Biographie.

Jeunesse.

Lope Félix de Vega Carpio, issu d’une famille humble originaire de Valle de Carriedo (Santander). Il est le fils de Félix de Vega, brodeur, et de Francisca Fernández Flórez. Si nous ne savons rien de sa mère, en revanche nous savons que son père s’installe à Madrid en 1561, après un bref séjour à Valladolid. Lope de Vega affirmera par la suite que son père est venu à Madrid pour suivre une conquête amoureuse que sa future mère fera rompre : Lope sera le fruit de la réconciliation de ses parents et devra son existence à la jalousie qu’il saura si bien décrire dans son œuvre dramatique.  Enfant précoce, il sait lire le latin et le castillan dès l’âge de cinq ans. C’est à cet âge qu’il compose ses premiers vers. Il révèle lui-même que c’est à douze ans qu’il écrit des "comedias" ("Yo las componía de once y doce años / de a cuatro actos y de a cuatro pliegos / porque cada acto un pliego contenía"). Son talent lui ouvre les portes de l’école madrilène du poète et musicien Vicente Espinel qu’il citera toujours avec vénération, comme dans ce sonnet : "« Aquesta pluma, célèbre maestro / que me pusisteis en las manos, cuando / los primeros caracteres firmando / estaba, temeroso y poco diestro... »" Il continue sa formation à la Compagnie de Jésus qui deviendra plus tard le "Colegio Imperial" (1574).  Il poursuit ensuite des études à l’université d’Alcalá de Henares pendant quatre ans (1577-1581) mais n’obtient aucun diplôme. Sa vie amoureuse dissolue l’éloigne du sacerdoce et le prive des bourses d’études de ses protecteurs. Il vit d'expédients, gagne sa vie comme secrétaire de secrétaire d’aristocrates, gagne un peu d'argent en écrivant des "comedias" et "piezas de circunstancias".  En 1583, il s’engage dans la marine et livre bataille contre les Portugais à l’Isla Terceira, sous les ordres de son futur ami, Álvaro de Bazán, marquis de Santa Cruz de Mudela.

L’exil.

Étudiant alors la grammaire aux "Teatinos" et les mathématiques à l"'Academia Real", il sert de secrétaire au marquis de las Navas, mais il est distrait de toutes ses activités par ses nombreuses relations amoureuses.  De son premier grand amour naît... l’exil. Elena Osorio (la ""Filis"" de ses vers), femme mariée à l’acteur Cristobal Calderón, et fille du metteur en scène Jerónimo Velázquez, devient son premier grand amour. Séparée de son premier mari, elle se remarie (obligée par son père, qui forcera la rupture avec Lope) au noble Francisco Perrenot. Lope, par vengeance, insulte la famille de ce dernier via des libelles. Il dénonce la situation dans sa "comedia" "Belardo furioso" et dans une série de sonnets. Il est alors traduit en justice et la sentence est sévère : cinq ans d’interdiction de séjour à Madrid et deux ans d’exil du royaume de Castille, le tout sous peine de mort.  Lope se souviendra de cet amour dans son roman "La Dorotea". Mais il est déjà de nouveau amoureux d’Isabel de Alderete y Urbina (il usa de l'anagramme ""Belisa"" dans ses vers), avec qui il se marie en 1588 après l’avoir enlevée (le mariage l'ayant sauvé d'un nouveau procès). Cette même année, Lope s’engage dans l’Invincible Armada sur le galion "San Juan".  Après la débâcle de l’Invincible Armada, au naufrage de laquelle il survit miraculeusement, Lope revient à Valence en avec Isabel de Urbina. Le théâtre est alors en pleine effervescence, Lope perfectionne sa mise en scène, assiste à de nombreuses représentations dont celles de l’"Academia de los nocturnos" (Théâtre local). Il y remarque le refus de l’unité d’action, l’"imbroglio" italien.  En 1590, Lope s'installe de nouveau à Tolède et se met au service de don Francisco de Ribera Barroso et du duc d'Alba, don Antonio de Toledo y Beamonte, en s’introduisant comme gentilhomme de chambre à la cour ducale d’Alba de Tormes, où il vécut de 1592 à 1595. Il y découvre le théâtre de Juan del Encina, et en reprendra le personnage du "gracioso" (valet bouffon) en perfectionnant son aspect dramatique.  Isabel de Urbina meurt en 1594. C’est à ce moment qu’il écrit son roman pastoral "La Arcadia".

Le retour en Castille.

En 1595, passés les huit années d’exil, Lope revient à Madrid. L’année suivante, il subit un nouveau procès pour cause de concubinage avec l’actrice Antonia Trillo. En 1598, il se marie avec Juana de Guardo, fille d’un riche commerçant de viande de la cour, ce qui lui attire l’ironie et la moquerie de plusieurs des grands esprits de l’époque (dont Luis de Góngora). Juana était apparemment vulgaire, au sang douteux, et le mariage semblait plus dicté par l’argent que par l’amour. Lope eut pourtant avec Juana son fils préféré, Carlos Félix, ainsi que trois filles.  Il vit jusqu’en 1603 à Séville en tant que secrétaire du futur comte de Lemos, et entretient une relation sérieuse avec Micaela de Luján à qui il dédie nombre de ses vers. Femme mariée, actrice, il eut cinq enfants avec elle, dont ses préférés, Marcela et Lope Félix. C’est une des relations amoureuses importantes de Lope, et il semble que cette dernière se termine en 1608.  Vivant entre plusieurs foyers familiaux et un grand nombre de maîtresses – beaucoup d’actrices, comme le démontre le procès de concubinage de 1596 - Lope se voit dans l’obligation d’assurer un train de vie onéreux et de soutenir plusieurs relations et enfants légitimes ou non. Il y arrive grâce à un travail acharné, écrivant sans relâche poésies et "comedias", parfois imprimées sans relecture. Ce n’est qu’à trente-huit ans que Lope peut enfin corriger et éditer une partie de son œuvre. En tant qu’écrivain professionnel, il demande l’obtention de droits d’auteur sur ceux qui imprimaient ses "comedias" sans sa permission et, à défaut, le droit de correction de ses propres œuvres.  En 1605 Lope entre au service de Luis Fernández de Córdoba y Aragón, duc de Sessa. Leur amitié dure jusqu'à la mort de Lope de Vega. En 1609, Lope présente son "Arte nuevo de hacer comedias", œuvre théorique capitale. Il entre à la confrérie d"'esclavos del Santísimo Sacramento" à laquelle appartenaient alors les grands écrivains, dont Francisco de Quevedo, ami personnel de Lope, et Cervantes, avec qui il a entretenu des relations tendues suite aux allusions contre lui que donne "Don Quichotte".  En 1612, la mort de son fils préféré, puis celle de sa femme Juana, l'année suivante, marquent un tournant dans sa vie.

Ordre de Saint-Jean de Jérusalem.

Le, Lope de Vega entre dans l'ordre de Saint-Jean de Jérusalem. Sa vie désordonnée, ses amours coupables et la mort de ses proches ont sans doute provoqué une crise existentielle chez lui, qui se traduit par une inspiration plus spirituelle et religieuse. C’est à ce moment qu’il écrit les "Rimas sacras" et de nombreuses œuvres pieuses, et ses vers se teintent d’inspirations philosophiques.  Luis de Góngora provoque alors une révolution esthétique dans ses "Soledades". Même si l’on sent chez Lope une nouvelle évolution dans l’écriture de ses vers, il tient à se distancier de cette « nouvelle esthétique » culturaniste et s’en moque même dès qu’il en a l'occasion. Ce à quoi Góngora réagit de son côté, notamment en écrivant des satires.  Lope doit essuyer d’autres critiques qui portent sur le non-respect des trois règles d’unité. Pedro Torres Rámila, auteur d’une "Spongia" en 1617, dénigre non seulement le théâtre de Lope de Vega, mais aussi toute son œuvre narrative, épique et lyrique. Ce à quoi ont répondu plusieurs amis humanistes du Phénix, Lopez de Aguilar à leur tête, dans un texte de 1618 « "Expostulatio Spongiae a Petro Hurriano Ramila nuper evulgatae. Pro Lupo a Vega Carpio, Poetarum Hispaniae Principe" », et qui contient leurs éloges, pour les plus connus, Tomás Tamayo de Vargas, Vicente Mariner, Luis Tribaldos de Toledo, Pedro de Padilla, Juan Luis de la Cerda, Hortensio Félix Paravicino, Bartolomé Jiménez Patón, Francisco de Quevedo, le Comte de Salinas, et Vicente Espinel.  C’est donc critiqué et attaqué, mais encouragé par le texte qui le défend, que Lope continue de s’essayer dans le genre épique ("La Filomena", 1621 – "La Andrómeda", 1621 – "La Circe", 1624 – "La rosa blanca", 1624 – "La corona trágica", 1627, sur la vie et la mort de Marie Stuart).

La fin de sa vie.

Même si sa vocation est sincère, Lope ne peut maîtriser son tempérament sensuel et poursuit une vie amoureuse sans trouver le bonheur familial.  Il tombe amoureux d’une belle jeune femme, Marta de Nevares, un scandale à l’époque vu sa condition d'ecclésiastique. Cette relation est pourtant sérieuse jusqu'à la mort de Marta et a été source de rebondissements et de frustrations, à l'image de ses "comedias". Lope cultive la poésie comique et philosophique en se dédoublant en Tomé de Burguillos, hétéronyme burlesque, et médite sereinement sur la vieillesse et sa jeunesse désordonnée.  Il reçoit les honneurs du roi, puis, en 1624, Urbain VIII lui confère le titre de docteur en théologie, mais Lope est de plus en plus seul. Tous ses parents et sa famille meurent (Marta devient aveugle en 1626 et meurt en 1628 – Lope Félix se noie en 1634 – Antonia Clara, fille naturelle préférée, secrétaire et confidente, est séquestrée par un "hidalgo", etc.), il ne lui reste qu’une seule fille, Marcela, religieuse, qui sera la seule à lui survivre. Malgré les tourments de sa vie personnelle, Lope compose des œuvres de genres très différents et qui sont à compter au nombre des plus belles réussites littéraires de l'époque : "les comedias" "El castigo sin venganza" (1631), "La mayor virtud de un rey" (1631), en prose: "La Dorotea" et surtout les œuvres lyriques "Rimas humanas y divinas" qui incluent "La Gatomaquia" (1631).  Lope de Vega meurt le. Le peuple de Madrid lui fait de véritables funérailles nationales. Plus de deux cents auteurs écrivent des éloges publiés à Madrid et à Venise. Son talent immense comme sa réputation sont à l’origine d’une expression à l’époque : « "Es de Lope" », « c’est de Lope », utilisée pour indiquer que quelque chose était excellent.

Œuvre en vers.

Les "romances".

Lope et Luis de Góngora sont les chefs de file de toute une génération de jeunes poètes qui se font connaître entre 1580 et 1590. Les auteurs ne se préoccupent pas de réclamer directement des droits sur leurs œuvres. L’attribution de nombreux textes reste encore aujourd’hui floue. Cette nouvelle vague de romances a été très rapidement acceptée par la société de l’époque, et les auteurs mêlent fantaisie conventionnelle, amours, faveurs et dédains, expériences érotiques, etc.

Poèmes narratifs.

Didactico-Critique :  Descriptifs :  Burlesque :  Pastoral :  Religieux :  Historique :  Chevaleresque :  Mythologiques :

Œuvre dramatique et "La Comedia nueva".

" Ou tragi-comédie à l'espagnole, fondée par Lope de Vega."  La "comedia" espagnole représente un des trois grands théâtres inventés par l'Europe des temps modernes (avec le drame élisabéthain et la tragédie française classique).

"El arte nuevo de hacer comedias".

El arte nuevo de hacer comedias ("Le nouvel art de faire des comédies"), poésie en 379 "endecasílabos", est publiée en 1609 dans l'édition des "Rimas". Lope de Vega impose par ce texte une nouvelle forme de théâtre, qui deviendra vite une drogue pour le public espagnol du. L'action prime sur la réflexion ou la profondeur psychologique. Les plaisanteries de l'inévitable "gracioso" (le valet bouffon) ne sont pas toujours du meilleur goût... Mais le public ne se lassera pas des "Comedias" qui offrent aux spectateurs un mélange tragique et comique, un regard différent sur le monde, du rêve, mais toujours sous une idéologie conservatrice et aux valeurs traditionnelles. La persistance de la tradition médiévale à travers des genres populaires comme ceux des "coplas" et des "romances" sont des faits typiques de l'évolution littéraire espagnole, et la "comedia nueva" naît de ces circonstances.  C'est lors d'une conférence que Lope de Vega présente son texte devant une assemblée de savants et d'humanistes de Madrid.  J.-M. Rozas divise le texte en trois parties La première partie, "Parte prologal" (v. 1-48), qui se présente comme une "captatio benevolentiae". Lope s'adresse à son auditoire avec une certaine ironie, laissant entendre que tous ceux qui sont présents savent mieux que lui la façon d'écrire une "comedia" et que c'est d'abord le (mauvais) goût du public qui doit être pris en considération. On retrouve cette "captatio benevolentiae" dans la troisième partie : "Parte epilogal" (v.362-389).  Dans la seconde partie ("Parte doctrinal") (v.49-461), Lope fera la description de son "Arte nuevo" et en présente les concepts fondateurs. Une partie théorique divisée elle-même en dix paragraphes présentant chacun de ces concepts :  Lope exprime ainsi sa vision d'un "Arte nuevo" qu'il veut mettre à égalité au genre théâtral issu de l'Antiquité. Son intention reste de s'en détacher en l'adaptant au goût du monde baroque. Il le fait de manière brusque, en s'exprimant par ce texte très structuré, où il convient de préciser que « Lope [...] ne craint de hausser le plaisir esthétique du spectateur "(el vulgo)" au rang de norme suprême de l'art ».  Lope insiste d'abord sur un habile mélange de genre : le comique et le tragique. Mélange que Lope observe même dans la nature ("« buen ejemplo de la naturaleza/ que por tal variedad tiene belleza »").  Il ne reprend pas la règle des trois unités, observée avec rigueur dans le théâtre français et sacralisée par les théoriciens italiens. Il recommande seulement une unité temporelle qui reste vraisemblable. Pas d'unité d'action, s'inspirant de l'"imbroglio" à l'italienne. Quant à l'unité de lieu, il n'en parle même pas. La pièce doit se diviser en trois actes, ou trois journées:  Quant à la versification, et la métrique, aucune règle n'est imposée.  Parker pose cinq principes qui structurent la "Comedia" :

"Comedias" attribuées à Lope de Vega.

Entre 1604 et 1647 ont été publiés des "Comedias", bien que les premiers soient sortis sans le consentement de leur auteur. Ce dernier n’a pris les choses en main qu’à partir du tome IX (1617) et jusqu’aux tomes XXI et XXII (à sa mort).  Juan Pérez de Montalbán, disciple de Lope, affirme, dans son "Fama póstuma", que le Phénix en aurait écrit, ainsi que, dont la plus grande partie serait à jamais perdue.  Lope, plus modeste, en reconnaît, incluant certainement ses "autos-sacramentales".  Charles Vincent Aubrun estime que le dramaturge n’écrivait qu’un plan des œuvres et en composait certaines parties, laissant à des poètes et auteurs de son atelier le soin de compléter l’œuvre. Rennert y Castro conteste le chiffre exagéré dans une étude et pense que l’on peut attribuer à Lope, dont 78 sont d’attribution douteuse, et perdus, ce qui porterait aujourd’hui à effectivement de Lope. Morley y Bruerton, suivant en partie des critères de métriques et versification, attribue à Lope, 73 seraient incertaines et 87, communément attribué à Lope, ne le seraient pas.

Les œuvres majeures et de premier plan.

De toutes ses œuvres « officiellement » attribuées, sont reconnus comme œuvres majeures (sans enlever pour autant des scènes d’autres "comedias" où brille encore le génie de Lope) :  Ainsi que des œuvres de premier plan :

Œuvres par thèmes.

Marcelino Menéndez Pelayo, critique et un des premiers éditeurs du théâtre de Lope, divise les thématiques de ces œuvres en cinq grands blocs :  Aubrun lui préfère une division en trois grands thèmes :  Ruiz Ramon, quant à lui, parle de :

Bibliographie (traduit en français).

Ce volume contient les pièces suivantes de Lope Félix Vega Carpio, présenté par Bernard Gille :

Voir aussi.

Liens externes (en français).

Sur la représentation de "Pedro et le Commandeur" à la Comédie Française, mise-en-scène de Omar Porras: Citations :

Lope Félix de Vega Carpio, né le à Madrid et mort le dans la même ville, est un dramaturge et poète espagnol. Il est considéré comme l'un des écrivains majeurs du Siècle d'or espagnol.

Lope de Vega (* 25. November 1562 in Madrid; † 27. August 1635 ebenda; vollständiger Name: "Félix Lope de Vega Carpio") war ein bedeutender spanischer Dichter des sogenannten Goldenen Zeitalters (spanisch Siglo de Oro).


Thespis acteur.

L'historicité de Thespis a été et reste discutée.  La plus ancienne des références à Thespis se trouve dans "les Guêpes" d'Aristophane. La plus ancienne source épigraphique à le mentionner est un fragment de la "Chronique de Paros".  L'adjectif est attesté dans l"'Odyssée" : il y qualifie deux fois un chant () et une fois un chanteur (). est considéré comme une abréviation de. Il signifie qui doit s'entendre aussi bien comme, c'est-à-dire (à propos d'un chant) que comme (à propos d'un aède).  Tepsis (en grec ancien, ) serait né vers à Ikarion (aujourd'hui, Dionysos), un dème athénien de la tribu des Égéides. Thespis fut d’abord un acteur et l’un des premiers à se mettre en scène dans ses propres tragédies. Il aurait imaginé de diviser le chœur et d'insérer des tirades parlées par un personnage seul, séparé des choreutes. Selon la légende, il serait monté pour la première fois sur scène en (probablement le 23 novembre) pour interpréter lui-même ce premier rôle d'acteur de tragédie.  Il se déguisait, se grimait grâce à des pigments colorés préparés avec des plantes, comme le pourpier, et grâce à des masques en lin.  On dit que Thespis partait souvent en « tournée » avec ses autres comédiens à travers la région athénienne dans un chariot (arma). L'expression « monter sur le chariot de Thespis » signifia donc "devenir acteur" (et le substantif "thespian" est utilisé en anglais comme synonyme d'acteur/actrice). Ce « chariot de Thespis » est cité dans de nombreuses œuvres littéraires, notamment dans la préface de "Cromwell" de Victor Hugo, ou dans le roman "Le Capitaine Fracasse" de Théophile Gautier, et donne son titre à une bande dessinée de Christian Rossi.  Citons aussi Edmond Rostand (Cyrano de Bergerac, acte I scène 4).

Thespis dramaturge.

En 550 av. J.-C. Thespis introduit en Attique un genre mi-religieux, mi-littéraire où se mêlent le chant et la danse. Il s'agit du dithyrambe, qu’il fait évoluer vers la tragédie, genre auquel il apporta de nombreuses améliorations.  Thespis avait remarqué que le drame satyrique lassait : la farce, la cabriole et la grimace fatiguaient acteurs et spectateurs. Thespis introduisit des passages plus narratifs, ayant souvent rapport à la mythologie, déclamés par un acteur ou par le coryphée et décisifs dans l'avancée de l'intrigue. Les histoires racontées étaient souvent légères ; elles s'inspiraient d’ailleurs du mythe de Dionysos et de ses Ménades. Le chœur prenait part à ces passages par des exclamations ou remarques. Thespis inventa donc l'acteur (ὑποκριτής, hypocritès) et les dialogues de théâtre, avant qu'Eschyle n’introduise le deutéragoniste et Sophocle le tritagoniste.  Thespis comme metteur en scène porta un soin particulier aux danses, énergiques et expressives, que l'on retrouvera chez Aristophane. Avec leurs danses, leurs musiques, leurs dialogues rapides et leurs histoires courtes, les pièces de Thespis ressemblaient à ce que l'on connaît aujourd'hui sous le nom de « ballet ».  D'après ce que l'on a retrouvé de ses pièces, Thespis utilisait le rythme joyeux, animé et mouvementé du trochée (du grec ancien τροχαῖος, « propre à la course »), pied composé d'une syllabe longue (accentuée) suivie d'une syllabe courte (non accentuée).  Thespis a participé à de nombreux concours organisés sous Pisistrate (), dont en la première place des tragédies aux Grandes Dionysies. Les nouveautés proposées par Thespis, acceptées par le public, s'imposèrent progressivement au style de ses concurrents. Les changements instigués par Thespis furent appliqués dans les œuvres de Phrynichos le Tragique (Φρύνιχος), son élève.

Œuvres.

On attribue quatre pièces à Thespis même si on peut estimer que les fragments attribués à Thespis sont en réalité des tragédies contrefaites par Héraclide (Ἡρακλείδης, Héracléidès) le Pontique (ὁ Ποντικός), auteur platonicien bien postérieur à Thespis, voire par des auteurs chrétiens.

"Les Jeux funèbres en l’honneur de Pélias ou La Cavale" (Ἆθλα Πελίου ἢ Φόρβας, "Athla Péliou è Phorbas").

Cette pièce est considérée comme la plus « authentique » de toutes celles qui sont attribuées à Thespis. Le personnage de Phorbas désigne tout d'abord le conducteur du char de Persée, mais cela ne semble pas être le personnage étudié par Thespis, le dramaturge ferait référence à un mythe beaucoup plus ancien. On trouve des représentations des jeux funèbres de Pélias, organisés par Acastos, dès le. Le fils de Sisyphe, Glaucon, y serait venu pour montrer ses juments dressées à se nourrir de chair humaine, véritable atout pour le combat. Mais ses propres bêtes se seraient jetées sur lui et l'auraient dévoré, d'où le qualificatif de « funèbre » ainsi que le double titre de « cavale », signifiant le hennissement furieux d'une jument.

"Les prêtres" (Ἱερεῖς, "Hiéreïs").

Nous ne possédons aucune information sur l'intrigue de cette pièce et le titre n'est pas assez évocateur pour nous en fournir.

"Les jeunes gens" (Ἠίθεοι, "Èithéoi").

Ἠίθεοι désigne les sept jeunes gens envoyés en pâture au Minotaure selon la légende athénienne. Cette tragédie aurait pour sujet soit l'expédition de Thésée en Crète et sa victoire sur le Minotaure, soit la délivrance de ces adolescents par Thésée, épisode populaire à Athènes (il est donc plus probable que ce soit le sujet exact choisi par Thespis).

"Penthée" (Πενθεύς, "Pentheus").

Penthée, successeur de Cadmos et roi de Thèbes, refuse que le culte dionysien soit introduit dans ses terres. Alors qu'il se cache dans un arbre du mont Cithéron, les Ménades le découvrent et le réduisent en pièce. Mais la tragédie est considérée comme apocryphe.

Thème artistique.

Thespis apparaît dans le prologue de l'opéra "Platée" de Jean-Philippe Rameau. Il y est présenté, louant Bacchus et buvant, comme inventeur de la Comédie.

Thespis d’Icare (en grec : Θέσπις, fl. ) est considéré comme l’inventeur de la tragédie grecque et le premier acteur.

Thespis (* 6. Jahrhundert v. Chr. in Ikaria, Attika) war einer der ersten griechischen Tragödiendichter, Theaterleiter und Schauspieler in Athen. Er galt bereits in der Antike als Erfinder des Dramas, speziell der Tragödie.


L'Étrurie avant les Étrusques : hydronomie et typonomie.

Le linguiste espagnol a fait l'inventaire de l'ancienne toponymie et des noms d'hydronymes de l'Étrurie. Celui-ci montre une proportion considérable d'étymologies indo-européennes. Parmi ceux-ci : Albina, Alma, Alsium, Arnine, Arnos, Arnus, Aventia, Marta, Pallia, Umbro, Vetulonium, Volsinii. En outre, la majorité des hydronymes étruriens ont une étymologie indo-européenne non latine : Albina, Alma, Arnine, Arnos, Arnus, Auser, Aventia, Marta, Minio, Osa, Ossa, Pallia, Umbro... Enfin, très peu d'autres (Clusinus, Cremera, Lingeus, Trasumenus, Vesidia) pourraient prétendre à une étymologie étrusque, si seulement les spécialistes étaient capables de le faire.  Il en conclut que le territoire occupé par les Étrusques présente une situation hydro-toponymique très similaire à celle du reste de l'Italie et de l'Europe occidentale : il présente une couche toponymique très profonde de caractère indo-européen, à laquelle appartiennent la plupart des hydronymes attestés dans l'Antiquité et que cette ancienne toponymie existait avant l'époque où les Étrusques sont arrivés à cet endroit. Lorsque les Étrusques se sont installés, ils n'auraient pas eu la possibilité de donner des noms aux rivières en général, car ils les avaient déjà reçus d'un peuple précédent et se sont limités à les apprendre, en les adaptant à leur langue, puis les ont transmis finalement aux Romains. Lorsque ces derniers ont romanisé l’Étrurie, ils se sont limités à incorporer ces noms et à les adapter au latin.

Origine des Étrusques.

La question de l'origine des Étrusques a fait l'objet de nombreuses controverses entre spécialistes. La première est celle de l'historien grec Denys d'Halicarnasse pour qui il s'agirait d'autochtones. Toutefois, conformément à la tradition relatée par Hérodote, pour qui l'aristocratie des Étrusques serait d'origine lydienne, R. S. P. Beekes, après d'autres étruscologues, soutient une origine « orientale » des Étrusques, le territoire d'origine de ces populations se situant plus au nord de la Lydie classique. Il avance pour principaux arguments la stèle de Lemnos, qui serait rédigée en caractères de l'étrusque archaïque, l'indication d'Hérodote que les habitants de Plakiê et de Skylakê parlaient la même langue que les Étrusques, ou encore l'utilisation du terme « "Tyrsēnoi" » pour les Étrusques et les peuples du nord-ouest de l'Asie mineure. D'un point de vue linguistique, le suffixe "-ānos" est reconnu depuis longtemps comme étant caractéristique des noms ethniques du nord-ouest de l’Asie mineure ; certains pensant qu'il est d'origine non grecque : "Αβυδηνός, Ολυμπιηνός, Περγαμηνός, αρδηνός". En ce qui concerne la langue, Steinbauer (1999) a fait observer que l'étrusque possède la plupart de ses connexions (emprunts) avec le lydien. Enfin, Tarchon, qu'Hérodote décrit comme le guide des Étrusques qui, à la suite d'une forte disette, les conduisit de Lydie en Étrurie, ne serait autre que le Tarhu, dieu de l'Orage et plus haut dieu des Louvites et des Hittites.

Les cités.

Une douzaine de cités confédérées, formant une nation, et correspondant à autant de "Lucumonies" formait la, basée sur la dodécapole : Véies, Cæré, Tarquinia, Vulci, Volsinii novi, Clusium, Pérouse, Cortone, Arretium, Volaterræ, Vetulonia, Rusellæ.  À chaque ville correspondaient autant de districts comprenant des cités plus petites, des bourgs et des villages. Chaque cité était administrée par un "Lucumon", gouverneur issu de l'aristocratie. Cependant, il existait d'autres magistrats : le vocable "zilath" par exemple, apparaît à plusieurs reprises dans l'épigraphie et était relatif à une magistrature.  Les villes étrusques étaient nombreuses, les plus importantes étaient :  Les premières villes étrusques ne présentaient pas de plan caractéristique, mais les villes plus tardives furent aménagées selon un plan orthogonal : deux axes, nord-sud (cardo) et est-ouest (decumanus) formant une intersection à partir de laquelle s'ordonnait la ville, dessinant des îlots affectés à des fonctions diverses (espace public, espace sacré, habitations). Adduction d'eau, égouts, chauffage « central », comptent parmi les inventions reprises ultérieurement par les Romains.

Fonctionnement des cités.

Ces cités furent d'abord gouvernées chacune par un roi, ensuite par une oligarchie, émanant des grandes familles de l'aristocratie. Ces villes se regroupaient parfois en confédérations ou en ligues de nature religieuse. En s'enrichissant avec le temps grâce aux produits agricoles des terres alentour, notamment le blé, et à un élevage florissant, à l'exploitation des mines et au commerce, les cités étrusques réussirent à s'affirmer rapidement. Le peuple étrusque connut une expansion entre le dans la plaine du Pô, au nord, où s'épanouirent les cités de Felsina (Bologne), et de l'actuelle Marzabotto, reliées à Spina, sur la mer Adriatique, cité recueillant l'influence du monde grec, et favorisant le lucratif commerce de l'ambre et de l'étain avec le nord, au sud, dans le Latium, et avec une forte présence en Campanie, en Corse enfin à Alalia (aujourd'hui Aléria). Sur mer en revanche, la concurrence avec les flottes carthaginoises et grecques fut serrée. Rome fut un domaine étrusque durant un siècle, et la dynastie des Tarquins, rois de provenance étrusque, reflète la supériorité et l'importance des cités étrusques méridionales, qui ont laissé d'ineffaçables traces dans la religion, les usages, les institutions et les édifices de Rome, largement confirmées par l'archéologie.  Selon l'historien romain Tite-Live, "Lucumon" fut d'ailleurs le prénom originel de Tarquin "l'Ancien", le premier roi étrusque de Rome, prénom latinisé par la suite en Lucius.

Gouvernement.

Le centre religieux des Étrusques était à Voltumna, près de Volsinies. Après des fêtes et des jeux pariétrusques, les représentants de la élisaient un magistrat fédéral ("zilath meχl rasnal", "sacerdos" ou "rex" des Latins) qui avait un rôle religieux et sans doute économique, mais très peu politique.  Au, ces cités connurent un régime monarchique. Certains monarques (ou "lucumon") paraissent légendaires (Mézence de Cæré, Properce de Véies ou Thybris), d’autres sont attestés par les textes et l’archéologie (les Tarquins, Servius Tullius, Mastarna de Rome, Porsenna de Clusium). Issu de l’aristocratie, leur pouvoir semble avoir été absolu, bien que surveillé par une oligarchie princière, et s’exerçait dans le domaine politique, religieux et militaire. D’abord élective, la royauté devint vite héréditaire par les femmes. Il n’y a aucune trace d’assemblée comparable au Sénat romain.  Entre la fin du et le milieu du, un régime républicain oligarchique basé sur la tyrannie s’instaura dans la plupart des cités étrusques où se développa une société quasi-égalitaire en une classe unique. Le pouvoir alla aux "princeps" (selon la transcription latine), oligarques exerçant des magistratures ("zilath", "purth", "macstrevc"). Les mêmes familles, rivales entre elles, exercèrent le pouvoir avec continuité.

Économie.

La base de l’économie de l'Étrurie était constituée par l’agriculture, la pêche et la chasse mais aussi de la piraterie. Les gisements de cuivre, d’étain, de fer, de plomb argentifère furent exploités dès la période villanovienne et les minerais travaillés ou vendus. La pierre de construction utilisée le plus couramment fut le tuf volcanique.  L'Étrurie bénéficiait d'un atout considérable : les métaux qui étaient présents au nord-ouest de Rome (monts de la Tolfa) et surtout sur l’île d’Elbe (Aithaleia).  La métallurgie suscita le développement du commerce au. Les Étrusques exportèrent au moyen de leurs propres navires des objets en bronze (trompettes, rostres) de l’Espagne à Athènes, de Carthage à la Grande-Bretagne, au Danemark, à la Suède, et par le sud de la Gaule, à l’Allemagne du Sud et à la Bohême. Le commerce avec la Grèce fut le plus important (céramique attique contre blé de Grande-Grèce et métaux). La Gaule du Sud achetait du vin et des métaux et fournissait des peaux, des fourrures et de l'étain.  Toutes ces échanges favorisèrent aussi le déplacement des personnes, des techniques et le brassage ethnique :

L'Étrurie, généralement désignée dans les textes sources grecs et latins par le nom de "Tyrrhenia" (en grec : "Τυρρηνία"), était une région d'Italie centrale, territoire des Étrusques.

Etrurien, lateinisch Etruria, synonym Tuszien, auch Tuscien, lateinisch und italienisch Tuscia, ist eine antike Landschaft in Mittelitalien und bezeichnet das Kernland der Etrusker zwischen Arno und Tiber. Später zählte man auch Teile der Toskana nördlich des Arno dazu. Etrurien ist nicht identisch mit der Toskana, sondern umfasst auch den nördlichen Teil des heutigen Latium und Teile Umbriens. Unter Etrurien versteht man insbesondere in der Etruskologie das spätere Siedlungsgebiet der Etrusker, das sich vom Tiber bis zum Po erstreckte. Daher unterscheidet man in der Etruskologie zwischen dem tyrrhenischen Etrurien am Tyrrhenischen Meer und dem padanisch-adriatischen Etrurien in der Po-Ebene.


Description.

Les origines du jeu de rôle animal et du "petplay" sont sans doute diverses et variées, encore une fois dépendantes des participants impliqués. Cependant, ses origines peuvent être influencées par le fait de porter un costume, la fiction, les mythes et légendes, et les différents aspects du jeu de rôle. Les premières images relatant le jeu animal (en particulier le "pony play") auraient été exposées dans les œuvres de John Willie, principalement dans le magazine "BIZARRE" publié de 1948 à 1959. La première commercialisation de ce fétiche a été faite par Simon Benson, le fondateur du site Petgirls.  Le jeu de rôle animal implique parfois mais pas systématiquement divers accessoires comme une laisse, des chaînes, un baillon, un collier, un harnais, un catsuit, un collant de corps, un plug anal, une muselière, des bottes de ballet

Utilisation érotique.

Comme pour la plupart des jeux de rôles érotiques, le jeu de rôle animal, dans un contexte relationnel et sexuel, implique particulièrement la personnalité des participants et leur humeur durant le jeu. Ce jeu de rôle peut varier d'une simple imitation à une modification radicale. La simple imitation peut inclure des bruits d'animaux (du cheval au chien), des comportements joueurs, dominateurs voire soumis (typiques d'un chat ou d'un chien). La modification radicale, quant à elle, implique éventuellement le déguisement total d'un humain en un animal avec le port de masque, prothèses voire d'objets de bondage.  Pour la plupart des participants, le jeu de rôle n'a aucun lien avec la bestialité voire la sexualité, et peut être un sujet controversé au sein de la communauté BDSM et des pratiquants du Jeu de rôle animal.

Un jeu de rôle animal (petplay, "ponyplay", "ponyism", "kittenplay" ou "pup-play" en anglais) est un jeu de rôle sexuel érotique.

Unter Petplay (engl. "Pet" = (Haus-)Tier, "play" = Spiel), Animal Play (engl. "Animal" = Tier) oder auch Zoomimik versteht man ein erotisches Rollenspiel, bei dem mindestens ein Partner die Rolle eines Tieres spielt. Üblicherweise wird das Petplay zu den Sexualpraktiken des BDSM gezählt. Klassische Elemente des BDSM, beispielsweise Machtgefälle, Unterwerfung, sexuell stimulierende Erniedrigung und sadomasochistische Praktiken können Bestandteil des Spieles sein. Diese Rollenspiele finden grundsätzlich zwischen einvernehmlichen Partnern statt (vgl. SSC). Nicht zum Petplay gehört der sexuelle Umgang mit echten Tieren, was als Sodomie oder Zoophilie bezeichnet wird. Nicht dazu zählen die sogenannten Furries, bei denen zwar anthropomorphe Tiere im Mittelpunkt stehen, allerdings nicht zwangsläufig in einem sexuellen Kontext.


Jeunesse.

Grumann naît à Huntington, New York. Les ancêtres de Grumman avaient leurs racines au Connecticut, où ils possédaient une brasserie. Quand il était enfant, son père, George Tyson Grumman, détenait et exploitait un atelier de voitures et a ensuite travaillé à la poste. Dès son jeune âge, « Mike Red » (un surnom qu'il a eu à cause de ses cheveux blonds-roux) montre un intérêt pour l'aviation. Ainsi, lors de son discours de fin d'études à la Huntington High School, le, Grumman prédit-il que "la perfection finale de l'avion sera l'un des plus grands triomphes que l'homme aura jamais gagné sur la nature" ("").  Grumman poursuit ses études par un baccalauréat ès sciences en génie mécanique de l'université Cornell en 1916. Il décroche son premier emploi dans le département d'ingénierie de la. Après que les États-Unis sont entrés dans la Première Guerre mondiale, il s'enrôle dans la Réserve navale américaine en comme assistant machiniste de, et est envoyé à l'université Columbia pour suivre un cours sur les moteurs de (navires de lutte anti-sous-marine).

Carrière dans l'aviation.

Bien que Grumman s'investisse dans l'apprentissage du pilotage, il échoue à l'examen médical, le jury lui diagnostiquant à tort les pieds plats. Une erreur d'écriture lui permet cependant de se présenter à un cours d'inspection d'avion pour les pilotes stagiaires au Massachusetts Institute of Technology. Ne révélant pas son erreur de classification, il entre dans la formation élémentaire de pilotage à la base aéronavale de Miami et réussit la formation au pilotage avancé à Pensacola, en Floride, en. Raymond P. Applegate, son instructeur de vol, a rappelé quelques années plus tard que ce jeune "était très, très prudent. La plupart des gars, après qu'ils [ont appris à] voler, deviennent plus durs que l'enfer. Grumman ne l'a pas fait." Il a reçu ses insignes d'aviateur naval (), pour finalement devenir instructeur de vol et être affecté à un escadron de bombardement.  Après un tour de service, l'US Navy l'envoie au Massachusetts Institute of Technology pour étudier une nouvelle discipline : l'ingénierie aéronautique. Après l'achèvement de cette formation, Grumann est promu au grade de lieutenant et affecté à la League Island Naval Yard en tant que pilote d'essai et de réception des hydravions construits par la Navy et Curtiss.  En 1919, la marine américaine l'affecte à la Loening Aeronautical Engineering Corporation de New York comme ingénieur de projet, pour superviser la construction par la société de 52 avions d'observation/chasseurs Loening M-8 monoplan sous contrat avec la Marine. Ses fonctions comprenaient les essais en vol ainsi que la supervision de la production. Grover Loening, le président de la société, est tellement impressionné par son travail qu'il lui offre un poste. Après une rétrogradation au grade d'enseigne en temps de paix dans l'US Navy, Grumman démissionne de la Navy en, pour devenir pilote d'essai des différents types d'hydravions de Loening, tout en participant à la conception et au développement de ces appareils. Il gravit rapidement les échelons de la société Loening, devenant directeur de l'usine, puis directeur général chargé de la conception des avions, un poste qu'il occupe jusqu'à ce que la société soit vendue à Keystone Aircraft en 1929, à la veille de la Grande Dépression. Keystone ferme par la suite son usine de Manhattan et déménage ses opérations à Bristol, en Pennsylvanie.

Création de la société.

Ne voulant pas quitter Long Island pour continuer à travailler pour Keystone, Grumman convient avec d'autres collègues de Loening, et, que leur meilleure option est de démissionner et de créer leur propre société. Grumman hypothèque sa maison pour $16.950 et la mère de Swirbul emprunte $6.000 à ses employeurs pour créer la Grumman Aeronautical Engineering Co. Les co-fondateurs sont bientôt rejoints par Ed Poor, directeur commercial de Grover Loening, et par E. Clinton Towl, récemment arrivé de Wall Street. Ces cinq hommes constitueront le cercle restreint de direction de l'entreprise pour les 50 années qui suivront. Loening et son frère, Albert P. Loening, en seront également investisseurs. La société prend le nom de son actionnaire principal et premier président.  Le, la société prend possession d'une concession automobile abandonnée à Baldwin, New York, qui fut par le passé l'usine de la. Initialement, la société, qui ne comprend que 18 salariés, sous-traite la réparation d'appareils amphibies Loening (utilisant pour cela des pièces de surplus achetées à la Loening) et valorise son expertise dans la construction en aluminium pour créer des flotteurs et des carrosseries de camions. Le premier projet de la société voit Grumman et Swirbul, respectivement président et vice-président, trier et apparier, à quatre pattes, des écrous et des boulons, avant d'assembler des flotteurs Loening.  Swirbul et Grumman supervisent le fonctionnement de la société. Alors que les employés de l'atelier appellent familièrement "Jake" le sociable Swirbul, personne n'appelle Grumman autrement que "M. Grumman", par déférence envers ses manières réservées et par respect pour son talent d'ingénieur et de concepteur. Dick Hutton, ingénieur et plus tard vice-président sénior de l'ingénierie chez Grumman, le décrit comme un "grand ingénieur, respecté par beaucoup..." ("") Pour sa famille et ses amis proches, il était invariablement "Roy".  Ayant appris le désir de l'U.S. Navy's de disposer de trains d'atterrissage rétractables, Leroy Grumman dépose en 1932 le brevet US 1,859,624, "", basé sur un design précédent qu'il avait développé pour Loening Air Yacht. Le train rétractable innovant et robuste, opéré manuellement, améliorant la version précédente lourde et peu fiable, permet à sa société de contracter avec la U.S. Navy. Lorsque la Grumman Company reçoit son premier contrat de production de l'U.S. Navy pour un chasseur biplan à deux places, le FF-1, elle y incorpore son train d'atterrissage rétractable. La compétence de Grumman en tant qu'ingénieur et concepteur fut dépeinte par un ingénieur de la Grumman Company comme celle d'"un maître de l'intuition qui pouvait prévoir les problèmes techniques et leurs solutions" ("") Il invente seul le célèbre système d'aile repliable ""Sto-Wing"" qui revolutionne la manutention et l'entreposage des avions sur porte-avions, expérimenté sur le F4F Wildcat. Il conçoit cette solution en plantant des trombones à papier dans une gomme en savon, pour trouver le point pivot qui rend le "Sto-Wing" possible.  Bien que Grumman realise l'importance de sa relation privilégiée avec la U.S. Navy, vers le milieu des années 1930, il commence à concevoir des avions pour le marché privé, avec le développement de l'hydravion G-21 "Goose" et du G-22 "Gulfhawk", version civile du chasseur embarqué F3F.

Expansion.

Le développement de la société la conduit à déménager dans des locaux plus spacieux – à Valley Stream en 1931, Farmingdale en 1932, et finalement Bethpage en 1937. En 1934, une légende d'entreprise se construit autour du nombre "250", qui marquerait le zénith de expansion dans l'esprit de Grumman. Il pense en effet à cette époque que si la société possédait plus de 250 employés, "elle deviendrait trop grosse et nous en perdrions le contrôle. C'est la où il faudrait nous arrêter" (""). Le comptable de la société Towl fut finalement missionné pour dire à Grumman que la liste des salariés atteignait déjà 256 personnes.  Bien que Grumman resiste aux efforts "expansionnistes" de Swirbul, la taille de l'entreprise passa de 700 en 1939 à 25.500 en 1943, la société étant alors connue comme la "Grumman Iron Works" (un nom derivé de la structure rugueuse de leur ligne de produits et une philosophie de conception épousée tant par Swirbul que Grumman), et devenant le premier fournisseur d'avions de la U.S. Navy.

Distinctions.

De nombreuses distinctions ont été attribuées à Grumman, incluant la Medal for Merit du Président des États-Unis d'Amérique (1948).

Leroy Randle "Roy" Grumman ( - ) était un ingénieur en aéronautique, pilote d'essai et industriel américain. En 1929, il cofonde la Grumman Aerospace Corporation qui fait maintenant partie de Northrop Grumman.

Leroy Randle Grumman (* 4. Januar 1895 in Huntington, Long Island, New York; † 4. Oktober 1982 in Manhasset) war ein US-amerikanischer Konstrukteur und Flugzeugbauer.


Contexte historique.

Actuellement, nous sommes éloignés du "Dit du Genji" par un millier d'années.

Les religions.

Le Japon connaît deux principaux cultes : le shintoïsme et le bouddhisme, ce dernier étant à l'époque du Genji implanté sur l'archipel depuis quatre siècles environ. Ces cultes se sont souvent influencés et ne s'excluent pas mutuellement.  On retrouve évidemment ce mélange dans l'œuvre avec des références culturelles omniprésentes qui pourront parfois surprendre le lecteur moderne. Par exemple, les deux principaux tabous du culte shintoïste sont la naissance et la mort, ce qui expliquera que Genji se dise souillé lorsqu'une de ses amantes meurt chez lui. De même, les esprits sont des créatures courantes dans les croyances de l'époque et personne ne s'étonnera dès lors qu'il fasse procéder à des rites de purification dès que sa femme tombe malade. L'auteur lui-même explique la mort du Genji par la malveillance d'un personnage.  Les fréquents voyages que le Genji fait dans les monastères ou les sutras prononcés contre les mauvaises influences sont des utilisations magiques de traditions bouddhiques, bien implantées au Japon, en particulier grâce au prince Shōtoku.

La Chine.

À l'époque du roman, ce sont les Song qui sont les maîtres de la Chine. Toutefois, le rayonnement culturel de leurs prédécesseurs, les Tang a débordé sur les pays alentour, dont le Japon où leur littérature est bien connue et leur langue pratiquée à la Cour. Les Chinois sont même nommés dans le roman. C'est la même chose pour le terme de "" qui désigne la Chine.

La Corée.

Bien sûr moins présente que la Chine, la Corée est néanmoins représentée. Elle est désignée par « pays de Koma » dans le livre.

Les relations à la cour.

Cette œuvre est l'occasion de plonger au cœur de la vie à la cour impériale, des us et coutumes qui ponctuent la vie très normée des aristocrates.

Arts.

Le "Dit du Genji" est souvent qualifié de roman psychologique. Il est aussi un recueil précieux des différents arts qui ponctuaient la vie à la Cour tant ces derniers faisaient partie intégrante du protocole et des réceptions.

Poèmes.

Le récit est traversé d'environ 800 poèmes japonais,, dont le sens pour un lecteur non averti peut être difficile à saisir. Ces poèmes sont très nombreux parce que les manières de l'ère Heian interdisaient qu'on s'exprimât d'une façon directe, car c'eût été trop familier et franc ("omote" et "ura"). Les poèmes offraient une manière (entre autres) de s'exprimer en termes indirects, tout en montrant la culture de l'interlocuteur. Par conséquent, les personnages s'expriment souvent en citant des poèmes qui étaient très connus à l'époque. Les dames du roman héritent bien souvent de surnoms tirés de ces poèmes.

Calligraphie.

La calligraphie et ses différents styles est également un élément culturel fondamental et le "Genji" semble même l'utiliser pour évaluer la qualité d'une personne féminine. Élevée au Japon en art majeur, la calligraphie était indispensable aux gens de la Cour. On remarque que les caractères chinois n'étaient pas si prisés et qu'il était fort bien vu d'user des caractères féminins, les kanas. Une calligraphie leur est d'ailleurs dédiée.  La calligraphie est d'autant plus importante que les échanges entre les personnages, en particulier entre les hommes et les femmes, sont basés sur l'échange de lettres qui ponctuent les relations interpersonnelles. En effet, selon la coutume de la cour, les femmes de l'aristocratie devaient rester cachées à l'intérieur de leur résidence, ne jamais se montrer aux regards masculins sous peine de paraître des femmes légères. Elles restaient ainsi cachées toute leur vie et rares étaient les occasions où elles pouvaient sortir de leur demeure. Elles devaient rester invisibles y compris des jardins de leur demeure dans l'hypothèse où un homme en visite se serait trouvé dans leur jardin. Des stores les cachaient en permanence de la vue extérieure. Et lorsqu'un membre de la famille venait en visite, cela s'appliquait également entre frères et sœurs ; c'est cachés derrière une tenture que la discussion avait lieu.  L'échange de lettres était donc un des moyens principaux de communication. Ces lettres étaient souvent remises par l'intermédiaire des serviteurs, des dames d'atour. Ces lettres faisaient l'objet d'un choix précis quant au papier : texture, couleur — tout était soigneusement réfléchi en fonction du message que l'on avait à transmettre. Il était de bon ton de toujours répondre et très mal vu de ne pas le faire. Lorsque la destinataire ne souhaitait pas répondre directement, c'est une de ses dames de confiance qui rédigeait la réponse à sa place.  Une fois écrite, la lettre était très souvent attachée à un végétal, dont le choix était également lié au type de message que l'on souhaitait faire passer.

Musique.

C'est le passe-temps de beaucoup de membres de la Cour, tous ou presque jouent d'un instrument. Le "koto" et le luth sont omniprésents. Une bonne partie du roman décrit des concerts de musique et relate le plaisir qu'ils apportent.

Peinture.

La peinture est également un autre art majeur de la Cour, et même si tous ne la pratiquent pas, chacun a une bonne connaissance des styles et un concours de peinture est même organisé où le Troisième Empereur, très versé dans cet art, joue le rôle d'arbitre. Et chacun de produire les tableaux qu'il conserve chez lui.

Vêtements.

Se vêtir paraît être un passe-temps des plus éminents à la Cour de Heian. Le Genji choisit toujours ses tenues avec soin et la concordance des couleurs ainsi que la qualité des tissus est primordiale.  La culture japonaise est très liée aux passages des saisons. La couleur des vêtements s'accorde ainsi à la nature : blanche pour l'hiver, très colorée pour l'été, brun pour l'automne.  Le statut social des personnages influe sur le choix des vêtements : vert pâle pour un jeune aristocrate devant faire ses preuves à la cour.

Parfums.

Les nobles d'alors se parfumaient beaucoup. Ils parfumaient les pièces et les vêtements bien sûr, mais également les objets comme les lettres. Les parfums étaient souvent des parfums à brûler, se rapprochant de l'encens.  Il était à l'époque impératif pour un ou une aristocrate de maîtriser la confection des parfums, chaque personne détenant les recettes nécessaires à la confection du parfum le plus adapté à la cérémonie visée. Chaque recette normée et transmise de génération en génération faisait partie de la culture impérative à détenir. Une éducation était incomplète sans cette capacité à confectionner un parfum.  Le "Dit du Genji" est l'occasion d'un témoignage de concours de parfum où chacun rivalise afin de produire le parfum le plus adapté.

Personnages.

On notera qu'aucun des personnages principaux du "Dit du Genji" n'est jamais cité par son nom propre. En effet, à l'époque Heian, on se référait aux gens de la Cour par leur titre, l'usage du nom étant considéré comme grossier. On s'amusera de voir quels sont les personnages cités par leur nom dans le roman, souvent des servants. Le nombre de personnages, leur parenté complexe font de ce roman une œuvre délicate à suivre où la moindre promotion va changer le nom d'un protagoniste. Il y aurait plus de deux cents protagonistes dans le roman.

Lieux.

Heian, l'ancienne capitale (aujourd'hui Kyoto), était organisée autour du palais impérial, depuis la Première Avenue, qui passait au nord du palais, situé entre la Première et la Deuxième Avenue, jusqu'à la Neuvième Avenue, au sud de la ville.

Résidence de la Deuxième Avenue.

C'est la première résidence du Genji.

Résidence de la Sixième Avenue.

Lorsque le Genji commence à avoir un poste à la mesure de ses ambitions, il se fait construire une nouvelle résidence sur la Sixième Avenue. Il la crée suivant quatre directions, avec un jardin associé à chaque saison. Il y loge notamment ses dames les plus proches. Puisqu'une des ailes de la résidence est constituée de l'ancienne résidence de la Dame de la Sixième Avenue, cette aile revient naturellement à sa fille, l'Impératrice, qui y a grandi.

Composition.

Le "Dit du Genji" se compose de 54 livres. Chaque livre s'appelle "jō" (帖) :  Partie 1  Partie 2  Partie 3, alias la partie "Uji"

Traduction française.

La première traduction française, due à Kikou Yamata et publiée en 1928 sous le titre "Le Roman de Genji", ne reprend que les neuf premiers chapitres du "Genji Monogatari". Elle fut réalisée d'après la version anglaise de A. Waley, le texte original ancien et la traduction en japonais moderne d'Akiko Yosano.  La seule traduction française disponible à ce jour est celle de René Sieffert, en deux parties, « Magnificence » et « Impermanence ». Une nouvelle traduction est en cours, mais devrait prendre plusieurs années, en raison de l'ampleur du travail à accomplir.  Une édition illustrée de cette traduction est disponible, accompagnée de 500 illustrations de la peinture japonaise du et d'un commentaire iconographique pour chaque illustration. L'édition intitulée "Le Dit du Genji de Murasaki-shikibu illustré par la peinture traditionnelle japonaise" compte trois volumes, ainsi qu'un livret intitulé "À la découverte du Dit du Genji", sous coffret illustré, pages, valisette de transport, Éditions Diane de Selliers, 2007 ; et une version en plus petite taille. Le choix du corpus d'images ("genji-e"), ainsi que tous les commentaires de cette édition, sont l'œuvre d'Estelle Leggeri-Bauer, maître de conférence à l'INALCO.

Inspiration dans les arts.

En peinture.

Le "Dit du Genji" a été un thème favori de la peinture japonaise, notamment dans le mouvement du "yamato-e" à l'époque de Heian, la peinture sur panneaux de l'école Tosa ou des estampes "ukiyo-e". Minamoto no Morotoki mentionne déjà des peintures inspirées du "Genji" en 1119 ; la plus ancienne œuvre conservée reste les "Rouleaux illustrés du Dit du Genji" (env. 1120-1140), un "emaki" typique de l'art de la Cour de Heian, caractérisé par ses pigments riches apposés sur toute la surface du papier ("tsukuri-e") et une atmosphère nostalgique, intimiste, suspendue dans le temps. Plusieurs autres adaptations sur rouleaux, panneaux ou paravents sont mentionnées à l'époque de Kamakura, mais le thème devient réellement classique à l'époque de Muromachi (- siècles). Ainsi, les figures les plus influentes comme Oda Nobunaga commanditent des peintures du "Genji" ; de nombreux exemplaires des écoles Tosa et Kanō demeurent de nos jours. Ces peintures sont généralement désignées sous le terme générique de "Genji-e" (littéralement « peinture de Genji »).  À l'occasion de l'édition d'une version du "Dit du Genji" illustrée, Diane de Selliers a parcouru le monde pendant sept ans afin de retrouver les œuvres disséminées dans des collections privées, des musées, des temples. Son édition permet au lecteur de s'approprier visuellement ce monde de la cour impériale japonaise et les commentaires des œuvres présentées sont une aide non négligeable à la compréhension de cette œuvre fleuve

Culture contemporaine.

Le "Dit du Genji" reste un thème populaire au. Plusieurs mangas s'en inspirent, partiellement ou intégralement, comme "Asaki yume mishi" de Waki Yamato, ou les œuvres homonymes de Miyako Maki, Hōsei Hasegawa ou Tatsuya Egawa.  Au cinéma, "Le Roman de Genji" (1951) est un film de Kōzaburō Yoshimura qui propose une réinterprétation du thème classique ("bunga-eiga", genre cinématographique inspiré par la littérature), mélangeant clairement les cultures médiévales et contemporaines. Dans le monde des "animes" figure aussi le film d'animation expérimental de Gisaburō Sugii : "Le Roman de Genji" (1987) ; une autre adaptation de 2009 par le studio TMS Entertainment-Tezuka Productions s'intitule "Genji monogatari sennenki", série en onze épisodes,  Au théâtre, certains des chapitres les plus célèbres, comme "Yugao" ou "Suhetsumuhana" (« La Fleur de safran »), ont été adaptés par des metteurs en scène contemporains, japonais ou occidentaux.  Le personnage de jeu vidéo Genji d'Overwatch édité par Blizzard est inspiré par ce récit, en effet en plus de partager leur nom, le personnage de jeu vidéo se retrouve dans une lutte concernant la succession à la tête de son clan entre lui et son frère. Le verso des billets de 2.000 yens représente une scène du Dit du Genji et un portrait de Murasaki Shikibu.

Le est une œuvre considérée comme majeure de la littérature japonaise du, attribuée à Murasaki Shikibu. Comme avec la plupart des ouvrages de l'époque de Heian, le Dit du Genji a probablement été écrit principalement (ou peut-être entièrement) en caractères "kana" (écriture phonétique japonaise) et non en caractères chinois, car il a été écrit par une femme pour un public féminin.

Genji Monogatari (japanisch, „Die Geschichte vom Prinzen Genji“) ist der erste psychologische Roman der japanischen Literaturgeschichte und wird der Hofdame Murasaki Shikibu (ca. 978–1014) zugeschrieben. Gelegentlich wird er als der erste Roman überhaupt angesehen, was jedoch umstritten ist. Die "Geschichte vom Prinzen Genji" hat einen festen Stellenwert in der japanischen Kultur und gilt als ein Werk von herausragendem Rang.


Biographie.

Aishwarya Rai naît à Mangalore dans l'état du Karnataka, le. Issue d'une famille aisée, elle est la fille du biologiste marin Krishnaraj Rai et de l'écrivaine Vrinda Rai. Elle a un frère aîné, Aditya Rai, ingénieur dans la marine marchande. À la fin des années 1970, la famille Rai emménage définitivement à Bombay. Aishwarya Rai fait ses études intermédiaires au Jai Hind Collège pendant un an, puis rejoint le Ruparel Collège à Matunga, où elle obtient 90% aux examens d'HSC.

Éducation.

Adolescente, Aishwarya Rai suit des cours de musique et de danse classique Bharatanatyam pendant cinq ans. Sa matière préférée étant la zoologie, elle envisage d'abord des études de médecine, mais commence des études à l'école d'architecture Rachana Sansad à Mumbai, qu'elle abandonne pour devenir mannequin.

Miss Monde.

En 1991, Aishwarya Rai remporte un concours international de super-model (organisé par Ford) et est présentée dans l'édition américaine de Vogue. En 1993, elle gagne une énorme reconnaissance publique pour son apparition dans un spot publicitaire de Pepsi avec les acteurs Aamir Khan et Mahima Chaudhry. La seule ligne - « Salut, je suis Sanjana », de son dialogue la rend instantanément célèbre. En 1994, elle s'inscrit au concours de Miss Inde dans lequel elle termine première dauphine, derrière Sushmita Sen. Elle décroche également cinq autres titres, dont « Miss Catwalk », « Miss Miraculeuse », « Miss Photogénique », « Miss Perfect Ten » et « Miss Populaire ». Alors que Sushmita Sen, élue Miss Inde représente l'Inde au concours de beauté international de Miss Universe, Aishwarya Rai en tant que première dauphine représente l'Inde au concours de Miss Monde se tenant cette année-là à Sun City, Afrique du Sud. Elle remporte le titre de Miss Monde en même temps que le titre de Miss Monde Continentale Reine de Beauté - Asie et Océanie. Après sa victoire, Aishwarya Rai parle de son rêve pour la paix dans le monde, et son désir d'être ambassadrice de paix pendant son règne à Londres. Puis elle continue à poursuivre entièrement une carrière comme mannequin jusqu'à ce qu'elle devienne actrice.

Carrière.

Percée : 1997-1998.

En 1997, Aishwarya Rai joue dans "Iruvar", un drame politique tamoul dans lequel elle tient le double rôle de Pushpavalli/Kalpana. Son dialogue a été doublé par l'actrice Rohini, en raison de son faible niveau en tamoul. Le film reçoit des critiques particulièrement positives et remporte plusieurs distinctions dont celui du meilleur film au Festival international du film de Belgrade.  La même année, grâce à "Aur Pyar Ho Gaya", son premier film en hindi dans lequel Bobby Deol est son partenaire, elle remporte le Star Screen Award du meilleur espoir féminin bien que le film réalise des résultats médiocres au box-office.  En 1998, elle connait son premier grand succès avec la comédie romantique "Jeans" réalisé par S. Shankar. Elle incarne Madhumita, une jeune femme qui accompagne sa grand-mère malade aux États-Unis pour obtenir des soins médicaux. Le film a valu à Aishwarya Rai qu'on lui fasse des éloges sur ses talents d'actrice et de danseuse. Le film représente l'Inde aux Oscar du meilleur film en langue étrangère. En 1999, son premier grand rôle a été dans le mélodrame "Aa Ab Laut Chalen", réalisé par Rishi Kapoor. Le film a été un échec critique et eut une audience inférieure à la moyenne au box-office.

Succès et reconnaissance publique : 1999-2003.

En 1999, Aishwarya Rai joue dans "Hum Dil De Chuke Sanam", un film dramatique romantique, réalisé par Sanjay Leela Bhansali. Il raconte l'histoire d'une jeune femme, Nandini, contrainte de se marier à Vanraj (Ajay Devgan) qui essaie de conquérir son amour bien qu'elle en aime un autre (Salman Khan). Succès critique et populaire, placé troisième au box-office indien de 1999, qui lui permet d'être reconnue pour ses qualités de comédienne et non plus uniquement pour sa beauté. La même année, elle joue avec Anil Kapoor dans "Taal" (Subhash Ghai) qui reçoit de bonnes critiques et dont la faible audience en Inde est compensée par la réussite à l'étranger. En 2000, elle apparaît dans "Josh" (Mansoor Khan), succès commercial supplémentaire avec de recette. La même année, on la voit dans le film de Satish Kaushik, "Hamara Dil Hai Paas Aapke" de nouveau avec Anil Kapoor, puis dans "Mohabbatein" (Aditya Chopra). Elle joue également dans l'adaptation tamoule de "Raison et Sentiments" par Rajiv Menon, "Kandukondain Kandukondain", aux côtés de Mammootty, Ajith Kumar et Tabu.

Devdas et reconnaissance internationale : depuis 2002.

En 2002, elle est l'actrice principale de "Devdas". Ce film, contant l'histoire d'une jeune fille d'origine modeste ne pouvant épouser son amoureux à cause des différences de niveau social, est le plus gros succès de l'année en Inde et remporte plusieurs prix. En particulier, il vaut à Aishwarya Rai le Filmfare Award de la meilleure actrice. "Devdas" est également un succès public et critique à l'étranger où il est nommé aux Oscars et aux BAFTA ; en compagnie de l'autre tête d'affiche, Shahrukh Khan, et du réalisateur, Sanjay Leela Bhansali, elle vient le présenter hors compétition au Festival de Cannes. Continuant son ascension, Aishwarya Rai est l'année suivante la première actrice indienne membre du jury du Festival de Cannes.  En 2003, Aishwarya Rai tourne dans le thriller "Dil Ka Rishta" ; le film est un flop critique et commercial. Toujours la même année, elle tourne dans "Kuch Naa Kaho" aux côtés de son futur mari Abhishek Bachchan mais le film est un échec au box office.  En 2004, elle est la première actrice indienne à avoir sa statue chez Madame Tussauds, le musée de cire de Londres. Elle est ensuite à l'affiche d'une production anglo-indienne, adaptation par Gurinder Chadha d"'Orgueil et préjugés", intitulée "Bride and Prejudice" ("Coup de foudre à Bollywood"), qui obtient un certain succès au box office, et du film hindi "Khakee" à la distribution impressionnante.  En 2005, Aishwarya Rai tourne dans deux films : "Shabd", film de Bollywood, et "The Mistress of Spices", film international, qui sont des échecs commerciaux et critiques. En 2006, Aishwarya Rai est à l'affiche d"'Umrao Jaan" ; le film est un flop majeur au box office. Cependant, elle termine l'année 2006 avec brio avec le film Dhoom 2 qui sera l'un des plus gros succès de 2006. En 2007, elle tourne dans trois films : "Guru" de Mani Ratnam, "Provoked" de Jag Mundhra et "La Dernière Légion", une production hollywoodienne, signée Doug Lefler. Seul "Guru" connait un succès commercial.  L'année 2008 est plus probante, en effet on la voit dans deux films à succès, "Jodhaa Akbar" aux côtés de Hrithik Roshan et "Sarkar Raj" de Ram Gopal Varma avec Amitabh et Abhishek Bachchan et suite de "Sarkar". En 2009, Aishwarya Rai tourne de nouveau dans un film occidental, "La Panthère rose 2" qui ne rencontre qu'un succès mitigé. En 2010, Aishwarya joue dans deux films de Mani Ratnam tournés simultanément, "Raavan", version hindi, et "Raavanan", version tamoule, dont seule la seconde suscite les faveurs du public et des critiques. Toujours la même année, Aishwarya Rai apparaît dans le film tamoul "Endhiran" ("Robot") qui devient l'un des plus grands succès de l'industrie du Sud. Puis Aishwarya tourne dans "Action Replayy" et "Guzaarish" pour lequel elle est encensée par la critique pour son interprétation de l'infirmière de Hrithik Roshan et reçoit une nomination aux Filmfare Awards 2011 de la meilleure actrice pour la neuvième fois de sa carrière. Elle participe à "Bollywood, The Greatest Love Story Ever Told" de Rakeysh Om Prakash Mera et Jeff Zimbalist, un documentaire qui revient sur Bollywood, ses acteurs et ses films, projeté hors compétition lors des festivals de Cannes 2011 et 2013.  En, elle est invitée avec son mari à la cérémonie des Oscars. Elle interrompt sa carrière à la naissance de sa fille mais de nombreuses propositions de script lui parviennent toujours, laissant supposer un retour sur les plateaux de cinéma.  En effet, à la fin de 2014, elle annonce son retour à Bollywood. Avec tout d'abord, "Jazbaa", réalisé par Sanjay Gupta, elle a comme partenaire Irrfan Khan. Le film sort le, il reçoit de bonnes critiques et connait un relatif succès au box-office. En 2016, Aishwarya Rai Bachchan joue dans le film retraçant la vie de Sarabjit Singh qui sera joué par Randeep Hooda, elle campe quant à elle le rôle de la sœur de ce dernier. Le film sort en avec une projection à Cannes notamment Enfin elle tourne dans le film romantique, "Ae Dil Hai Mushkil", dirigé par Karan Johar avec Ranbir Kapoor et Anushka Sharma, sorti le. Le film s'avère être un succès au box-office indien et à l'international.  Aux côtés d' Anil Kapoor et de, elle participe en 2018 au film. Ce film traite de la quête du succès musical d'un père pour sa fille. Ce film, dans lequel Aishwarya joue une chanteuse vedette, est un flop au box-office.  En 2019, elle prête sa voix à Maléfique, dans le cadre de la sortie en langue hindi du second opus de la saga intitulé. Cette même année, elle confirme sa participation dans un double-rôle, au film. La sortie de ce film est prévue pour 2021.

Hors du cinéma.

Langues.

Outre sa langue maternelle, le toulou (langue dravidienne du Karnataka), Aishwarya Rai parle plusieurs langues indiennes : l'hindi, le tamoul, l'ourdou, le télougou, le marathi ainsi que l'anglais. L'actrice a joué dans plusieurs langues au fil de sa carrière.

Vie privée.

Aishwarya Rai entretient pendant trois ans une relation avec Salman Khan qui se termine du fait des violences physiques et verbales présumées de ce dernier. Elle entame alors une brève idylle avec Vivek Oberoi.  Le, elle épouse Abhishek Bachchan, acteur de Bollywood et fils de l'actrice Jaya Bachchan et du légendaire Amitabh Bachchan. En, ce dernier annonce sur Twitter qu'Aishwarya est enceinte. Le, à l'hôpital privé Seven Hills de Mumbai, elle accouche d'une fille nommée Aaradhya.

Autres activités.

En plus de son activité d'actrice, Aishwarya Rai est l'égérie de Longines depuis 1999 et de l'Oréal depuis 2003, ce qui l'amène régulièrement au festival de Cannes. Fin 2010, elle est au centre d'une polémique car elle accuse l'édition indienne de "Elle" d'avoir blanchi sa peau sur la couverture du numéro de du magazine. Elle est en 2012, nouvelle égérie de Kalyan Jewellers, une marque de bijoux renommée en Inde.  Aishwarya Rai est en 2011, ambassadrice de bonne volonté pour l'association Smile Train qui aide à fournir gratuitement une chirurgie labiale à des enfants dans 76 pays en développement, y compris l'Inde. En, le Programme commun des Nations unies pour la lutte contre le VIH/sida (ONUSIDA) nomme Aishwarya Rai Bachchan comme ambassadrice itinérante internationale. Elle a pour tâche principale d'améliorer la prise de conscience des mesures à prendre pour éviter les nouvelles infections par le virus VIH et de plaider en faveur d'un accès accru aux traitements antirétroviraux. En 2013, Aishwarya Rai fait son entrée au Musée Grévin Montréal.

Distinctions.

Aishwarya Rai domine les récompenses et les nominations en Inde et à l'étranger, tout au long de sa carrière d'actrice et de mannequin. Sacrée Miss Monde en 1994. Elle a reçu plus de 10 prix aux Filmfare Awards dont "Hum Dil De Chuke Sanam" en 1999 et Devdas en 2002. En 2009, elle reçoit le Padma Shri, haute distinction en Inde, et elle est élevée au rang de Chevalier de l'Ordre des Arts et des Lettres, le jeudi à Bombay, pour son « "inestimable contribution au monde du cinéma et au développement de la coopération franco-indienne dans le cinéma, l'art et la culture" ». Elle a également été élue « plus grande actrice de tous les temps de l'Inde » dans un sondage national de CNN-IBN, effectué en 2013.

Aishwarya Rai ou Aishwarya Rai Bachchan, née le à Mangalore (Karnataka), est une actrice et mannequin indienne, élue Miss Monde 1994.

Aishwarya Rai Bachchan oder Aishwarya Bachchan (geboren als "Aishwarya Rai"; Tulu: ಐಶ್ವರ್ಯಾ ರೈ ; * 1. November 1973 in Mangalore, Karnataka) ist ein indisches Model und Schauspielerin. Sie gewann die Miss-World-Wahl 1994.


Géographie.

Le Purtschellerhaus se trouve sur l'Eckerfirst, un contrefort à d'altitude, voie d'accès au Hoher Göll en passant par l’Eckersattel () et l'Ahornbüchsenkopf (). Il se situe au-dessus du bassin de Berchtesgaden (ouest-nord-ouest) et de la vallée de la Salzach (est).  La partie occidentale du bâtiment appartient à l'Allemagne et se situe dans une petite enclave de la Marktgemeinde de Berchtesgaden. La partie orientale du refuge se trouve dans la municipalité autrichienne de Kuchl.

Histoire.

La construction du Purtschellerhaus commence en 1899 et son inauguration a lieu le. À l'origine, le refuge s'appelle « refuge du Hohen Göll de la section de Sonneberg ». Ludwig Purtscheller, l'un des alpinistes les plus importants de l'époque, décède peu de temps avant l'ouverture. La section de Sonneberg décide alors de le baptiser en son honneur.  En 1909, les locaux sont devenus trop étroits et le refuge est agrandi par une extension. En 1937, à la suggestion de la section de Sonneberg, le tracé exact de la frontière près de la cabane est déterminé. Un tiers du refuge se situe en Allemagne et les deux tiers en Autriche. On traverse donc la frontière entre l'Allemagne et l'Autriche entre l'ancien restaurant et les toilettes, indiquée par une ligne de couleur au sol. Le Purtschellerhaus doit également cet emplacement unique à une augmentation du nombre de visiteurs après la fin de la Seconde Guerre mondiale. Comme les Alliés n’autorisent pas encore le trafic frontalier entre les deux pays, certaines personnes ne peuvent se rencontrer et parler que légalement dans le refuge. Un mariage bilatéral a même lieu ici à cette époque.  Pendant la période d'après-guerre, la maison est gérée par la section de Berchtesgaden. En 1959, la section de Sonneberg reprend le contrôle de l’administration après son déménagement à Cobourg en Haute-Franconie.

Sites à proximité.

Selon l'UIAA, il existe des voies d'escalade aux niveaux de difficulté 3 à 5.

Le Purtschellerhaus est un refuge de montagne du Club alpin allemand dans les Alpes de Berchtesgaden, qui se situe sur le Hoher Göll, à la frontière entre l'Autriche (land de Salzbourg) et l'Allemagne (Bavière).

Das Purtschellerhaus ist eine Alpenvereinshütte in den Berchtesgadener Alpen, die am Hohen Göll auf der Grenze der Bundesländer Bayern (Deutschland) und Salzburg (Österreich) auf steht.


Biographie.

Pietro Ziani est issu d'une très riche famille ; rapidement, il entreprend une importante carrière politique qui le fait élire podestat, il est par ailleurs comte, conseiller ducal, chef d'armée.  Sa grand compétence et sa noblesse d'esprit le mettent en avant, lui permettant d'acquérir du prestige et de l'influence. Avec les années, sa réputation d'homme sage et pondéré croit et il est souvent appelé à réconcilier les partis qui s'opposent. Il épouse "Maria Baseggio", (1180-1209), puis "Constanza de Hauteville"(°1178), fille du roi "Tancrède de Sicile". Il a un fils et deux filles.

Le dogat.

Le doge Dandolo meurt à Constantinople en, mais la nouvelle arrive à Venise seulement en août. C'est alors que Pietro Ziani, qui vient de prendre le titre de comte d'Arbe, est élu.  Sous son règne s'organisent progressivement les rapports entre la métropole de Venise et les nouveaux territoires annexés lors de la conclusion de la croisade. Entre 1207 et 1210, Corfou, Modon, Coron et l'île de Crète font partie intégrante des territoires vénitiens de la Méditerranée orientale.  Ziani réorganise la ville ainsi que l'administration judiciaire, instituant de nouvelles magistratures. Venise se transforme d'une puissante cité-État en empire maritime.  En 1214, Venise est en guerre avec Padoue qu'elle vainc sans difficultés diplomatiques en raison surtout des accords commerciaux et politiques avec l'empereur Frédéric II et du pape.  Le dogat se passe assez tranquillement même si, au cours des dernières années, le doge montre toujours moins d'intérêt pour la vie politique, peut-être en raison de son âge. En, volontairement ou non, comme certains le suggèrent, il décide d'abdiquer. À l'image de son père, Sebastian, il prend la décision de se retirer dans le couvent de Saint-Georges-le-Majeur, où il meurt le suivant. Selon certains, la preuve de sa destitution est le fait qu'il refuse de rencontrer son successeur, Jacopo Tiepolo qui est élu le, n'en reconnaissant pas la légitimité.

Pietro Ziani, né en 1170 et décédé en 1229, est le doge de Venise, élu en 1205. Pietro Ziani est le fils du doge Sebastian Ziani et un éminent homme état. Pour son élection, il prend le risque de provoquer une guerre avec son opposant mais il réussit à résoudre la situation en sa faveur. Homme de poigne, digne successeur du doge Enrico Dandolo, il abdique en février 1229 et il se retire, jusqu'à sa mort, dans un monastère.

Pietro Ziani (* ca. 1153/1155; † 14. März 1229 in Venedig), der Sohn Sebastiano Zianis, war von 1205 bis 1229 der 42. Doge von Venedig.


Biographie.

Né en 1844 à Constantinople, était le fils du sultan et de Gulcemal. Il accède au trône sans aucune expérience politique à l'âge de le à la suite de la déposition de son frère aîné. Il vécut à Istanbul, dans le palais de Yıldız.  Sous son règne se déroulèrent le massacre des Arméniens en 1909 à Adana, la guerre italo-ottomane de 1911-1912 (perte de la Libye et du Dodécanèse par l'Empire ottoman), la Première Guerre balkanique de 1912 (perte de l'Albanie, de la Macédoine, de la Thrace, de la Roumélie), et la Première Guerre mondiale, au cours de laquelle le régime des Jeunes-Turcs commet le génocide arménien, le génocide assyrien et le début du génocide grec pontique. Le nombre de morts du génocide arménien et assyro-chaldéen est généralement estimé entre 600 000 et 900 000 morts.  Pour l'Empire ottoman, l'issue de la Première Guerre mondiale risque d'être son démembrement car allié aux Austro-Hongrois et aux Allemands, il se trouve dans le camp des vaincus. Le traité de Sèvres est extrêmement sévère : les territoires à majorité arabe (Syrie, Palestine, Liban, Mésopotamie, Hedjaz, Asir, Yémen) sont détachés de l'Empire et ceux du croissant fertile sont placés par décision de la Société des Nations sous mandats britannique et français (voir accord Sykes-Picot) ; la côte égéenne est occupée par les Grecs et les Italiens ; les détroits des Dardanelles et du Bosphore échappent à la souveraineté turque ; la majeure partie de la Thrace devient grecque ; l'Arménie au nord-est se détache ; un Kurdistan est envisagé à l'est et des zones d'influence sont définies en Anatolie même. L'Empire ne conserve sa pleine souveraineté qu'en Anatolie centrale et septentrionale. Pour avoir signé pareil traité, le sultan perd toute légitimité aux yeux de la population et de l'armée.  Il meurt avant la fin de la guerre, le. Sa tombe se trouve dans l'actuel district stambouliote d'Eyüp. Il laissa deux fils, le prince (1873-1938) et le prince (1888-1935).

Mehmed ou Mehmed V Reşad (en turc ottoman : محمد خامس, "Meḥmed-i ẖâmis" ; en turc : "Beşinci Mehmet Reşat"), né le à Constantinople et mort le dans la même ville, est sultan ottoman et calife de l'Islam du à sa mort.

Mehmed V. Reşad – genannt auch "Mohammed V." – (* 2. November 1844 in Istanbul; † 3. Juli 1918 ebenda) war vom 27. April 1909 bis zu seinem Tod Sultan des Osmanischen Reiches und Kalif der Muslime. Er folgte seinem Bruder Abdülhamid II. nach, der zuvor von den Jungtürken zum Rücktritt gezwungen worden war. Unter seiner Herrschaft wurde das Reich in den Ersten Weltkrieg verstrickt.


Histoire.

Découverte.

Sir James Clark Ross découvre ce qu'il croit être une partie de la Terre Victoria en 1841 ( à cause de la calotte glaciaire), et nomme ses deux volcans d'après le nom des deux navires de l'expédition, l’HMS "Erebus" et l’HMS "Terror".

Base des expéditions britanniques.

Robert Falcon Scott baptise l'île en 1902, lors de l'expédition Discovery, en l'honneur de son découvreur.  Elle a été utilisée comme base de départ pour plusieurs expéditions des débuts de l'exploration de l'Antarctique. Scott considérera l'île comme son « fief personnel » et son utilisation pour l'expédition Nimrod par Ernest Shackleton sera à l'origine d'un conflit entre les deux explorateurs. L' expédition Terra Nova (où Scott trouva la mort) et l'expédition Endurance (de Shackleton) suivront. Les abris construits par Scott et Shackleton, au "cap Evans", à "Hut Point" et au cap Royds sont encore visibles et sont préservés en tant que témoignage historique.  Le choix de l'île pour l'implantation de bases antarctiques et le départ d' expéditions vient notamment du fait qu'elle est et reste l'île méridionale la plus accessible par la mer.

Revendication.

L’île de Ross appartient à la Dépendance de Ross, zone territoriale revendiquée par la Nouvelle-Zélande. Cette revendication n'est pas reconnue par la plupart des autres pays.

Géographie.

L’île est située dans la mer de Ross et elle est séparée du continent par le détroit de McMurdo (à l'ouest), large de. La longueur de l’île, dans une direction est-ouest, est d'environ ; elle s'étend sur près de du "cap Bird" (au nord) au "cap Armitage", situé à l’extrémité méridionale de la "péninsule de la Pointe de la cabane" (celle de Scott). La superficie de l’île est de.  Le relief de l’île est dominé par les deux volcans, le mont Erebus () à l'est, et le mont Terror () à l'ouest. Les autres élévations de l'île sont le mont Bird (), le mont Terra Nova () et le (), d'autres volcans. Avec l"'Erebus", Ross est la la plus élevée au monde.

Climat.

Le climat est polaire d'inlandsis (très froid toute l'année)

Installations.

De nos jours, l’île de Ross abrite deux bases proches de quelques kilomètres, implantées sur la côte à l'extrémité sud de l'île, de part et d'autre du cap Armitage :  Entre 1987 et 1992, l’île a également abrité la World Park Base, une implantation de Greenpeace.

Faune.

À l’est de l’île, près du cap Crozier, se trouvent des aires de reproduction du manchot Adélie et du manchot empereur ; c'est une zone spécialement protégée (zone 6) par accord international : toute traversée de la zone, ou survol, sont interdits.

Lîle de Ross est une île volcanique de la mer de Ross, dans l’océan Antarctique. Elle fait face à la chaîne du Prince-Albert, située entre la Terre Victoria et la, dans la chaîne Transantarctique.

Die Ross-Insel ist eine 2460 km2 große vulkanische Insel im Rossmeer der Antarktis, nahe der Küste von Viktorialand. Sir James Clark Ross entdeckte sie 1841; Robert F. Scott benannte diese Insel nach ihm. Ross benannte mit Mount Terror und Mount Erebus zwei der drei Vulkane auf der Insel nach seinen Schiffen HMS "Terror" und HMS "Erebus". Der dritte Vulkan heißt Mount Bird und befindet sich auf der nördlichen Halbinsel, die am Kap Bird endet. Nur Mount Erebus ist heute noch aktiv.


Histoire.

Le Petén fut un foyer d'architecture rituelle de la civilisation maya autour de 500 avant notre ère. El Mirador est le site le plus important de l'ère maya préclassique; Civall en est un autre exemple. Plus tard, le Petén devint un foyer de la civilisation maya classique (200-900). Autour de 750, on estime la population du Petén à plusieurs millions de personnes, faisant de la région une des plus peuplées à l'époque. Des estimations vont jusqu'à. L'agriculture était très extensive et on dispose d'indices montrant que la région fut ruinée par une gestion non durable des ressources. La famine qui suivit fut un facteur important de l'effondrement des États mayas de la région. On évalue une diminution de population de 2/3 entre les milieux du.  D'importantes traces de la civilisation maya classique subsistent à Tikal, Holmul, Machaquila, Naranjo, Nakum, Piedras Negras, Ceibal, Uaxactun, Yaxha et Naachtun.  Après l'effondrement de la période classique, la population continua à baisser, surtout après l'introduction de la variole par les explorateurs européens. Cette maladie arriva autour de 1519-1520, quelques années avant l'arrivée des premiers européens. Hernán Cortés dirigeait la première expédition à traverser le Petén en 1524-1525 et rapporta que la région était surtout composée de petits hameaux isolés par d'épaisses forêts. Tayasal était la seule grande ville.  Le Petén ne reçut plus de visite après l'expédition de Cortés jusqu'à ce qu'une expédition partie du Yucatán réussisse à conquérir Tayasal, le dernier État maya indépendant à la fin du.  La ville espagnole de Flores fut fondée sur le site de Tayasal, mais elle resta très isolée durant la période coloniale et après l'indépendance du Mexique et de l'Amérique centrale. Lorsque, dans les années 1840, le président du Guatemala Rafael Carrera envoya une petite force militaire à Flores pour réclamer la souveraineté sur la région, le gouvernement du Mexique et du Yucatan décidèrent que la région ne valait pas la peine de contester.  Dans les années 1960, le gouvernement du Guatemala offrit des terres du Petén à tous les citoyens désireux de s'établir et de payer une redevance de $25. Une route non pavée vers Flores fut tracée et le trajet de jusque Flores prenait jusque 24 heures. Des petits aéroports furent construits à Flores et Tikal, amenant des touristes vers la région. Au début des années 1970, une route fut construite entre Tikal et Belize.  La première rue pavée du Petén fut construite en 1982.  En 1982, sous le régime du général putschiste Efrain Rios Montt, des troupes gouvernementales massacrent 201 paysans dans un village du département.  Depuis les années 1990, de nombreux colons sont venus s'installer dans la région, causant un important phénomène de déforestation.

Environnement.

Les forets du département ont perdu 35 % de leur superficie entre 1990 et 2016.

Municipalités.

Le Petén comprend les municipalités suivantes, avec leur population en 2000 :

Le département du Petén (en ) est l'un des 22 départements du Guatemala. C'est le département le plus au nord du pays et aussi le plus grand, comptant pour près d'un tiers du territoire guatémaltèque avec une superficie de près de. Il se situe sur une partie de la frontière avec le Mexique et le Bélize. La capitale est Flores, située près de l'ancienne cité de Tikal. La population était en 2007 d'environ personnes vivant dans des localités disséminées à travers de vastes étendues de forêt vierge.

Petén ist das nördlichste der 22 Departamentos von Guatemala. Mit 35.854 km2 umfasst es knapp ein Drittel der Fläche Guatemalas und ist somit das mit Abstand größte Departamento des Landes. Petén bildet auf Grund seiner territorialen Ausdehnung zugleich eine der acht Regionen, in die Guatemala zu Zwecken der Raumordnung und Wirtschaftsplanung unterteilt ist. Petén hat etwa 760.400 Einwohner und ist damit das am dünnsten besiedelte Departamento Guatemalas. Es gilt als das Ursprungsgebiet der Maya. Die Hauptstadt Peténs ist Flores.


Chapitres.

Prologue : Récits dans le sable.

Crayonné de Mike Dringenberg ; encrage de Malcolm Jones III ; couleurs de Robbie Busch. Titre original : "Tales in the Sand."  Deux hommes d'une tribu se rendent dans le désert : un homme âgé accompagne un jeune homme qui vient de devenir adulte, pour compléter son rite de passage par une histoire qui se transmet de génération en génération, l'histoire de Nada, autrefois reine d'un royaume florissant. Nada tomba une nuit amoureuse d'un étrange inconnu, le poursuivit, mais le fuit dès qu'elle découvrit qu'il s'agissait de Dream. Celui-ci, refusant d'accepter la fuite de Nada, la convainquit de l'accepter, mais leur nuit d'amour provoqua la ruine du royaume de Nada, brûlé par une étoile et changé en désert dans la nuit, les habitants dispersés devenant les ancêtres de la tribu du désert. Consternée par cette conséquence, parfaitement consciente qu'aimer l'un des Éternels ne peut que lui apporter plus de souffrance encore, Nada se jette du haut d'une falaise. Dream tente de convaincre son fantôme d'accepter de l'épouser, mais elle refuse, blessant son orgueil. Il la menace alors d'une éternité en enfer si elle le rejette encore. L'histoire se termine alors que le vieil répond au jeune homme qui l'interroge sur la réponse de Nada, que celle-ci a refusé.  Le prologue est un prélude à "La Saison des brumes", et n'est pas connecté directement avec les autres chapitres, si ce n'est que l'influence de Desire y est également perceptible.

Chapitre 1 : La maison de poupée.

Crayonné de Mike Dringenberg ; encrage de Malcolm Jones III ; couleurs de Robbie Busch. Titre original : "The Doll's House."

Chapitre 2 : L'emménagement.

Crayonné de Mike Dringenberg ; encrage de Malcolm Jones III ; couleurs de Robbie Busch. Titre original : "Moving In."

Chapitre 3 : La maison de jeu.

Crayonné de Chris Bachalo ; encrage de Malcolm Jones III ; couleurs de Robbie Busch. Titre original : "Playing House."

Chapitre 4 : Des hommes de bonne fortune.

Traduction alternative : Hommes de bonne-encontre ; crayonné de Michael Zulli ; encrage de Steve Parkhouse ; couleurs de Robbie Busch. Titre original : "Men of Good Fortune."  Dans une taverne anglaise en 1389, les gens bavardent des impôts trop chers, des chômeurs fainéants ou de l'imminence d'une guerre à venir. Deux pâles personnages entrent et commandent une consommation. Il s'agit de Death et de Dream, l'une encourageant l'autre à s'enquérir des tracas quotidiens des hommes dont il contribue à façonner les rêves. Ils entendent un jeune homme aviné qui prétend qu'il n'a aucine intention de mourir, et que les hommes ne meurent que parce qu'ils le veulent. Dream intervient alors et lui donne rendez-vous cent ans plus tard dans la même taverne. En 1489, le jeune homme, dénommé Hob Gadling, revoit Dream avec méfiance. Il demande s'il n'a pas fait un pacte avec le diable. Ce à quoi Dream répond par la négative.  À chaque fin de siècle, les deux personnages se revoient, et à chaque occasion, Hob répète sa volonté de continuer à vivre, même en 1689, quand Hob est devenu un mendiant affamé. Le siècle suivant, en 1789, « Robert Gadlen » est redevenu riche grâce à la traite des esclaves, ce que Dream réprouve. Soudain, ils sont accostés par Lady Johanna Constantine qui déclare avoir ouï dire que le diable rencontrait le juif errant chaque siècle dans une taverne et tente de les enlever. Dream les sort d'affaire en endormant Johanna avec un sac de sable. Un siècle plus tard, en 1889, Hob s'interroge pourquoi Dream tient à le rencontrer tous les cent ans. Il a remarqué qu'il n'était pas le seul à être âgé de plusieurs siècles. Il en arrive à la conclusion que Dream se sent seul et a besoin d'un ami. Dream prend la chose comme une grave offense et s'en va, outré qu'on puisse dire qu'il se lie d'amitié à un mortel.  En 1989 dans un bar, les gens bavardent des impôts trop chers, des chômeurs fainéants ou de l'imminence d'une guerre à venir. Hob est soulagé de voir arriver Dream qui lui dit « on m'a toujours dit qu'il était impoli de faire attendre un ami ».

Chapitre 5 : Les collectionneurs.

Crayonné de Mike Dringenberg ; encrage de Malcolm Jones III ; couleurs de Robbie Busch. Titre original : "Collectors."

Chapitre 6 : Dans la nuit.

Crayonné de Mike Dringenberg avec l'aide de Sam Kieth ; encrage de Malcolm Jones III ; couleurs de Robbie Busch. Titre original : "Into the Night."

Chapitre 7 : Cœurs perdus.

Crayonné de Mike Dringenberg ; encrage de Malcolm Jones III ; couleurs de Robbie Busch. Titre original : "Lost Hearts."

La Maison de poupée "()" est le deuxième tome de l'anthologie de la série de bandes dessinées "Sandman", écrite par Neil Gaiman et publiée par DC Comics. Cet album regroupe les numéros 9 à 16 de la série, illustrés par Mike Dringenberg, Malcolm Jones III, Chris Bachalo, Michael Zulli, Steve Parkhouse, coloriés par Robbie Bush. Dans la version française, la traduction est d'Anne Capuron et le lettrage de Alessandro Benedetti.

Das Puppenhaus (Originaltitel "The Doll’s House") ist die zweite Sammlung von Graphic Novels der Comic-Serie "The Sandman", veröffentlicht von DC Comics. Sie beinhaltet die Ausgaben 9 bis 16. Die Serie wurde von Neil Gaiman geschrieben, von Mike Dringenberg, Malcolm Jones III, Chris Bachalo, Michael Zulli und Steve Parkhouse illustriert und von Todd Klein gelettert.