s'il n'en existe pas déjà suffisamment, un faible signal aléatoire au signal utile avant quantification. Cette opération s'appelle (agitation, hésitation). Elle ajoute environ 3 dB au bruit de fond. Le niveau de bruit optimal est supérieur au niveau de bruit de fond minimal théorique (phénomène de résonance stochastique).  Dans la suite de la chaîne de traitement du signal, le niveau de bruit ne peut qu'augmenter.

La relation de Shannon - Hartley.

Dans le domaine des télécommunications, la relation de Shannon permet de calculer le nombre maximal d'états (valence) d'un système  formula_2 où "S" est le niveau du signal et "N" est le niveau du bruit supposé gaussien et additif, et par voie de conséquence, avec une bande passante "B" le débit d'information maximal en bits par seconde : formula_3

Amélioration du rapport signal sur bruit.

Les méthodes classiques pour améliorer le rapport signal à bruit sont :

Le rapport signal sur bruit est un indicateur de la qualité de la transmission d'une information. C'est le rapport des puissances entre : Il s'exprime généralement en décibels (dB).

Das Signal-Rausch-Verhältnis, auch "Störabstand" formula_1 oder "(Signal-)Rauschabstand" formula_2, abgekürzt SRV oder S/R beziehungsweise SNR oder S/N von, ist ein Maß für die technische Qualität eines Nutzsignals (z. B. Sprache oder Video), das von einem Rauschsignal überlagert ist. Es ist definiert als das Verhältnis der mittleren Leistung des Nutzsignals zur mittleren Rauschleistung des Störsignals.


Biographie.

Jeunesse.

Second fils d'un riche promoteur immobilier et de son épouse Mariann, Lex Barker est très tôt attiré par une carrière de comédien et au désespoir de ses parents abandonne ses études pour rejoindre une compagnie de théâtre. Il occupe alors de petits rôles. En 1938, il joue à Broadway dans la pièce "Les Joyeuses Commères de Windsor" de Shakespeare. Il tient également un petit rôle dans la pièce d'Orson Welles " qui, en 1939, dès la première est un échec. Cette même année, il est repéré par la Twentieth Century Fox qui lui propose un contrat, que ses parents refusent de signer (il est encore mineur). Il travaille alors dans une aciérie et étudie la nuit pour devenir ingénieur.  En, dix mois avant l'attaque de Pearl Harbor, il s'engage dans l'armée. Avec son mètre quatre-vingt-treize et ses cent-quatre kilos, il atteint rapidement le grade de major. Blessé à la tête et aux jambes lors de combats en Sicile, de retour aux États-Unis, il est soigné dans un hôpital militaire en Arkansas.

Carrière.

Démobilisé, Lex Barker se rend à Los Angeles où, très vite, il obtient un petit rôle et apparaît pour la première fois au cinéma dans " de Lewis Seiler (1945). Il enchaîne alors plusieurs apparitions, avant de décrocher le rôle qui va lui apporter le succès : Tarzan.  Johnny Weissmuller (qui a été le personnage durant seize ans) n'a plus l'âge d'incarner le héros d'Edgar Rice Burroughs et c'est Lex Barker qui lui succède, devenant ainsi le dixième Tarzan à l'écran. Il est "l'homme de la jungle" le temps de cinq films, avant de céder lui-même la place à Gordon Scott.  On le retrouve ensuite dans quelques westerns et films de guerre, mais, trouvant difficilement des emplois aux États-Unis, en 1957, il se tourne vers l'Europe (il parle français, italien, espagnol et un peu l'allemand), où il connaît un regain de popularité et tourne une quarantaine de films. En Italie, il est de la distribution de "La Dolce vita" de Federico Fellini, dans le court rôle du fiancé alcoolique de l'actrice incarnée par Anita Ekberg.  C'est en Allemagne qu'il obtient ses plus grands succès, avec sa participation, aux côtés de Pierre Brice, à la série des "Winnetou", westerns tournés dans les années 1960 d'après les romans de l'auteur saxon Karl May: son rôle de Old Shatterhand, le meilleur ami de l'indien Winnetou, lui donne définitivement un statut d'acteur culte en RFA. Il joue également dans deux films de la série des docteur Mabuse.  En 1966, Lex Barker reçoit le prix Bambi, célébré comme « meilleur acteur étranger ». Toujours en Allemagne, il enregistre deux chansons.  Bien qu'il soit revenu aux États-Unis à l'occasion de quelques apparitions dans des séries américaines, l'Europe et notamment l'Allemagne demeure professionnellement son pays d'adoption pour le reste de sa vie.  Lex Barker meurt le, trois jours après son cinquante-quatrième anniversaire, il est victime d'une crise cardiaque dans une rue de New York (alors qu'il se rendait à un rendez-vous avec sa « fiancée », l'actrice Karen Kondazian). Son épouse Maria del Carmen (de laquelle il était séparé) ramena ses cendres en Espagne.

Vie privée.

Lex Barker s'est marié cinq fois :  De son premier mariage avec Constance Thurlow (1918-1975), il eut deux enfants : sa fille Lynn (1943-2010) et son fils Alexander (1947-2012). De son quatrième mariage avec Irene Labhart il eut un fils Christopher ( 1960- )

Alexander Crichlow Barker Jr, dit Lex Barker, né le à Rye et mort le à New York, est un acteur américain, principalement connu pour avoir été l'un des interprètes de Tarzan au cinéma.

Lex Barker (* 8. Mai 1919 in Rye, New York als "Alexander Crichlow Barker Jr."; † 11. Mai 1973 in New York City) war ein US-amerikanischer Schauspieler. Seine bekanntesten Rollen waren Tarzan, Der Wildtöter und Old Shatterhand.


Les Sept Sceaux.

"Sur la signification et les interprétations détaillées, voir Apocalypse."  Dans sa vision de l'Apocalypse, Jean raconte comment il voit "dans la main droite de celui qui siège sur le trône un livre roulé, écrit devant et derrière "(au recto et au verso)" et scellé de sept sceaux". Puis il voit "un agneau comme égorgé. Il s'en vint prendre le livre dans la main droite de celui qui siège sur le trône."  L'agneau ouvre successivement les sept sceaux, ce qui provoque chaque fois une nouvelle apparition :

Représentations.

Comparativement aux multiples thèmes iconographiques de l'Apocalypse (les Quatre Cavaliers, Les Sept Chandeliers, les Sept Trompettes, la Bête, etc.), le livre est omniprésent, associé ou non à l'agneau, mais il est rarement un thème isolé.  Le livre est représenté soit comme un livre actuel "(codex)" relié, soit comme le livre antique, tel que le décrit saint Jean, à savoir un rouleau de parchemin ou de papyrus "(volumen)". Les sept sceaux pendent sur des rubans disposés parallèlement, tout le long du rouleau ou de la tranche du livre. Le rouleau peut être à moitié déroulé, formant deux enroulements (Apocalypse de Bamberg).  Au-delà des considérations matérielles liées à l'époque, le choix du "codex" ou du "volumen", en particulier à l'époque romane où ces deux formes de livre coexistent, n'est pas dépourvu de signification. Dans les innombrables enluminures illustrant l'Apocalypse, le volumen, ou rouleau, représente le cercle, il est fermé par essence, que ce soit avec ou sans les sceaux. Il est le symbole d'un "monde qui reste scellé, indéchiffrable, incomplètement manifesté". Au contraire le codex, ramené à un carré parfait, presque abstrait dans la représentation, est le livre de la Révélation apportée aux hommes : on passe "de la forme roulée, spiralée, à la forme carrée, déployée et en extension". Même si le livre fermé est, à des époques plus tardives, représenté par un rouleau fermé par les sept sceaux, il est presque toujours représenté comme un codex ouvert après la rupture des sceaux.  L'agneau, représentant le Christ, est généralement représenté couché sur le livre. Le Christ Pantocrator, dans la sculpture romane consacrée à l'Apocalypse, tient dans sa main le livre avec ou sans les sept sceaux apparents (tympan de Saint-Pierre de Moissac). D'autres représentations montrent "Celui qui siège sur le trône" tenant le livre, l'agneau venant s'appuyer sur son genou pour prendre le livre.  Trois représentations de l’agneau couché sur le livre aux sept sceaux peuvent se voir à Valence (Drôme) : dans la cathédrale Saint-Apollinaire, un médaillon sculpté sur un devant d’autel, une peinture sur l’entablement du retable de la Céne (XVII s.) ; et dans la chapelle des Capucins, une peinture sur un devant d’autel à la Vierge Marie (XVII s.). Il est très probable que les auteurs des deux autels peints ne soient qu’une seule et même personne.

Le Livre aux sept sceaux, ou Livre des sept sceaux, est un thème de l'iconographie chrétienne issu du livre de l'Apocalypse de saint Jean.

Über das Buch mit den sieben Siegeln wird ausführlich ab dem fünften Kapitel der Offenbarung des Johannes im Neuen Testament der Bibel berichtet. Dabei wird in einer sehr bildreichen und visionären Sprache geschildert, wie nacheinander die sieben Siegel an einer „innen und außen beschriebenen“ Buchrolle durch das Lamm (ein Symbol Jesu Christi) geöffnet werden, wodurch die Apokalypse ausgelöst wird.


Matière.

Composition.

Les couleurs d'aquarelle ou de gouache sont constituées de pigments, d'un liant soluble dans l'eau et d'additifs destinés à faciliter l'application et la conservation.

Conservation.

L'aquarelle est par nature fragile. Les pigments, seulement collés sur le support, sont en contact avec l'air. Leur granulométrie fine nuit à leur solidité lumière; le liant soluble rend le nettoyage impossible; le papier jaunit et souffre des attaques des insectes et des champignons.  Les aquarelles ne peuvent être exposées que dans des conditions adaptées, faible lumière et protection par des vitres.

Conditionnement.

Les couleurs d'aquarelle se présentent sous deux conditionnements : godets de couleur sèche, tubes de couleur pâteuse.  La composition de l'aquarelle en godet et en tube est presque la même. L'aquarelle en tube peut comporter plus de miel afin que le produit reste plastique plus longtemps. Il est possible de remplir les godets vidés avec des tubes, moins onéreux, la pâte durcira en séchant. Il est cependant recommandé de procéder en plusieurs couches. Si la peinture d'un tube a séché, on peut découper l'enveloppe et utiliser le contenu comme de l'aquarelle en godets.  Les tubes contiennent de 5 à. Les godets mesurent environ et contiennent environ de peinture ; les demi-godets sont moitié moins larges avec. Cette taille uniforme permet de placer dans les alvéoles des boîtes de voyage les produits de tous les fabricants.  Les couleurs se vendent souvent en plusieurs qualités, « étude », « fines », « extra-fines » ; elles diffèrent principalement par la quantité de pigment par unité de volume.  Le crayon aquarellable (ou crayon aquarelle) ressemble à un crayon de couleur, il permet de dessiner des détails précisément. Les crayons, craies et pastels « aquarellables » ont le plus souvent une composition différente de celle des couleurs d'aquarelle. Les encres-aquarelles sont des teintures solubles dans l'eau, en général peu solides à la lumière et dont le rendu dépend, plus encore que celui de l'aquarelle, du papier utilisé. Contrairement à l'aquarelle, les encres à l'eau s'étendent sans former d'auréoles.

Usage.

Mise en couleurs.

L'aquarelle a servi historiquement et sert encore beaucoup pour des travaux de mise en couleurs d'impressions monochromes ou de dessins et, comme la gouache, pour les livres de coloriage. L'aquarelle sert en dessin de botanique, de zoologie, d'architecture, chaque fois qu'une notation de couleur est nécessaire. Avant que les techniques de reprographie ne fasse privilégier l'encre noire et les hachures, le dessin technique utilisait des couleurs conventionnelles, posées à l'aquarelle.  Au, les éditeurs proposaient des éditions en couleurs des lithographies, fabriquées en passant au pinceau des couleurs sur une impression demi-teinte peu contrastée. Le même procédé a servi en cartographie et pour la mise en couleur de photographies.  Au, les coloristes de la bande dessinée ont utilisé des méthodes similaires. Le contour était alors préalablement tracé à l'encre indélébile à la plume ou au pinceau. Pour ces applications où l'on veut obtenir des aplats très homogènes, on prépare les dilutions à l'avance, pour les utiliser comme des encres.  Dans ces travaux, l'aquarelle se distingue du lavis en ce qu'elle n'utilise pas que des teintes plates.

Peinture.

En peinture, on considère aujourd’hui généralement que le travail à l'aquarelle se fait sur papier vierge, avec tout au plus une mise en place légèrement tracée au crayon. Cela n'exclut pas que des artistes puissent lever des croquis coloriés sur le motif, avant d'exécuter l'aquarelle proprement dite sur papier vierge.  Une partie des artistes et amateurs considère que ne mérite la qualification d' « aquarelle » qu'un ouvrage réalisé exclusivement avec des couleurs transparentes mates, sans empâtements, sans trace de crayon, sans noir ni blanc ni couleurs opaques, ni d'autres peintures qui ne se diluent plus une fois sèches. Toute transgression de ce principe leur fait classer l'ouvrage comme "technique mixte", tandis que l'expression « aquarelle pure » indique son respect.

Application.

Lorsque d'un trait de pinceau, on dépose l'aquarelle sur le support, les pigments se retrouvent d'abord en suspension dans le milieu aqueux. Ils se déposent ensuite progressivement au creux des aspérités du papier tout comme des sédiments charriés par une rivière en crue. Tant que le papier reste humide, des pigments flottent encore dans le liquide. Il est toujours possible d'intervenir si l'on ne perturbe pas la couche des pigments déjà déposés.  Lorsque le papier est sec, la transparence de l'aquarelle s'impose. Elle résulte des différences d'épaisseur des strates de pigments sur le papier. Peu de pigments sur les crêtes et davantage dans les creux. C'est ce gradient qui crée cette « vibration » si particulière.  Sa simplicité n'est qu'apparente. Les difficultés, réelles, ne doivent cependant pas décourager le novice qui, s'il a bien assimilé ces spécificités techniques, saura en tirer profit pour produire un travail de qualité.  Le maximum d'intensité lumineuse correspond au blanc du papier. Les techniciens les plus habiles savent ménager dans leur tableau ces éclats lumineux naturels aux endroits les plus opportuns. Des artifices permettent aussi de préserver le fond du support : la paraffine (bougie), qui empêche définitivement l'eau colorée de mouiller le papier, ou la gomme à masquer ( "drawing gum"), qui le protège temporairement.  On décrit habituellement deux techniques qui peuvent s'associer dans un même travail.  Dans tous les cas, la couleur de l'aquarelle ternit assez notablement au séchage. La disparition de l'eau change le trajet des rayons lumineux, et les couleurs perdent de leur éclat. L'artiste en tient compte. Un phénomène du même ordre peut se produire si, le travail fini, on y applique un vernis fixatif ou protecteur.

Papier.

Bien que des toiles pour aquarelle soient vendues depuis quelques années, le papier est le support usuel de l'aquarelle. Il doit pouvoir résister à une forte humidité. Il est peu collé, surtout en surface. Il doit être perméable, afin de résister aux lavages et aux enlevages. S'il n'est pas collé, il faut passer les couleurs rapidement, et chaque touche est définitive.  Tout papier peut servir, selon le projet de l'artiste. Les techniques humides requièrent certaines qualités du papier. Selon qu'on désire pouvoir alléger des couleurs, ou qu'au contraire celles-ci se superposent sans se mélanger, on demande des qualités différentes au support.  Le papier à aquarelle est généralement :  Les papiers diffèrent par leur grain et par leur capacité à retenir les pigments. Plus le papier fixe les pigments, et plus on peut appliquer des couches successives sans perturber celles déjà posées ; mais on peut moins retirer de la couleur en mouillant, puis en pompant avec un pinceau essoré. Le papier humidifié tend à s'allonger. Au contact de l'eau qui porte les pigments de l'aquarelle, le papier peut gondoler, formant des creux dans lesquels la couleur s'accumule. Pour limiter cet inconvénient, les fabricants de matériel de peinture proposent des blocs de papier où les feuilles sont encollées les unes aux autres sur leurs quatre bords, permettant de conserver une certaine planéïté. L'artiste détache la feuille du bloc une fois l'œuvre terminée.  Dans la technique sur papier humide, la tension du papier est indispensable. Elle ne nuit en rien dans la technique sur papier sec, et évite des tracas. On utilisait autrefois un "stirator", dispositif destiné à maintenir le papier dans un état d'humidité et de tension.  Pour tendre le papier, on l'humidifie des deux côtés à l'aide d'une éponge ou d'un pinceau mouilleur, puis on le fixe sur une planche rigide à l'aide de bandes de kraft gommé. Une fois sec, le papier pourra être (re)mouillé sans risquer de gondoler. La planche doit être très rigide, car le papier exerce une grande force en séchant. On peut aussi tremper le papier dans l'eau ou on le mouiller profondément avec une douchette, avant de l'agrafer le papier humide sur un châssis. Certains peintres, comme Oga Kazuo, décorateur des dessins animés du studio Ghibli, étendent leur feuille abondamment mouillée sur du bois vernis, tandis que d'autres utilisent une plaque de plexiglas. Si l'eau ne s'évapore pas à travers la face inférieure, il conserve une humidité résiduelle pendant plus longtemps, ce qui se répercute sur la dynamique de l'eau et des couleurs.

Pinceaux.

L'aquarelle se pratique habituellement à l'aide d'un pinceau ayant un bon pouvoir de rétention d'eau (trempe).  Le poil de petit-gris (de l'écureuil du même nom), dont la capillarité reste insurpassée, est le plus adapté. La forme du pinceau mouilleur est parfaite pour les lavis et les fonds, car son ventre (ou réservoir) permet de contenir une grande quantité de liquide.  Le poil de martre, souple et nerveux, est apprécié pour sa trempe et la finesse de sa pointe. La meilleure qualité est la variété de martre Kolinsky, en réalité vison de Sibérie.  Les pinceaux en fibres synthétiques souples, moins absorbants mais d'une bonne élasticité, sont utiles pour poser les fonds et ouvrir les blancs.  Les brosses plates servent à mouiller ou peindre de grandes surfaces.  Les pinceaux chinois ou japonais, qui peuvent combiner deux sortes de poils, conviennent pour l'aquarelle. Ils se tiennent en position verticale pour la calligraphie, mais la peinture chinoise utilise toutes les possibilités.  Les pinceaux à réserve d'eau peuvent s'utiliser seuls pour des croquis colorés rapides, ou en complément des pinceaux classiques et des godets. Contrairement au pinceau traditionnel, qui libère l'eau toujours pigmentée tant qu'il y en a, le flux d'eau venant de la réserve dilue l'aquarelle prise au godet au fur et à mesure qu'on passe le pinceau sur le papier. Seul un pinceau sec peut retirer, en la pompant, un excès de peinture humide, un pinceau à eau ne peut que laver le pigment, le repoussant un peu plus loin.

Autres outils.

D'autres outils sont indispensables, comme les godets à eau et chiffons pour nettoyer les pinceaux ; d'autres peuvent s'avérer utiles à l'aquarelle tels que palettes à godets pour préparer des mélanges, éponges, boules de coton, brosse à dent pour les projections de couleur, lame ou plume pour les grattages, gomme pour protéger des.

Histoire.

L'aquarelle se détache des autres techniques de peinture à l'eau au. Le terme, d'origine italienne est attesté au milieu du siècle et Watelet en donne la première définition en français en 1791. C'est un. Comme l'indique Diderot dans l"'Encyclopédie", c'est alors un procédé de dessin qui utilise des lavis transparents, par opposition aux peintures à gouache.  Dès le, les Chinois peignaient sur de la soie avec l'encre de Chine, basée sur des pigments broyés dans une colle animale soluble dans l’eau. La peinture de lettrés chinoise et la peinture japonaise sumi-e sont faites dans des techniques apparentées au lavis sur fond sec. Par la transparence des couleurs et le rôle des fonds clairs, une bonne partie de la peinture chinoise et extrême-orientale peut s'assimiler à l'aquarelle.  Les techniques à l'eau ont dominé la peinture en Europe jusqu'à l'invention de la peinture à l'huile (ou sa diffusion) à partir du. La diffusion du papier à la même époque permet dessin et lavis, donnant des ouvrages rapidement transportables. L'aquarelle ne se différencie du lavis que par le fait que celui-ci est généralement monochrome. Les artistes ajoutent des couleurs à leus dessins progressivement à partir du. On peut déjà parler d'aquarelle à propos de certaines études de Dürer ou de Raphaël ; mais elles restent un phénomène isolé.

Époque classique.

À l'époque classique, la peinture à l'eau, surtout adaptée au petits formats, se désigne sous le nom de "miniature" :. Cette peinture tient de la gouache ou de l'aquarelle, selon la façon dont l'artiste préparait ses couleurs.  Particulièrement adaptée aux notations précises, Holbein l'utilise au pour réaliser des portraits en miniatures, et Gaston d'Orléans l'intègre à ses planches naturalistes. Au, la peinture à l'huile garde la préférence des commanditaires de la peinture. Les peintres réservent l'aquarelle aux études préparatoires et à certains travaux personnels. Les peintres de fleurs et paysagistes flamands (Hendrick Avercamp, Albert Cuyp, Jan Van Goyen, Adriaen Van Ostade) traduisent quelquefois par l'aquarelle leur observation minutieuse de la nature. Rubens et Jordaens ponctuent parfois leurs dessins de touches aquarellées. Jean Honoré Fragonard, Hubert Robert ou Louis Durameau l'utilisent pour des études, notamment lors de voyages en Italie. Gabriel de Saint-Aubin, Jean-Baptiste Lallemand, s’en servent dans leurs scènes de genre). Louis-Gabriel Moreau, l’utilise dans ses paysages de plein air, les soulignant d'un trait de plume.  En Angleterre, Anton van Dyck peint au début du des paysages en aquarelle pure ; mais il ne fera pas d'émules avant le milieu du siècle suivant.  L'aquarelle sert principalement aux planches de botanique et de zoologie et au coloriage de gravures comme celles des ouvrages de Buffon.

L'invention anglaise.

L'aquarelle, telle qu'on comprend ce terme aujourd'hui, naît à la fin du en Angleterre et se développe au.  En 1766, William Reeves lance en Angleterre la première fabrication commerciale d'aquarelle. Tant la production des couleurs à l'eau que leur utilisation artistique se développe en Angleterre. C'est à cette époque que les fabricants commencent à sélectionner des pigments transparents qui différencient l'aquarelle, des pigments opaques, caractérisés par un indice de réfraction et un taux de diffusion élevés destinés à la gouache.  Dans le dernier quart du un mouvement d'intérêt pour la peinture de paysage se développe en Angleterre. En 1777, Richard Earlom grave à l'aquatinte le "" de Claude le Lorrain. En 1785 Alexander Cozens publie une "Nouvelle méthode pour assister l'invention dans le dessin de compositions originales de paysages", construite sur l'observation de taches sur le papier, et qui constitue une théorie du lavis, que celui-ci soit d'encre ou d'aquarelle.  Les amateurs fortunés qui font le tour de l'Italie utilisent alors encore l'aquarelle d'une façon classique, sur du dessin à la mine de plomb et à la plume. John Robert Cozens, fils d'Alexander, développe un style d'aquarelle dans lequel le dessin, étape préalable de la composition, ne transparaît pas dans l'œuvre. Thomas Girtin définit le premier l'aquarelle par la transparence de la peinture sur le support, magnifiée par l'usage d'un papier à grain dont le blanc, réservé, donne seul les hautes lumières, et la pose en rivale de la peinture à l'huile, tout en délaissant les sujets classiques tirés de l'antiquité pour s'intéresser aux effets du paysage de son pays.  La, fondée en 1804 à Londres, rassemble les artistes partisans de cette nouvelle esthétique : refus de tout trait de plume ou de crayon, de tout blanc et de toute opacité, intérêt pour le rendu de la lumière. L'aquarelle, tolérant mal les retouches et les repentirs, est ainsi une démonstration de virtuosité, à une époque ou la refuse les aquarellistes. L'institutionalisation de l'aquarelle favorise l'esprit de système, et la guerre en Europe interrompt les voyages et les contacts avec le Continent pendant une vingtaine d'années.  Samuel Palmer, Bonington, Turner sont les aquarellistes les plus influents. Leur production, cependant s'affranchit des principes de l'« aquarelle pure ». Ils ne dédaignent pas un accent de gouache, des grattages, le masquage des réserves à la cire. Cotman rend des paysages banals monumentaux par le choix du point de vue avec une aquarelle sans gouache ni artifices techniques ; Copley Fielding, aquarelliste prolifique, devient président de la et formera à l'aquarelle le critique John Ruskin dont l'influence transformera le regard rétrospectif sur l'art britannique. Ruskin promeut le préraphaélisme dont l'usage de la couleur est un retour à l'enluminure, il discrédite John Constable, aquarelliste sur le tard, et critique avec virulence l'Américain Whistler, qui pratiquent l'un et l'autre une peinture attentive aux effets de lumière, comme les premiers aquarellistes anglais.

1815-1914.

La fin des guerres révolutionnaires et napoléonniennes va provoquer un renouveau des voyages, un intérêt pour les paysages de pays lointains ou voisins, et permettre le contact entre artistes anglais et français. Les "Voyages pittoresques" se multiplient, ouvrages illustrés par la lithographie, qui est alors une nouvelle technique d'impression. Les originaux sont souvent des lavis ou des aquarelles, inspirés par l'exemple anglais et la théorie du pittoresque, britannique également, de William Gilpin ; Bonington travaille au premier volume des "Voyages pittoresques et romantiques dans l'ancienne France" de Taylor, comme Géricault et Eugène Isabey qui pratiquent aussi l'aquarelle. De nombreux artistes utilisent l'aquarelle en voyage pour leurs croquis de paysage et pour des projets, comme Eugène Delacroix, ou pour les travaux destinés à la reproduction, qui n'ont pas besoin d'être durables. L'aquarelle à l'anglaise, dessinée au pinceau et réservant les blancs sur le papier, reste rare.  En 1830, Roret publie le premier "Manuel de l'aquarelle", que le glossaire définit comme : tracé au crayon, toujours léger côté lumières, puis travail de la couleur au pinceau.  Une section d'aquarellistes anglais à l'exposition universelle de 1855 à Paris connaît un succès considérable. L'année suivante, un auteur affirme que l'aquarelle que. Un bon nombre de traités d'aquarelle sont publiés. Ils reconnaissent la supériorité anglaise en matière d'aquarelle, et la proposent comme activité d'amateur, de dames notamment. En 1863, Charles Baudelaire publie dans les pages du "Figaro" son éloge de l'aquarelliste Constantin Guys, qualifié de « "Peintre de la vie moderne" ».  L'aquarelle de paysage, peinte rapidement sur le motif, ne chasse cependant pas les usages plus anciens. L'aquarelle prouve parfois la virtuosité de l'artiste, dans des travaux d'atelier très élaborés et détaillés, souvent basés sur le dessin linéaire. Elle continue à servir à l'étude et aux projets, à mettre en couleurs gravures, dessins et lithographies, scientifiques ou décoratifs. L'aquarelle est, à cette époque, un art d'agrément, un passe-temps bourgeois. Les Impressionnistes en usent peu, préférant transposer à l'huile l'esthétique de l'aquarelle anglaise, qui a influencé Boudin ou Jongkind, dans la peinture à l'huile. , écrit Jules Adeline. Sa pratique s'entoure de controverses, entre ceux qui n'admettent que l'aquarelle "pure", couleurs transparentes posées directement, et ceux qui composent, à l'aquarelle, des tableaux avec.. Tandis qu'au Royaume-Uni, les sociétés d'aquarellistes, agitées par les mêmes divisions, entretiennent l'héritage des grands fondateurs contre les critiques des symbolistes et les modernes, en France Paul Signac se tourne vers l'aquarelle, lui appliquant les principes du divisionnisme tandis qu'en Autriche Rudolf von Alt se crée une réputation comme aquarelliste, ouvrant la voie au courant expressionniste. En avril 1879, se tient à la galerie Durand-Ruel (Paris), la première exposition de la Société d'aquarellistes français.  Les études de danseuses d'Auguste Rodin et les nus de Georges Rouault montrent la liberté que l'on peut atteindre avec l'aquarelle. En témoignent aussi les œuvres de Vassily Kandinsky dont la première œuvre abstraite est une aquarelle, Egon Schiele, Emil Nolde, August Macke, Paul Klee.

Art moderne et contemporain.

Dans les années 1960, un renouvellement de la technique apparaît avec Raoul Dufy, Jean Bazaine, Maurice Estève, Zao Wou-Ki, poursuivie dans les années 1970 par Pierre Risch, qui met au point une technique d'aquarelle sur papier de très grand format, entièrement mouillé à l'éponge et détourne un produit destiné à la sérigraphie, le "", afin de préserver le blanc du papier et ne pas gouacher l'aquarelle.  L'aquarelle reste une technique fréquente pour l'illustration. Jusqu'à la fin du, la majorité des dessinateurs de bande dessinée colorient à l'aquarelle ou à la gouache ainsi que les illustrateurs de livres, notamment pour enfants.

L’aquarelle est une peinture dans laquelle la gomme arabique lie des pigments transparents laissant apparaître le support de peinture. La gouache, de composition identique, est opaque.

Ein Aquarell (von ‚Wasser‘) ist ein mit nicht-deckenden Wasserfarben angefertigtes Bild. Die Aquarellfarben bestehen aus sehr feinen Pigmenten, wasserlöslichen Bindemitteln wie Gummi arabicum, Traganth oder Dextrinen, sowie Netz- und Feuchthaltemitteln. Diese lasierenden Farben werden nur mit Wasser verdünnt und mit einem Pinsel auf Papier, Pergament oder andere Materialien aufgetragen. Im Unterschied zur Gouache und Tempera schimmert beim Aquarell der weiße Malgrund durch die Aquarellfarben hindurch und gibt ihnen Tiefe und Leuchtkraft. Die Farbwirkung entsteht in der Regel durch das lasierende Aufeinanderlegen dünner Farbschichten oder das „nass in nass“-Arbeiten und durch die Verwendung besonders fein geriebener Pigmente. Man spricht von feindispersen Pigmenten, deren Korngröße um 1/10 000 mm liegt. Diese Pigmente sind so fein, dass sie von den Papierfasern absorbiert werden. Die Papierfaser wird gefärbt und es entsteht das „duftige“ Aussehen eines guten Aquarells. Anders als bei der Öl- oder Temperamalerei, wo das Mal- oder Bindemittel die Pigmente aneinander und an die Grundierung bindet, haben hier die oben schon genannten Bindemittel nur eine Schutzfunktion, um ein Gerinnen oder Flocken der Pigmente zu verhindern. Will man weiße Flächen oder Lichter erzielen, lässt man den Papierton unberührt stehen.


Biographie.

Parcours.

Issue d'une famille aisée, Salman Fredich Rushdie quitte son pays à l'âge de treize ans pour vivre au Royaume-Uni. Il y étudie à la "Rugby School" puis à "King's College, Cambridge". Il travaille un temps comme publicitaire chez Ogilvy & Mather. Sa langue maternelle est l'ourdou, mais la majeure partie de son œuvre est écrite en anglais.  Sa carrière d'écrivain débute avec "Grimus", un conte fantastique, en partie de science-fiction qui passe inaperçu de la critique littéraire.  En 1981, il accède à la notoriété avec "Les Enfants de minuit" ("Midnight's Children") pour lequel il est récompensé du "James Tait Black Memorial Prize" et le "Booker Prize". "Les Enfants de minuit" a plus tard été désigné comme le meilleur roman ayant reçu le prix Booker au cours des 25 puis des 40 dernières années.  En 1983, il est choisi par la revue littéraire "Granta" pour figurer dans son premier numéro consacré aux, avec Ian McEwan, Martin Amis, Kazuo Ishiguro et Graham Swift.  Après ce succès, Rushdie écrit un roman, "La Honte" ("Shame"), dans lequel il décrit l'agitation politique au Pakistan et dont les personnages sont inspirés de Zulfikar Ali Bhutto et du général Muhammad Zia-ul-Haq.  En 1988, la publication des "Versets sataniques" soulève une vague d'indignation dans le monde musulman.  En, à la suite d'une vague d'assassinats d'écrivains en Algérie, il fait partie des fondateurs du Parlement international des écrivains (), une organisation consacrée à la protection de la liberté d'expression des écrivains dans le monde. L'organisation est dissoute en 2003 et remplacée par l'International Cities of Refuge (ICORN).  Depuis 2000, il vit à New York. Il a acquis la nationalité américaine.

Vie privée.

En 1999, il a subi une intervention chirurgicale pour traiter une ptosis affectant ses paupières supérieures qui, selon ses propres dires, lui interdisait de plus en plus d'ouvrir les yeux.  Depuis l'an 2000, il a vécu principalement à New York, non loin de Union Square.  En 2004, il se marie (pour la quatrième fois) avec l'actrice et mannequin indienne Padma Lakshmi. Trois ans plus tard, ils divorcent.

Prises de position.

Salman Rushdie a soutenu les sandinistes du Nicaragua et a rejoint le groupe d'écrivains de Harold Pinter opposé à Margaret Thatcher, s'engageant également contre le racisme.  Salman Rushdie s'oppose au projet du gouvernement britannique d'introduire en droit le crime de haine raciale et religieuse, ce qu'il a exposé dans sa contribution "La libre expression n'est pas une offense", un recueil d'essais publié par Penguin en.  En, il figure parmi les signataires de la pétition en soutien à Roman Polanski lancée au lendemain de l'arrestation du cinéaste en Suisse.  Dans une interview publiée le par "Le Nouvel Observateur", il déclare :

L'affaire des "Versets sataniques".

La publication des "Versets sataniques" en déclenche immédiatement une vive réaction dans la communauté musulmane en raison de sa description jugée irrévérencieuse du prophète de l'islam Mahomet. Le livre décrit un prophète de Dieu nommé « Mahound » qui mélange des « vers sataniques avec le divin ». L’Inde bannit le livre dès le, imitée par l’Afrique du Sud le, puis par le Pakistan, l’Arabie saoudite, l’Égypte, la Somalie, le Bangladesh, le Soudan, la Tunisie, la Malaisie, l’Indonésie et le Qatar les semaines suivantes. Le, le roman est l'objet d’un autodafé à Bradford au Royaume-Uni. Le, cinq personnes sont tuées par la police pendant une manifestation à Islamabad contre l'ouvrage.  Le, une fatwa réclamant l’exécution de Rushdie est émise sur Radio Téhéran par l’ayatollah Rouhollah Khomeini, guide de la révolution de l’Iran, dénonçant le livre comme « blasphématoire » envers l’islam. Comme le roman suggère que Rushdie ne croit plus en l’islam, Khomeini le condamne aussi pour apostasie, ce qui, selon l'interprétation actuelle majoritaire d'un hadith, est passible de mort. Khomeini précise que c’est désormais la responsabilité de tout musulman d’exécuter Rushdie et ses éditeurs : À la suite de cette déclaration, une récompense est offerte pour la mort de Rushdie, qui est contraint de vivre dès lors sous une protection financée par les autorités britanniques. Le, le gouvernement iranien annonce officiellement son renoncement à accomplir la fatwa, mais déclare qu'elle ne pouvait être annulée selon la loi islamique. Même si la menace de mort qui pèse sur lui n'est pas pour autant relevée, Rushdie abandonne alors son nom d'emprunt Joseph Anton.  Le, cinq personnes sont tuées par la police lors d'une manifestation devant le consulat britannique à Bombay. Plusieurs autres personnes sont mortes en Égypte et ailleurs. Des communautés musulmanes organisent des autodafés publics. Des violences sont commises à travers le monde :  Le musicien pop Cat Stevens déclara être lui-même opposé aux écrits de l'écrivain et ne montrer aucune opposition à la fatwa. La controverse soulevée par cette déclaration le poussa à préciser dans un communiqué qu'il n'encourageait pas personnellement l'application de la fatwa appelant à l'assassinat de Rushdie.  Après la mort de Khomeini en 1989, Rushdie a publié un essai en 1990, "De bonne foi", en signe d’apaisement et a publié des excuses dans lesquelles il a réaffirmé son respect pour l’islam.  En 1999, l'État iranien a annoncé qu'il renonçait à appliquer la fatwa, ce qui n'empêche pas l'ayatollah Hassan Saneii, à la tête de la fondation du 15 de Khordad (bonyad-e punzdah-e khordad, soumise à l'autorité du guide de la révolution de l'Iran), de lancer régulièrement des annonces de primes pour la mort de Rushdie. Ainsi, déclare-t-il en 2003 qu'il augmentait la récompense de 2,8 millions de dollars US à 3 millions de dollars US. Le même groupe déclare le par communiqué de presse :. En, il porte la récompense pour le meurtre de Salman Rushdie à 3,3 millions de dollars US.  En, Salman Rushdie est anobli et titré chevalier par la reine d'Angleterre. Cette distinction provoque la colère du Pakistan. Une résolution est votée par le parlement pakistanais exigeant le retrait de ce titre. Le ministre des Affaires étrangères, Ijaz Ul-Haq, estime que cette décoration pourrait justifier des attentats-suicide. Ces protestations officielles sont accompagnées de manifestations au Pakistan où des effigies de la reine Élisabeth II et de Salman Rushdie sont brûlées. L'Iran condamne également cette distinction et des voix politiques et religieuses rappellent que la fatwa contre l'écrivain est toujours en vigueur. D'autres réactions ont eu lieu en Égypte, en Malaisie, en Afghanistan et en Inde.

Réactions.

L'attaque contre la liberté de l'artiste d'une part, et contre la liberté d'expression d'autre part, suscitent une émotion considérable dans le monde, dans les pays laïcs en particulier, et nombre de personnalités et d'auteurs, tels que Milan Kundera, prennent la défense de l'écrivain et du libre-penseur.

"International Gorillay".

En 1990, peu après la parution des "Versets sataniques", sort un film pakistanais intitulé "International Gorillay", dans lequel Rushdie est dépeint comme un comploteur désireux de causer la chute du Pakistan en ouvrant une chaîne de casinos et de boîtes de nuit dans le pays. Le film obtient une certaine popularité auprès des spectateurs pakistanais, et il.  La British Board of Film Classification refuse de délivrer au film un certificat, entraînant de fait son interdiction en Grande-Bretagne. Cependant, deux mois plus tard, Rushdie écrit lui-même à l'organisme, déclarant que bien qu'il pense que le film soit, il ne porterait pas plainte si celui-ci sortait. Il dira par la suite que Bien que le film ait été un succès au Pakistan, il passe inaperçu en Occident. Rushdie déclare qu'une partie du film est réellement comique, celle où son personnage torture un combattant pakistanais en lui lisant des extraits des "Versets sataniques".

Analyse de l'œuvre.

Rushdie est très influencé par la littérature moderne. "Les Enfants de minuit" emprunte des thèmes du roman "Le Tambour" de Günter Grass, dont Rushdie déclare qu'il a inspiré sa volonté de devenir écrivain. Le roman "Les Versets sataniques" est aussi clairement influencé par le roman classique russe "Le Maître et Marguerite" de Mikhaïl Boulgakov.  L'Inde et le Pakistan sont les thèmes respectivement des "Enfants de minuit" et de "La Honte". Dans ses œuvres suivantes, Rushdie s'est tourné vers le monde occidental avec "Le Dernier Soupir du Maure" (), explorant les liens culturels et commerciaux entre l'Inde et la péninsule Ibérique, et "" (), œuvre dans laquelle est décrite l'influence du rock 'n' roll américain sur l'Inde.

Distinctions.

Salman Rushdie a reçu de nombreuses distinctions dont le prix littéraire de l'Union européenne.

Ahmed Salman Rushdie, né le à Bombay, est un écrivain britannique d'origine indienne. Son style narratif, mêlant mythe et fantaisie avec la vie réelle, a été qualifié de réalisme magique. Objet en 1989 d'une fatwa de l'ayatollah Rouhollah Khomeini à la suite de la publication de son roman "Les Versets sataniques", il est devenu un symbole de la lutte pour la liberté d'expression et contre l'obscurantisme religieux, principalement dans les médias occidentaux.

Sir Ahmed Salman Rushdie (; * 19. Juni 1947 in Bombay, Indien) ist ein indisch-britischer Schriftsteller. Er gehört zu den bedeutendsten anglo-asiatischen Vertretern der zeitgenössischen britischen Literatur. Seine Erzählungen reichert er mit Elementen aus der Märchenwelt an. Dieses Vermischen von Mythos und Fantasie mit dem realen Leben wird als magischer Realismus bezeichnet. Rushdie schreibt in englischer Sprache.


Carrière politique.

Archonte d'Athènes en 493 av. J.-C., stratège en 490 av. J.-C. et chef du parti populaire des démocrates à partir de 483 av. J.-C., il réussit à convaincre les Athéniens réunis en ecclesia d'utiliser les revenus des mines d'argent du Laurion pour construire des trières de combat, et développer et fortifier le port du Pirée. L’initiative fut d'autant plus facilement accueillie qu'Athènes est alors en guerre contre Égine.  Lorsque le danger d'une invasion des Perses se précise, il joue un rôle décisif et réussit à convaincre les Grecs (Athéniens, Spartiates, Corinthiens, Péloponnésiens) de se regrouper dans la ligue panhellénique.  Les Athéniens, ayant peur de l'immense armée perse, vont d'abord consulter l'oracle d'Apollon à Delphes. La Pythie de Delphes leur conseille en premier lieu de partir aux extrémités du monde. Cela effraie encore plus les Athéniens, et de plus abandonner Athènes sans se battre est presque inimaginable pour eux. Ils décident donc de la consulter une deuxième fois. Elle leur conseille alors de se réfugier « derrière une barrière de bois ». Les Athéniens sont divisés et une partie pense alors à se protéger grâce aux fortifications en bois de l'Acropole. Thémistocle pense plutôt que cette muraille de bois signifie la flotte. Il décide donc d'affronter les Perses à Salamine.  Lors de la bataille de Salamine en 480 av. J.-C., Athènes, qui disposait de deux cents navires, fournit près de la moitié des trières dont disposent les Grecs face aux mille deux-cents navires perses (d'après Hérodote, en réalité ce chiffre est surement autour de six cents trières du côté perse). Après avoir utilisé son esclave Sicinnos pour une ruse de guerre, Thémistocle commande cette flotte avec le Spartiate Eurybiade et, profitant du détroit pour réduire l'avantage numérique de leurs ennemis, les écrase. Mais cette victoire ne libère pas les Athéniens de la menace perse.  Thémistocle s'emploie dès lors à garantir la sécurité d'Athènes, en poursuivant sa politique maritime, en faisant construire les Longs Murs reliant Athènes au Pirée, et ce, en dépit de l'opposition de Sparte. Car il s'agissait de mettre Athènes à l'abri des offensives des Péloponnésiens, dont les forces terrestres étaient très supérieures à celles d'Athènes. En 479 av. J.-C., Thémistocle se fit donc députer à Sparte sous couleur de négocier, y fut finalement couvert d'honneurs et de dons, et les autorités spartiates durent s'incliner. Doué, hardi, éloquent, avide de gloire et de richesses, fougueux, vaniteux et ambitieux, Thémistocle montre une absence totale de scrupules, mais a toutes les qualités d'un grand homme d'État, avec la capacité de voir à long terme, et le courage de défendre et d'imposer ses idées. Entre autres traits d'humour que lui attribue Plutarque, il y a celui-ci : comme le fils de Thémistocle abusait de la tendresse de sa mère et se servait d'elle pour gouverner son père, Thémistocle remarquait en plaisantant que son fils avait plus de pouvoir qu'aucun Grec. « Athènes commande à la Grèce, je commande aux Athéniens ; ma femme me commande, et mon fils commande à sa mère », disait-il. Mais Thémistocle aime aussi le luxe, et son orgueil tyrannique irrite beaucoup de ses compatriotes : Aristide l'accusa de détournement d'argent public ; Thémistocle entre en conflit avec Cimon, fils de Miltiade, sur la stratégie à employer pour assurer l'hégémonie athénienne, Thémistocle estimant que la principale menace viendrait de Sparte et non des Perses. Ses opinions médisantes l'opposent avec virulence à Timocréon de Rhodes, qu'il aurait par ailleurs trahi en ne le rapatriant pas sur Rhodes, malgré paiement, et alors qu'il naviguait en mer Égée à la suite du repli perse, suite à leur défaite à Salamine.

Le déclin.

Il est néanmoins banni de son pays : frappé d'ostracisme en -471, il se réfugie dans un premier temps à Argos, où il fomente des révoltes contre Sparte. En danger de mort, il se réfugie auprès du roi de Perse Artaxerxès I, fils de Xerxès, que Thémistocle avait vaincu à Salamine. Il y est comblé d'honneurs et le roi lui confie le gouvernement de cités grecques d'Asie Mineure, qu'il gère jusqu'à sa mort à Magnésie en 459 av. J.-C. Sa disparition, à 65 ans, est peut-être due à la maladie ou à l'âge, mais Thucydide et Plutarque racontent qu'il est possible qu'il se soit volontairement empoisonné « parce qu'il ne se sentait pas en état d'accomplir les promesses qu'il avait faites au Roi » et pour ne pas avoir à commander une expédition contre les Grecs, ses concitoyens.

Démocrate.

Le nom de Thémistocle est souvent associé à la démocratie, au même titre que ceux de Solon, Clisthène, et plus tard Éphialtès et Périclès, même si celle-ci n'avait pas encore réellement vu le jour. En effet, pour Thémistocle, Athènes ne pouvait marquer son hégémonie en Grèce, notamment contre Sparte, et se protéger des Perses qu'en développant sa flotte ; jusque-là, la guerre était le fait d'une élite capable de payer son équipement, les hoplites. Le développement de la flotte verra l'avènement des thètes. C'est là l'embryon d'une forme d'égalité qui suscite l'opposition aristocratique, notamment celle de Cimon, fils de Miltiade. Eschine de Sphettos dit de lui dans son "Alcibiade" qu'il ne pouvait décider que de très grands espoirs de salut pour les Athéniens.

Thémistocle (v. 524 – 459 av. J.-C.) est un homme d'État et stratège athénien. Il joua un rôle déterminant dans la victoire grecque lors de la Seconde Guerre médique. Né dans une famille de petits commerçants, son père, Néoclès, du bourg de Phréar, appartenant à la tribu Léontide, n'appartient pas à l'aristocratie ; d'après Phanias de Lesbos, sa mère s'appelle Euterpe, est originaire d'Halicarnasse, et appartient au lignage sacerdotal des Lycomides, noblesse de second ordre.

Themistokles (, * um 524 v. Chr.; † um 459 v. Chr. in Magnesia am Mäander) war ein Staatsmann und Feldherr Athens während der Bedrohung Griechenlands durch die Perser (Perserkriege). Er wurde zum Sieger der Schlacht von Salamis und gilt als ein Wegbereiter der attischen Demokratie.


Histoire.

La crise du.

Avec l'assassinat de l'empereur Sévère Alexandre le, l'Empire romain sombra dans une guerre civile de cinquante ans, aujourd'hui appelée crise du troisième siècle. Durant cette même période, l'ascension de la belliqueuse dynastie sassanide en Perse commença à menacer sérieusement l'est de l'Empire : en 259, l'empereur Valérien fut capturé par Chapour Ier, et mourut en captivité l'année suivante.  Gallien, son fils aîné, qui régnait à ses côtés depuis 253, lui succéda et poursuivit la guerre dans l'est. Son propre fils, Salonin, et le préfet du prétoire Silvanus, résidaient à Colonia Agrippina (Cologne) pour renforcer la loyauté des légions locales, ce qui n'empêcha pas le gouverneur local des provinces germaniques, Postume, de se rebeller. Il attaqua Colonia Agrippa, et dans la confusion qui suivit la mort de Salonin et Silvanus, se proclama empereur des Gaules, avec Augusta Treverorum (Trèves) pour capitale. Ce nouvel Empire s'étendit bientôt sur les provinces germaniques et gauloises, ainsi que sur l'Hispanie et la Bretagne, posséda son propre sénat et ses propres consuls.  Vers la même période, les provinces orientales firent sécession sous le commandement de la reine Septimia Bathzabbai Zénobie, formant l'empire de Palmyre. Ce n'est qu'en 272 que l'empereur Aurélien parvint à réintégrer ce territoire à l'Empire romain. L'Est étant désormais sûr, il se tourna vers l'Ouest et reprit, un an plus tard, l'empire des Gaules.

La tétrarchie.

Les frontières de l'Empire restèrent globalement en paix durant le reste de la crise du IIIe siècle, même si au moins huit empereurs furent tués, souvent par leurs propres troupes, entre la mort d'Aurélien en 275 et l'avènement de Dioclétien, dix ans plus tard.  La division politique de l'Empire romain débuta sous Dioclétien. Il fonda la tétrarchie en 286, donnant la moitié occidentale de l'Empire à Maximien avec le titre d'Auguste, et chacun s'adjoignant un César, respectivement Galère et Constance Chlore. Ce système divisa l'Empire en quatre parties avec chacune sa capitale en plus de Rome, afin d'éviter les troubles qui avaient marqué le. Dans l'ouest, les capitales étaient "Mediolanum" (Milan) pour Maximien Hercule et Trèves pour Constance Chlore. Le, les deux Augustes abdiquèrent et furent remplacés par leurs Césars.  Le système de la Tétrarchie ne tarda pas à s'effondrer après la mort prématurée de Constance Chlore, en 306. Son fils Constantin I fut proclamé Auguste de l'Ouest par les légions de Bretagne. Une crise s'ensuivit, durant laquelle plusieurs prétendants tentèrent de s'approprier la partie occidentale de l'Empire. En 308, l'Auguste de l'Est, Galère, organisa une conférence à Carnuntum qui refonda la Tétrarchie en divisant l'Empire entre Constantin I et Licinius. Grâce à une série de batailles dans l'Est et l'Ouest, Licinius et Constantin stabilisèrent leurs parties respectives de l'Empire, et à partir de 313, ils entrent en compétition pour la domination de l'Empire. Lors de la bataille de Chrysopolis, en 324, Licinius est capturé par Constantin, puis exécuté l'année suivante.  La Tétrarchie avait vécu, mais l'idée de diviser l'Empire entre deux empereurs devait rester. Les empereurs les plus doués le réuniraient sous leur férule, mais à leur mort, il serait de nouveau divisé entre l'Est et l'Ouest.

Deuxième division.

L'Empire romain était réuni sous un seul empereur, mais à la mort de Constantin I (337), une guerre civile éclata entre ses trois fils, divisant l'Empire en trois. L'Ouest fut réunifié en 340 sous Constant I, puis tout l'Empire en 353 par Constance II. Deux ans plus tard, ce dernier, écartelé entre l'agitation des Germains et la guerre contre les Sassanides, nomma son cousin Julien César et l'envoya en Gaule.  En 360, Julien fut proclamé Auguste par ses soldats mutinés et rassemblés devant le palais des thermes de Cluny, et Constance II mourut l'année suivante, le laissant seul maître de l'Empire. Julien fut tué en 363 en combattant les Sassanides, et son successeur, Jovien, le commandant de la garde impériale, fut tué l'année suivante.

Division finale.

Après la mort de Jovien, l'empire retomba dans une période d'instabilité politique. En 364, Valentinien I s'imposa. Il divisa aussitôt l'empire, en offrant la partie orientale à son frère Valens. Aucune des deux ne fut stable avant longtemps, car les conflits s'intensifiaient avec les éléments extérieurs, notamment les Huns et les Goths. En outre, un problème de taille pour l'Ouest était la réaction politique causée par le paganisme dominant contre les empereurs chrétiens. En 379, Gratien, fils et successeur de Valentinien I, refusa de porter le titre de "pontifex maximus", et en 382, il priva de leurs droits les prêtres païens et fit retirer l'autel païen de la Curie.  En 388, Magnus Maximus, un général populaire et puissant, s'empara du pouvoir à l'Ouest et força Valentinien II, le frère de Gratien, à fuir vers l'Est pour y quérir de l'aide ; l'empereur d'Orient Théodose I le remit promptement sur le trône. En 392, Valentinien II fut assassiné par le "magister militum" Arbogast, un Franc païen, et un sénateur nommé Eugène fut couronné. Il fut renversé deux ans plus tard par Théodose, qui gouverna l'Orient et l'Occident pendant deux ans, jusqu'à sa mort (395). C'était la dernière fois qu'un empereur unique gouvernait la totalité de l'Empire. Théodose le Grand le divisa entre ses deux fils : à Arcadius, l'ainé, l'Orient, à Honorius, le cadet, l'Occident.  Une brève période de calme s'ensuivit pour l'Empire d'Occident sous Honorius, contrôlé par le Vandale Stilicon, et s'achève avec l'assassinat de ce dernier en 408. Les chemins des deux empires se séparèrent alors franchement : si l'Orient entame une lente reconstruction et consolidation, l'Occident commence à s'effondrer.

Déclin économique.

Tout au long de son histoire, l'Empire d'Occident connut un déclin économique constant, qui contribua à sa chute finale, tandis que l'économie de l'Empire d'Orient restait stable, notamment grâce aux richesses de l'Asie Mineure. L'Orient pouvait entretenir une armée importante, renforcée au besoin de mercenaires, là où l'Occident n'en était plus capable.  Avec l'affaiblissement du pouvoir central, les empereurs perdirent le contrôle des frontières et des provinces, ainsi que de la mer Méditerranée, surtout après que les Vandales se furent emparés de la province d'Afrique (429-439). Avec l'instabilité économique, les institutions romaines s'effondrèrent. La plupart des envahisseurs exigeaient un tiers des pays conquis à leurs sujets romains, et le chiffre était encore plus élevé quand plusieurs tribus envahissaient la même province.  De larges surfaces entretenues avec soin furent abandonnées à cause de l'instabilité politique. Ce fut là un coup sévère porté à l'économie, qui reposait en grande partie sur l'agriculture.  L'ouvrage "La Banque, de Babylone à Wall Street", de Colling, met l'accent pour sa part sur une asphyxie du système bancaire au dans l'Empire romain d'Occident, les évêques de Rome condamnant alors toute sorte de prêt à intérêt, à la différence de ceux de Constantinople.

Chute de Rome et fin de l'Empire d'Occident.

Après la mort de Stilicon en 408, le règne de Honorius se composa principalement d'usurpations et d'invasions, notamment de Vandales et de Wisigoths. En 410, Rome fut pillée par des armées étrangères pour la première fois depuis l'invasion gauloise de -390. En dépit de quelques victoires remportées par des généraux talentueux, notamment Aetius en Gaule (bataille des champs Catalauniques), l'instabilité provoquée par les usurpateurs à travers tout l'Empire d'Occident ne put être enrayée par de faibles empereurs, et favorisa les conquêtes de ces tribus. Au, leurs chefs se firent eux-mêmes usurpateurs. En 475, Flavius Oreste, ancien secrétaire d'Attila, chassa l'empereur Julius Nepos de Ravenne et proclama son propre fils, Romulus Augustule, empereur.  En 476, Oreste refusa d'accorder aux Hérules d'Odoacre le statut de fédérés, poussant Odoacre à prendre Rome et à envoyer les insignes impériaux à Constantinople, s'établissant comme roi d'Italie. Si le pouvoir romain se maintint dans des poches isolées après 476, la cité de Rome elle-même était gouvernée par des barbares, et le contrôle de Rome sur l'Occident avait pris fin.

Le dernier empereur.

Il est généralement convenu que l'Empire d'Occident a disparu le, lorsque Odoacre déposa Romulus Augustule. Mais dans les faits, les choses ne sont pas aussi simples.  Julius Nepos, depuis son réduit de Dalmatie, était reconnu comme empereur romain par l'empereur byzantin Zénon, ainsi que par Syagrius, qui était parvenu à sauvegarder une enclave romaine dans le nord de la Gaule. Odoacre, souverain autoproclamé de l'Italie, commença à négocier avec Zénon, qui finit par lui accorder le titre de patrice, le reconnaissant comme son vice-roi en Italie. Zénon insista cependant pour qu'Odoacre rende hommage à Nepos comme empereur d'Occident. Odoacre accepta, allant jusqu'à frapper des pièces au nom de Nepos dans toute l'Italie. Il ne s'agissait cependant que d'un geste purement politique, et Odoacre ne rendit aucun territoire à Nepos. Ce dernier fut finalement assassiné en 480, et Odoacre conquit peu après la Dalmatie.  Romulus Augustule fut épargné par Odoacre qui, bien qu'ayant assassiné son père, eut pitié de lui et lui donna une pension et une villa en Campanie, villa qui devint un monastère. On trouve trace de lui au milieu des années 500, ce qui laisse à penser qu'il aurait survécu à Julius Népos.

La reconquête byzantine.

L'Empire byzantin eut des prétentions sur les régions de l'Occident tout au long du Moyen Âge. Au, les campagnes des généraux Bélisaire et Narsès permirent à l'empereur Justinien de reconquérir une grande partie de l'Occident : l'Afrique vandale fut reprise en 533, suivie de l'Italie elle-même (guerre des Goths de 535 à 553), ainsi qu'une partie de l'Espagne wisigothique.  La reconstitution de l'Empire parut alors à portée de mains ; mais l'influence des tribus barbares avait fortement marqué ces anciennes provinces romaines, à la fois culturellement et économiquement. Il coûta très cher à l'Empire byzantin de se maintenir dans ces régions où la culture et l'identité romaines, ciments de l'empire, avaient été sérieusement endommagées, bien que la question de la romanité reste encore sujette à caution. Les descendants de Romains se disent toujours Romains, les tribus assimilées sont fières de prendre part à cette glorieuse civilisation. En revanche, la pression fiscale imposée par Constantinople est jugée insupportable par les populations, et en fin de compte, les conquêtes de Justinien furent abandonnées ou perdues, et l'Orient et l'Occident suivirent des voies séparées.

Géographie.

Superficie et divisions administratives.

À la mort de Théodose et lors de la division définitive de l'Empire en une partie orientale et une partie occidentale (395), ce dernier hérita de la Préfecture des Gaules, de la majeure partie de la Préfecture d'Italie, de l'Afrique et de l'Illyrie, tandis que l'Est obtient la Préfecture d'Orient et deux diocèses Illyriques. À son tour, la Prefecture d'Italie était composée de quatre diocèses : l'Italie (deux diocèses), l'Illyrie et l'Afrique ; celle des Gaules d'un grand nombre de diocèses : Gaule (deux diocèses), Hispanie et Bretagne. Il convient de souligner que Illyrie était divisée entre les deux Empires, et que cette division fut une source du conflit qui commença à se profiler à partir des dernières années du.  La superficie totale de l'Empire d'Occident était de plus de de, avec une population difficile à quantifier mais qui, selon toute probabilité, ne devait en aucun cas être inférieure à 25 millions d'habitants.

Population.

Au cours d'un siècle, on assiste dans le monde romain d'Occident à un déclin démographique généralisé dû aux guerres, aux famines et aux épidémies. L'installation de peuples barbares dans la quasi-totalité des régions de l'Europe occidentale et de l'Afrique ne suffit pas à compenser les pertes subies par les populations locales. Ces groupes ethniques, généralement d'origine germanique, représentèrent toujours une part modeste dans le total de la population romaine ou romanisée, probablement en dessous de 8 % à 10 %.  Pour illustrer la faiblesse numérique des tribus barbares, on se souviendra que les Lombards, lorsqu'ils envahirent l'Italie dans la seconde moitié du, formaient une horde composée d'environ y compris personnes âgées, femmes et enfants.

Villes.

Au tournant du et du, Rome était encore la ville la plus peuplée de l'Empire, parties occidentale et orientale confondues. Lors du règne de Valentinien (364 - 375), on estime, sur la base des rations de nourriture distribuées, que la Ville devait compter pas moins de (d'autres sources évoquent des chiffres encore supérieurs, voir tableau). Ce chiffre demeura quasi inchangé jusqu'à la première décennie du, c'est-à-dire jusqu'au premier sac aux mains des Wisigoths d'Alaric (410). S'ensuivit une baisse de la population mais, encore aux alentours du milieu du, il semble que la population de Rome n'était pas en deçà de habitants Ce n'est probablement qu'après le second sac mené par les Vandales (en 455) que Rome perdit son rang de première cité de l'Empire, dépassée non seulement par Constantinople, mais aussi par les grandes métropoles d'Orient d'Alexandrie, Antioche et peut-être même Thessalonique.  Carthage, avec ou plus, constituait selon toute probabilité la seconde agglomération urbaine de l'Empire d'Occident. La ville, forte de son immémoriale vocation commerciale, était en outre placée au cœur d'une riche région agricole et exportait des denrées alimentaires jusqu'en Orient. En Afrique, trois autres villes moyennes jouissaient d'une certaine prospérité : Leptis Magna, berceau de la dynastie des Sévères qui, après une période de décadence, avait vécu une certaine reprise sous Théodose ; Timgad, important centre donatiste, et enfin Caesarea (l'actuelle Cherchell, Algérie), où naquit Priscien, peut-être le plus grand grammairien latin tardif. L'Italie pouvait encore se prévaloir de plusieurs villes relativement peuplées et riches économiquement, au premier rang desquelles Mediolanum (Milan), capitale impériale tout au long du, et Aquilée, qui fut pourtant détruite par les Huns autour du milieu du. Parmi les autres cités importantes, on comptait "Bononia" Bologne et Ravenne. Cette dernière devint en 402 la capitale de l'Empire romain d'Occident et conserva ce rang jusqu'à sa chute en 476.  La ville la plus peuplée et importante d'Illyrie était probablement Salone (près de l'actuelle Split), en Dalmatie, avec une population de plus de, tandis que deux agglomérations frontalière et à l'origine camps militaires, Carnuntum et Aquincum (l'actuelle Budapest), conservaient une certaine importance stratégique. Ces deux villes possédaient deux amphithéâtres, un pour les garnisons et un pour la population civile. Carnuntum fut décrite par Ammien Marcellin, dans la seconde moitié du, comme une ville léthargique et en mauvais état, mais animée par la présence de nombreux militaires installés dans les environs ou dans le centre-ville.  L'Ibérie avait subi des évolutions au cours du, la ville d'Hispalis (l'actuelle Séville) s'imposant comme le centre de la Bétique, tandis que Carthago Nova (Carthagène) restait le principal point d'ancrage urbain de la zone orientale du Diocèse. Non moins importants étaient Tarraco (Tarragone), Osca (Huesca) et Caesaraugusta (Saragosse), au nord de la Péninsule.  Parmi les villes les plus importantes et les plus peuplées des deux diocèses gaulois, on trouvait Augusta Treverorum (Trèves, aujourd'hui en Allemagne), capitale impériale à l'époque des Tétrarques et encore au début du siège de préfecture. Arelate (Arles), un temps centre urbain le plus dynamique de la Gaule Méridionale, était également devenue, au début du, capitale de préfecture. Le plus grand centre de la Gaule centrale était, selon toute probabilité, Lugdunum (Lyon).  En Bretagne, la seule ville d'importance était Londinium, l'actuelle Londres, suivie de noyaux urbains de dimension modeste, soit d'origine militaire, soit développés à partir d'agglomérations fondées par les Celtes (comme Calleva Atrebatum, l'actuelle Silchester). Aquae Sulis (Bath) était une station thermale connue depuis le. L'abandon de la Bretagne par les légions romaines au début du entraîna la décadence de ces centres urbains, qui se poursuivit généralement lors du Haut Moyen Âge. Londres, quasiment vidée de ses habitants, dut en pratique être refondée par Alfred le Grand au.

Héritage.

Les envahisseurs germains qui s'établirent sur le territoire de l'Empire d'Occident maintinrent un grand nombre de lois et traditions romaines. La plupart des tribus germaines étaient déjà christianisées, quoiqu'en majeure partie arienne. Elles se convertirent rapidement au christianisme nicéen, qui devint par la suite le catholicisme, accroissant la loyauté des populations romanisées locales ainsi que reconnaissance et appui de la puissante Église catholique romaine. Leurs lois furent bientôt enrichies par l'apport du droit romain. Le système de droit civil est fondé sur celui-ci, en particulier le "Corpus juris civilis" compilé sur ordre de Justinien.  La langue latine ne disparut jamais véritablement. Combinée aux langues germaines et celtes voisines, elle donna naissance aux langues romanes actuelles, comme l'italien, le français, l'espagnol, le portugais, le roumain, le catalan, l'occitan et le romanche. Le latin influença également les langues germaniques comme l'anglais, l'allemand ou le néerlandais. Sous sa forme « pure », il survit en tant que langue de l'Église catholique romaine (les messes furent dites en latin exclusivement jusqu'en 1965) et servit de "lingua franca" entre de nombreuses nations. Il resta longtemps la langue des médecins, des juristes, des diplomates et des intellectuels.  L'alphabet latin, complété avec quelques lettres (J, K, W, Z), est aujourd'hui le système d'écriture le plus employé dans le monde. Les chiffres romains continuent à être employés, mais ont été remplacés le plus souvent par les chiffres arabes.  Le rêve d'un Empire romain, universel et chrétien, avec un seul souverain à sa tête, séduisit de nombreux rois et empereurs. Charlemagne, roi des Francs et des Lombards, fut même couronné empereur romain par le pape Léon III en 800. Plusieurs souverains du Saint-Empire romain germanique, dont Frédéric Barberousse, Frédéric II de Hohenstaufen et Charles Quint, tentèrent de donner corps à ce rêve, mais tous échouèrent.  Un héritage visible de l'Empire romain d'Occident est l'Église catholique romaine, qui remplaça peu à peu les institutions romaines en Occident par les siennes, aidant même à négocier la sécurité de Rome à la fin du. Au, la majeure partie de l'Europe centrale, occidentale et du Nord avait été convertie à la foi catholique et reconnaissait le pape comme vicaire du Christ.

L'Empire romain d'Occident équivaut à la partie occidentale de l'Empire romain, à partir de sa division par Dioclétien en 285. Sa capitale fut Milan jusqu'en 402, puis Ravenne.

Das sogenannte Weströmische Reich, auch Westrom oder Westreich (lat. "Hesperium Imperium"), entstand im Jahre 395 durch die Teilung der Herrschaft im Römischen Reich unter den beiden Söhnen des Kaisers Theodosius I. Während der ältere Bruder, Arcadius, in Konstantinopel als "senior Augustus" über den römischen Osten herrschte, regierte Honorius zunächst von Mailand, dann von Ravenna aus als "iunior Augustus" den Westen des Reiches; ausnahmsweise residierten die weströmischen Kaiser auch noch in der Stadt Rom. Formal handelte es sich bei Westrom dabei nie um einen eigenständigen Staat, sondern lediglich um die Westhälfte des unteilbaren "Imperium Romanum".


Résumé.

Mortimer, jeune garçon grand, roux et un peu brouillon, ne parvient à pas à se faire à la vie de fermier que lui réserve sa famille. Son père l'emmène donc à une foire où il espère qu'il sera engagé comme apprenti, autant pour lui trouver un travail que pour s'en débarrasser. Personne ne veut de lui jusqu'à ce que minuit sonne et que La Mort surgisse et accepte de faire de Mortimer son apprenti. Son travail consistera donc à prendre les âmes des personnes lors de leur décès et de les accompagner dans l'au-delà.  Mortimer s'installe donc dans la maison de la Mort et rencontre les deux autres occupants de la demeure : Ysabell, fille adoptive de la Mort, et Albert, fidèle serviteur depuis des lustres. Devant le mode de vie et la décoration, Mortimer comprend peu à peu que son employeur, la Mort incarnée, ne comprend rien à la vie humaine.  Mortimer suit dans un premier temps la Mort dans son travail, notamment lors de l'assassinat du roi de Sto Helit par son frère, où Mortimer croise le regard de la princesse Kelirihenna. Quand la Mort confie sa charge à Mortimer et que celui-ci se retrouve à prendre l'âme de la princesse quand on tente de l'assassiner à son tour, il l'épargne. Cependant, la survie de la princesse crée un conflit entre deux réalités du Disque-monde (celle où la princesse est morte et celle où elle vit encore). Le sorcier de la région, Igné Coupefin, comprend que ces deux réalités vont finir par se réarranger d'elles-mêmes, mais la princesse mourra inévitablement.  La Mort disparait et vagabonde sur le Disque-monde afin de comprendre le sens de l'amusement humain et du bonheur. Mortimer reprend donc le flambeau de la Mort et devient peu à peu une nouvelle incarnation de la Mort (il commence à s'exprimer en majuscules, tout comme la Mort) tandis que la Mort découvre l'ivresse, la fête et la danse.  Mortimer et Ysabelle finissent par découvrir qu'Albert est en fait Alberto Malik, puissant sorcier, fondateur de l'Université de l’Invisible qui a fui le monde pour se réfugier dans la demeure de la Mort où le temps ne s'écoule pas, ce qui lui a permis d'échapper à la mort durant 2000 ans. La Mort ayant disparu, il revient dans le monde et force les sorciers de l'Université à exécuter le Rite d'Ashk-Ente, qui consiste à invoquer la Mort ; le rituel ramène Mortimer et la Mort lui-même. Quand il découvre la situation, la Mort est furieux et licencie Mortimer. Devant le refus de Mortimer et la déclaration d'amour d'Ysabell à Mortimer, la Mort et Mortimer finissent par se battre en duel. La Mort gagne le duel mais ne tue pas son apprenti et décide de le renvoyer sur le Disque-monde dans une réalité qu'il a réarrangé.  La Mort enferme la réalité où Keli meurt dans une perle, permettant à la princesse de survivre à nouveau et de devenir reine (un arrangement qu'il a fait avec les Dieux). Lors du mariage de Mortimer et Ysabell à Sto Helit, où ils sont désormais comte et comtesse, la Mort confie la perle à son ancien apprenti.

Mortimer est le quatrième livre des "Annales du Disque-monde" de l'écrivain anglais Terry Pratchett. Traduit par Patrick Couton, il fut publié en France en 1994 chez L'Atalante et en 1998 chez Pocket. L'œuvre originale fut publiée en 1987 sous le titre "Mort".

Gevatter Tod (Originaltitel: Mort) ist ein Roman von Terry Pratchett. Es ist der vierte Scheibenwelt-Roman und der erste mit "Tod" als Protagonisten. Er wurde 1987 veröffentlicht. Der Titel des Originals "Mort" ist auch der Name der Hauptfigur und zugleich ein Wortspiel mit dem französischen „mort“, was „Tod“ heißt.


Historique.

Dans les années 1920, l'embryologiste russe Alexandre Gourvitch découvre une émission « ultra–faible » de photons ultra-violets par les tissus vivants. Il appelle cette radiation "« mitogenetic rays »" (rayons mitosiques) car il suppose qu'elle a un effet stimulant sur la division cellulaire. Cependant, bien que la croissance cellulaire puisse être stimulée par irradiation à des puissances supérieures, le fait que ces résultats ne soient pas reproductibles fait naître un scepticisme général sur les travaux de Gourvitch.  Ces « rayons mitosiques » sont utilisés sous Staline pour le diagnostic du cancer au point que Gourvitch, inventeur de la méthode, reçut le Prix Staline, bien que la méthode n'eût pas encore été expérimentée à l'Ouest.  En 1953, Irving Langmuir reprend les idées de Gourvitch.  Vers 2002 Fritz-Albert Popp, inventeur du terme « biophoton », les définit par l'intensité de leur émission à la surface des tissus vivants, qui serait de l'ordre de 10 à 1000 photons par centimètre carré et par seconde.  À la fin du, Anna (la fille de Gourvitch), Colli, Quickenden et Inaba reprennent les recherches, chacun séparément, en s'appuyant sur le phénomène plus neutre de la chimiluminescence biologique faible ou de la bioluminescence ultra–faible. L'hypothèse de base qu'ils ont tous adoptée est que le phénomène est produit par des "processus" d'oxydation rares et des réactions sur des radicaux.  Si l’histoire des biophotons (ou ultraweak photon, photon de très faible intensité) commence au début du siècle (1929 avec Alexandre Gourvitch) c’est surtout à la fin de ce siècle que la science des biophotons prend de l’amplitude avec Fritz-Albert Popp, biophysicien allemand. En 1981 il arrive à démontrer qu’il existe une émission de biophoton au niveau de l’ADN cellulaire et les hypothèses de l’existence d’un champ énergétique dans le corps des êtres vivants se développent à partir des années 2000.  En 2002 l’hypothèse de l'existence et de l’importance d’un champ électromagnétique (le biofield) des êtres vivant dont l’homme, prend place dans les milieux scientifiques.  En 2003 l’équipe de Cohen et Popp démontrent que les biophotons du corps humain forment un réseau de canaux de lumière dans le corps dont la fonction est supposée réguler le transfert d’énergie et d’informations entre les différentes parties du corps. C’est la même année que Popp explicite les propriétés des biophotons et en tire les conséquences en termes de transmission d’informations.  En 2005, Popp confirme la structure identique à celle des méridiens d’acupuncture du réseau de biophotons. En 2008 il suggère les principes de fonctionnement des thérapies énergétiques par les interactions électromagnétiques et les biophotons. En 2010 une autre équipe valide et développe ces principes  En 2015 l’équipe de Rubik reprend les bases biophysiques du biofield et ses implications dans la médecine

Etat des connaissances en 2019.

L’émission de biophoton est régulée par le champ magnétique présent dans les organismes vivants.  Ils sont maintenant particulièrement étudiés par exemple dans les travaux de l’équipe de Bajpai RP en termes de nombre, spectre lumineux, intensité et d’autres paramètres permettant de comprendre la multiplicité des signaux (/codes) envoyés et la possibilité de la bioinformation. Note : les mesures des émissions ont été faites au niveau des mains de sujets humains.  Les fonctions des émissions de biophotons sont multiples : communication cellulaire, action sur l’horloge biologique, fonctionnement de l'ADN et des protéines, notamment le processus de réplication de l'ADN, la synthèse des protéines et la signalisation cellulaire ainsi que dans la phosporylation oxydative et la photosynthèse. Il a été également démontré que ces actions peuvent se faire par activation ou inhibition des processus intra-cellulaire. Ainsi des cellules irradiées peuvent transmettre des informations à des cellules non irradiées.  Dans le corps humain certains lieux ont été noté comme source d’émission de biophotons : le cerveau en premier lieu : Dans cette zone les ondes pourraient suivre les axones myélinisés, ainsi cela signifie que les neurones utilisent la communication photonique en plus des signaux électro-chimiques.  Le fascia est aussi une zone d’émission de biophotons, ce tissu fascial entoure toutes les structures corporelles créant ainsi une continuité structurelle ce qui est particulièrement important dans la notion de transmission de bioinformations.  Des études ont montré que la méditation entraîne des modifications physiologiques et biochimique, des modifications se produisent également dans les émissions de biophotons mesurés au niveau des mains et du front et d’autres emplacements anatomiques. Ces modifications se retrouvent à long terme aussi dans la pratique de la méditation régulière.  L’équipe de Wiljk à également montré que des séances de Reiki entraînaient une modification du nombre de biophotons émis.  Au-delà des biophotons, une grande variété d'activités bioélectromagnétiques a été identifiée, souvent associée à des énergies d'interaction nettement inférieures à celles du bruit thermique, qui produisent des effets cliniquement significatifs, notamment une amélioration de la croissance, la réparation des plaies, une régénération et une réduction de la douleur et de l'inflammation.  Pour tout comprendre, ou presque, sur le biofield, les biophotons et les thérapies énergétiques vous pouvez vous référer aux travaux de Rubik et al en 2015

Résumé des connaissances actuelles (2019).

Les émissions de biophotons font partie d'un ensemble : le champ biologique énergétique plus connu sous l'appellation de Biofield. Ces émissions, aujourd'hui parfaitement mesurables, que l'on trouve particulièrement dans le fascia ou le cerveau, ont des fonctions de transfert d'information de cellule à cellule ou de régulation d'autres systèmes comme les neurotransmetteurs ou les neurones.

Hypothèses anciennes.

De par sa nature oxydante dont tirent leur énergie la plupart des êtres vivants, la biosphère est le siège, au sein des cellules et au cours de la respiration, de nombreuses réactions spontanées donnant naissance à des radicaux libres issus de l'ionisation de l'oxygène. Ces ions très réactifs finissent pour la plupart incorporés dans les molécules d'eau environnantes sous forme de peroxyde d'hydrogène, molécules qui sont éliminées au sein des cellules par les catalases et les peroxydases. Un certain nombre de radicaux libres peuvent cependant réagir avec des acides gras ou avec les acides aminés aromatiques des protéines, puis après interaction avec un fluorochrome émettre des biophotons.  Ces réactions conduisent généralement à la formation d'un état d'ionisation à spin triplet qui libère un photon en retournant à son état d'origine d'énergie inférieure selon un schéma proche de la phosphorescence. Ces réactions contribuent à l'émission spontanée des "biophotons" comme le suggèrent des études qui mettent en lumière que leur émission peut être atténuée par un appauvrissement en antioxydants ou par l'addition de dérivés du carbone. Cette idée est confortée par des études indiquant que l'émission peut être augmentée par addition de ROS ("Reactive Oxygen Species").  Étant donné qu'on observe une bioluminescence visible dans de nombreuses bactéries et autres cellules, on peut imaginer qu'un nombre extrêmement faible de photons de la "bioluminescence ultra-faible" est simplement un sous-produit du métabolisme cellulaire (les chiffres correspondent à peu près à un photon unique par cellule et par mois en admettant un diamètre cellulaire de 10 micromètres).  On pense que le métabolisme cellulaire évolue par étapes, chacune mettant en jeu une petite quantité d'énergie (voir ATP). En admettant une partie de hasard, en accord avec les lois de la thermodynamique (et de la statistique), on peut penser que quelques étapes aberrantes peuvent apparaître de temps à autre, et de ces « états interdits », en raison du déséquilibre énergétique physicochimique, un photon peut être émis.  En biologie moderne, on peut souvent bénéficier d'un bon modèle statistique en raison du grand nombre de molécules en interaction. Dans la théorie du chaos, par exemple, on estime souvent que le "hasard apparent" des systèmes est dû à ce que nous ne connaissons pas le système d'ordre supérieur duquel le système étudié est un élément. Ceci a conduit les spécialistes des grands nombres à utiliser les statistiques pour expliquer que des données apparemment au hasard sont des effets secondaires de la distribution des probabilités.

Hypothèses anciennes sur la communication cellulaire.

Dans les années 1970, le professeur Fritz-Albert Popp, alors assistant, et son équipe de recherche de l'université de Marbourg (Allemagne) montrèrent que l'émission couvrait un large spectre de longueurs d'onde, de 200 à. Popp avança que la radiation devait être à la fois semi-périodique et cohérente. Cette hypothèse n'a pas rencontré beaucoup de succès parmi les scientifiques qui avaient étudié le dossier. Pourtant, Popp et son équipe ont construit, testé, déposé et mis sur le marché un appareil pour mesurer les émissions de "biophotons" et déterminer ainsi la maturité et la valeur nutritive des fruits et légumes.  Les Russes, les Allemands, et d'autres spécialistes en biophotonique, adoptant souvent le terme de "« biophoton »" de Popp, ont bâti une théorie — comme Gurwitsch — prévoyant que les "biophotons" pouvaient être impliqués dans différentes fonctions de la cellule, comme la mitose, et même qu'ils pouvaient être produits et détectés par l'ADN du noyau cellulaire. En 1974, le docteur V.P.Kazmacheyev annonça que son équipe de recherche de Novossibirsk avait détecté des communications intercellulaires établies au moyen de radiations de "biophotons".  Les promoteurs de cette théorie prétendent en plus que des études ont montré que des cellules endommagées émettaient plus de "biophotons" que des cellules saines et que des organismes lésés émettaient de la même façon une lumière plus intense, ce qui a été interprété comme une sorte de « signal de détresse ». Cependant cette interprétation est sujette à débat, car les cellules lésées sont également le siège d'un métabolisme accru qui résulte en un plus grand stress oxydant, ce qui en fin de compte est l'ultime source de l'émission des photons. L'étude publiée par Masaki Kobayashi et ses collaborateurs en juillet 2009 a démontré que si l'émission de biophotons est bien liée au métabolisme, elle n'est pas corrélée topologiquement à la température ni à l'émission de rayonnements infrarouges. En effet, contrairement à ce qui a été constaté en imagerie infrarouge lors de l'analyse, le torse produit une émission moindre de biophotons que le visage, ce que les auteurs expliquent par un taux de mélanine, un fluorochrome, différent, moindre sur le torse que sur le visage. Si cette hypothèse est correcte, ce serait la preuve que le stress oxydant et les réactions résultant des radicaux libres ne se traduisent pas systématiquement par une émission de biophotons, mais que celle-ci requiert la présence de facteurs additionnels pour se manifester de cette forme. Que cela constitue un « signal de détresse » ou plus simplement un bruit de fond résultant de réactions biochimiques exacerbées reste donc encore à être démontré.  Une des hypothèses avancées est que cette forme de communication apparaît lorsque plusieurs organismes unicellulaires s'unissent pour former un organisme plus complexe et utilisent les "biophotons" comme une sorte de système nerveux primitif. Cette hypothèse a cependant été invalidée lorsqu'il a été constaté que d'ordinaires bactéries émettent également des biophotons, ce qui renforce la thèse simplement métabolique et liée au stress oxydant. Selon une autre hypothèse, cette forme de signal biophotonique, ayant son origine dans le sang, continue de jouer un rôle dans la réception, la transmission et le traitement des informations électromagnétiques.

Le biophoton (du grec "βιο" signifiant « vie » et "φωτο" signifiant « lumière ») est un photon (corpuscule d’énergie électromagnétique) d'origine biologique n'étant pas issu de produits d'une réaction enzymatique spécifique. Autrement dit, c’est l’émission spontanée de lumière d'intensité ultra faible émanant de tous les systèmes vivants.

In der Biophysik und Alternativmedizin wird von wenigen Autoren der Begriff „Biophotonen“ ( und ) für das Phänomen der ultraschwachen Photonenemission (UPE) in der Biologie verwendet. Die hier gemeinte Strahlung unterscheidet sich von der Biolumineszenz durch ihre um mehrere Größenordnungen geringere Intensität und sehr geringe Quantenausbeute. Interpretationen der Strahlung sind wissenschaftlich umstritten.