“艺术家及建筑家的整合一直是西方文化歷史中创造活力的来源。它们的合作是义大利文艺復兴的中心价值，同时，它们在城市当中所留下来的质理和它们在教堂以及宫殿中所留下的是一样的丰富。”（Petherbridge,1987:2）
台湾公共艺术在台湾的执行已经超过十年；尤其在近几年来各种论坛、研讨会不断，学者及专家们总希望在已经看来耗了最大气力，但是效果却不怎么彰显的公共艺术的执行及设计再加把劲。许多论及我们公共艺术未来的希望有的落在重新论述「公共艺术的时代意义」、有的则认为重建审核及其他配合法规的修正，有的则指向进一步「公民美学」的建立或是艺术家的道德及责任才是重点所在。
回溯公共艺术母法，1991年的「文化艺术奖助条例」之中确定了百分比条例；对于「公有建筑」、「供公众使用之建筑」、以及「重大公共工程」之经费的百分之一得作为公共艺术之设置经费。这项移植他国的条例（PercentforArtLaw,纽约市于1982实施）试图提升国内艺术贫乏的公共建筑及空间；而的确，我们的生活环境中被加上了不少被称为「公共艺术」的新设施。然而数年的实施结果并沒能太达到预期的效果，而其中最一项主要的缺失则是许「公共艺术」和环境并不怎么能融入。「融入」（integration）是个太过抽象的字眼，但让我们回到当时百分比条例订定时的参考对象--在「纽约市的艺术比例法」中，纽约文化事务局强调此法的目标在于「增加公共建筑以及社区建筑的美丽」，同时，「这些艺术品能融入建筑或是公共工程中，…且这些作品能够显示它们能够融入基地，并且将它们作为提升公共建筑及公共空间的品质。」很明显的，这份法规的原点在于提供更加与建筑、环境或空间结合的艺术作品，并因而提升空间品质。
回顾西方建筑（及「工程」-19世纪出现的新分类）及艺术史的发展，必定观察到建筑及艺术不可分割的关系；帕德农神殿上的装饰版（frieze）、中古世纪大教堂的立面雕饰、文艺復兴教堂内的灰泥画、巴洛克时期的建筑喷泉、甚至近代的毕尔包古根汉美术馆的造型都是其中代表。尽管有些艺术作品的出现具有极端「权力」的象徵，而不能称为具有广泛参与的「公共」意义，但其长时间的累积，也成就了生活中无所不在的艺术环境。整体而言，造就这种好的环境美学基点就是以建筑（及「工程」）作为主宰空间的物理基础。然而随着「现代」意义的辩论及执行，建筑已不再是主宰环境美学的唯一元素；当「社会思想」、「生态景观」、「地域思想」、「场域概念」等等观点进入空间美学的讨论之后，建筑除了「纪念碑」、「坟墓」之类的作品之外（这是AdolfLoos之说），已经不再独立撑构起空间美学整体论述的意义，它需要其他向度的合作。「空间是由环境及週遭所界定」的论述早已取代了「建筑就是空间」的过去观点。
「空间是由环境及週遭所界定」的想像主导了如今公共空间的观察；建筑虽还扮演空间艺术的价值，但建筑也应当寻求其他的协助来提升其价值及美感。公共艺术中的百分比精神就在一方面肯定建筑仍扮演的角色，但也在补足其在其它观点的不足。Miles就认为建筑及公共艺术的「共构」过程能让两者分享设计经验、技术及理念，这对于设计文化、美学经验的提升具有及大贡献。在台湾，Miles所说的「互相提升」观点遇到极大困难；原因在于这两个领域的创造「产业」（industry）及创造意义在我们的教育体系中不具有好的对话过去。台湾的建筑设计长时间被比较不具想像力的「计画」所绑架，而建筑师也只是努力的完成「功能」需求的交代；所以大部份的台湾公共建筑本身就不是艺术。然在另一方面，艺术家的训练及想像却是建立在自我价值呈现的追求，「自我」及「独立感」使其作品常成为「为自己而艺术」、「由艺术而自己」的「独立作品」（autonomouswork）。当这两个方向都以「自我」的方向作极大化的推展时，「合作」就不太可能存在。
公共艺术以及建筑创作无法「融合」的问题，其实就是如今整个「公共艺术」问题的「焦点问题」之一。由当年立法的迷思之一：「以公共艺术美化建筑」的概念，进展到如今「公共艺术」常被认为常是「百分之一百多馀」的批判，似乎公共艺术的问题之一便是打从一开始便认定这两种创作的独立性；同时，也多少暗示这两种产业的互不干涉性。这种剥离的心态的明显化以及多少的「各吹各的调」不仅减低了任一向创作的价值，甚至造成互相伤害。
实际上更加准确的说，这个「焦点问题」也并非真的「建筑vs.公共艺术」或是「公共艺术vs.建筑」的问题，而是这两方的设计的想像常被观察到落在封闭及单一的象限中，忽略了人类的创造在于创造的一个整体的空间文化体。「融合」（integration）基本上不是一个技术，而是一种价值；当「公共」的意义被衍申之时，所有的创作者都应理解到他的创作之于「整体」的意义，而这个「整体」所完成的是一个空间环境的「整体景观」（total-scape）。走在巴黎、费城、伦敦、维也纳的街道，公共艺术的呈现是整个空间环境「整体景观」的一部份；城市中不需要区分建筑、公共艺术、景观、及家具装置。「整体景观」便是人类「创作」（techne）建立起整体而非独立的环境整体，而任何单一领域创作的出现都是整体週遭的一部份–反映着时间及空间的意义。在如今面对公共艺术的问题时，或许更应回到这一份真诚的原点；如果我们能有一个以「融合」的计画及想像为基点、以创造「整体景观」为前提的公共艺术政策，所有的制度、法规、审查机制、创作意图、创作价值、以及作品或许都将找到最对的结果。
于是，当创作的「融合」（integration）感情阙如时，公共艺术与「建筑的融合」、与「环境的融合」、与「人民生活的融合」、与「区域价值的融合」的意义不存在，那么「公共艺术」的真意也就消失。「融合」的态度给予了整体性由人类的构造（fabrication）到地点（place）、到「人」面对面互相商榷的机会；于当这些机会出现时，就会解决许多公共艺术的基本问题。
这栋位在城中心的十一层建筑物像是一座经过地震震过后的建筑物，它是一个巨大的量体，但是不同楼层则向左或右偏斜，以致形成一副偏斜的怪异面貌。它的大量体解释着它耗费一亿六千馀万美金的纪念性价值，但是当人们进入这建筑时，却发觉它是相当的具有人性感；它沒有一个楼层是一样的，人们移动其中会感到许多惊讶的角落随时出现，并且随时感受到空间引诱着人们四处探索：它有由四週玻璃透入光缐点所亮的公共阅读室，有着如洞穴般的儿童阅读区；它有连续的旋转楼层乘载着书库，有效率的让人们探索着书籍及知识；公共的大厅有着怪异曲面状的楼梯及洞口，赤红的颜色印在墙面，黄色及灰色在开口的上方相应出一副超现实的感觉；几具巨大的电扶梯漆上黄色、绿色及橘色不只轻松化了图书馆的严肃感，也适度地提供了空间方位的确认性。Rem同时邀集了相关领域的艺术家共同设计这栋建筑的内部；他这让这建筑更加接近使用者的期待。平面设计家BruceMau加上了各种有趣的指示符号；视觉艺术家GaryHill的动态影像化成了一面巨大墙面上不断流转的视觉影像；图形艺术家AnnHamilton则设计了一块镶有各国文字的「呓语地板」。Rem身为这栋建筑的主建筑师，他非常清楚这栋建筑物绝非为了要「吓退它的使用者，而是要使人们感到被置入其中。」他诚实的说出：「我喜欢建筑中所呈现多元的活动及现象，而不是试图要将它们分类，给予适当的划分。」
的想像。
罗东极限运动公园坐落在外环道的一侧，它同时被罗东图书馆、东光国中及附近的社区所环夹。落在桥上的PU跑道、高耸由銹铁所包覆的灯光塔、扭动身躯的木头及钢管共构的桥体、镜面不锈钢的极限讯动区，加上绿草及植栽，所有的这一切看起来是既具坚硬的工程挑战，也具有着温柔及浪漫的人文艺术感。（黄声远事务所设计）
一个身为母亲的艺术家，